Аннотация: Анализируются эстетические взгляды видного представителя трансперсональной философии и психологии Кена Уилбера. Отмечается феномен холоничности. Содержится полемика с Хайдеггором и другими эстетическими теориями.

Аннотация: Октябрьская Революция вызвала разную реакцию со стороны культурной элиты России начала 20-го века. В статье рассматривается отношение к социальному перевороту одного из лидеров декадентско-символистского движения В.Я.Брюсова. Через призму символистской эстетики описывается эволюция творческих взглядов поэта.

Аннотация: В статье предлагается новое для искусствоведения, философии искусства и культурологии понятие «композицирование» для выявления с его помощью сути процесса созидания художественного образа при игровом диалоге-отношении между зрителем и произведением в его вещественном качестве. При этом в статье отмечается, что процесс композицирования, содержательно разворачиваясь, обладает способностью этапно оплотняться в ряд знаково уникальных композиций – индексную и символическую, основной функцией которых является создание условий для ре-лигиозно виртуальной связи конечного с конечным и конечного с абсолютным.

Аннотация: Рассмотрена проблема онтологического значения произведений современной отечественной литературы в контексте двух концепций бытия: античной и восточно-христианской. Эксплицируются художественно-эстетические принципы энергийной концепции бытия, а также демонстрируется их применение в области анализа художественных произведений.

Аннотация: В статье рассматриваются эстетические воззрения Го Си — видного китайского пейзажиста XI века. Особое внимание уделено разработанной Го Си теории «трех пространств» — трех видов композиционных построений пейзажа (картин «горы и воды») — базировавшейся на идеях даосской натурфилософии, обобщении художественно-эстетического наследия мастеров пейзажа, предшественников и современников, и рефлексии по поводу собственного практического опыта в этом жанре. Исследование строится на стыке философии, эстетики и искусствоведения.

Аннотация: Обсуждается природа танца и свободного танца на примере постановки «Поэмы экстаза» Скрябина, состоявшейся в 2005 г. на фестивале «Московское действо». Показывается, что свободный танец имеет две ипостаси: с одной стороны, это духовно ориентированная форма жизни, с другой – новый вид искусства. Рассматриваются особенности свободного танца в сравнении с классическим танцем.

Аннотация: Эта статья о концепции виртуального театра - нового вида искусства, которую автор разрабатывает более двадцати лет. В качестве технологической основы в виртуальном театре будут использованы компьютерные виртуальные технологии. Основная идея концепции виртуального театра -содействие в формировании высокой духовной культуры российского общества. Для нашей страны виртуальный театр мог бы стать проводником Российской национальной идеи, а для других стран он явился бы носителем функций примера и презентации, визитной карточкой России.

Аннотация: Статья написана к 150-летию со дня рождения А.П.Чехова и представляет собой опыт литературоведческого анализа, ориентированного на правоведческую и философско-правовую проблематику. На примере хрестоматийно известного рассказа «Злоумышленник» автор показывает, как великий писатель вводит в общественное сознание пореформенной России глубинную антитетику, которой была обременена юридическая теория умысла и вменения. Затрагивается тема художественной прозы как дискурса.

Аннотация: в статье рассматривается мировоззрение и творчество Чехова с философско-эстетических позиций. В этой связи также поднимается вопрос о правомерности приписывать ему религиозные убеждения. Но главное внимание уделяется анализу двойственного характера чеховской поэтики, проводятся параллели с творчеством Л.Толстого, Ф.Достоевского, с западноевропейским романтизмом XIX в. Выявляются причины этой двойственности и основания всемирного признания писателя в контексте глобальных социальных изменений и трансформации общественного сознания в последние сто лет.

Аннотация: Основным вопросом, рассматриваемым в статье, является вопрос о присутствии в художественном процессе рационального «зерна», элемента и его взаимодействие с чувственной составляющей. Выстраивая структуру художественного процесса от чувственного уровня, автор утверждает необходимость присутствия рационального элемента в искусстве. В конце статьи, автор приходит к выводу, что эти два уровня являются предпосылкой формирования третьего звена художественного процесса - жизненного опыта художника.

Аннотация: Статья посвящена актуальной проблеме системного изучения художественной культуры. Описывается локализованная версия системного анализа художественной культуры на основе ее матричного структурирования. Показан эвристический потенциал авторского подхода.

Аннотация: C серединыXIX века в жизни европейского общества произошли значительные социально-культурные перемены, которые существенно изменили представление современного человека об искусстве.В статье рассматривается природа фотографического образа, как особого способа познания окружающего мира. В данной работе автор анализирует различные подходы к содержанию феноменафотоснимка. С одной стороны фотография являетсяновым способом отношения к объективной реальности, через субъективное суждением человека о предмете, а с другой стороны - это возможность приспосабливаться и выживать, сохранять и получать знания о мире.Выступая в различных ролях, фотография имеет возможность концентрировать в себе достижения, как науки, так и искусства, выступать объектом или субъектом в зависимости от целей фотографирования.

Аннотация: В статье рассматривается взаимодействие зрительного и эмоционального восприятий, а также их значение при создании произведений изобразительного искусства. Статья представляет теоретическую и практическую значимость для художников, а также рассчитана на широкий круг любителей философии и искусства.

Аннотация: В статье определены основные понятия современной теории изобразительного искусства, рассмотрен процесс создания художественного образа в диалоге-отношении реципиента с произведением-вещью, обозначена роль искусствоведа, носителя концептуальных положений теории, в единстве таких профессиональных аспектов, как знаток, исследователь, майевтик.

Аннотация: В статье рассматривается художественная репрезентация тела советского человека как субъекта хозяйственной культуры в массовом искусстве 1960–1980-х. Выявляются особенности художественного воплощения идеологического дискурса и повседневного дискурса о теле в видах и жанрах искусства. Раскрываются гносеологические, аксиологические и семиотические аспекты художественных репрезентаций этой формы материальной предметности советской хозяйственной культуры.

Аннотация: Материал представляет собой беседу О.М. Теняковой с известным отечественным философом, профессором К.М. Долговым по случаю его 80-летия. Философ рассказывает о своем научном пути, о наиболее примечательных эпизодах его жизни. Вместе с тем анализируются процессы, которые происходили в становлении эстетики как особого направления внутри философии. К.М. Долгов рассказывает о том, что идеология ангажировала в советские годы философское творчество. Но отмечает также, что в эту эпоху были созданы значительные произведения отечественной эстетики.

Аннотация: Сегодня исследователи пришли к выводу, что сериализм, как стилистическая революция, стал самым мощным выходом из кризиса тональности и был в течение нескольких десятилетий основной силой организации музыкального модернизма. Статья посвящена рассмотрению двух антагонистических движений музыкального авангарда – постсериального модернизма и экспериментального постмодернизма. Показано продуктивное взаимодействие понятий, являющихся бесплодными тогда, когда они разъединены или только вступают в антагонистическое противоречие друг с другом.

Аннотация: В статье рассматривается произведение изобразительного искусства как художественный образ, который кристаллизуется поэтапно в процессе отношения человека-зрителя с произведением-вещью. Выделяются и анализируются материальный, индексный, иконический и символический статусные этапы возникновения художественного образа. Утверждается, что все многообразие особенных художественных образов есть не что иное, как единое произведение изобразительного искусства, созданное в связи с насущной людской потребностью осуществить религиозную связь конечного и бесконечного, человеческого с абсолютным.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.3.7438

Аннотация: В статье рассматривается творческий процесс как диалог художника с художественным материалом, когда, выступая в единстве «искусственности», «искусности» и «искуса», художник способен про-изводить из небытия в присутствие произведения искусства. Анализируются качественные характеристики мастерства создателя художественных произведений. Утверждается, что отношение художника и художественного материала представляет собой игровое взаимодействие, необходимое для появления произведений искусства.

Аннотация: Сегодня исследователи пришли к выводу, что сериализм, как стилистическая революция, стал самым мощным выходом из кризиса тональности и был в течение нескольких десятилетий основной силой организации музыкального модернизма. Статья посвящена рассмотрению двух антагонистических движений музыкального авангарда – постсериального модернизма и экспериментального постмодернизма. Показано продуктивное взаимодействие понятий, являющихся бесплодными тогда, когда они разъединены или только вступают в антагонистическое противоречие друг с другом.

Аннотация: Сегодня исследователи пришли к выводу, что сериализм, как стилистическая революция, стал самым мощным выходом из кризиса тональности и был в течение нескольких десятилетий основной силой организации музыкального модернизма. Статья посвящена рассмотрению двух антагонистических движений музыкального авангарда – постсериального модернизма и экспериментального постмодернизма. Показано продуктивное взаимодействие понятий, являющихся бесплодными тогда, когда они разъединены или только вступают в антагонистическое противоречие друг с другом.

Аннотация: Автор данной статьи пытается раскрыть верное представление о великом поэте, писателе и мыслителе XIX века Джакомо Леопарди, в фигуре которого много загадочного и сокрытого от глаз, рассматривает восприятие творчества Леопарди в России за последние более чем 150 лет после первого упоминания у нас имени поэта.

Аннотация: В предлагаемой работе рассматривается ряд философско-антропологических проблем, свойственных творчеству несколько «маргинальной» для философии фигуры — писателя и поэта, утонченного лирика и романтика по существу — Джакомо Леопарди.

Аннотация: В данной статье представлен анализ творчества Густава Майринка (Meyrink Gustav, 1868-1932) – австрийского писателя, одного из родоначальников направления в литературе, известного под именем «черного романтизма». В последние годы можно наблюдать возрождение интереса к творчеству Майринка в России, особенно в среде интеллектуалов, тяготеющих к традиции оккультного знания.

Аннотация:

Аннотация:

Аннотация: Анализируя жизнь и творчество польского писателя Станислава Игнацкого Виткевича, автор показывает значимость и актуальность взглядов писателя для современной культуры, философии и искусства.

Аннотация: Являясь даже более глубоким, чем речь, средством коммуникации, кинематограф обладает своим «языком» - системой аудиовизуальных кодов, несущих зрителю определенное сообщение. Анализируя положения Метца и Пазолини, которые считали первоэлементами кинематографического языка изображение и действие, Умберто Эко исследует различные виды этих «кодов» и их «членений» - уровней элементов, на которые можно условно поделить такой код.

Аннотация: Анализируя творчество А. Белого, автор не находит в его эстетических трудах специальных размышлений о мифе, его происхождении и природе. Однако он считает, что сама концепция «жизнетворчества», предложенная поэтом, дает основание рассматривать ее как обнаружение специфического понимания творчества. Отсюда стремление А. Белого вознести личности к актам первотворения.

Аннотация: Анализируются эстетические взгляды видного представителя трансперсональной философии и психологии Кена Уилбера. Отмечается феномен холоничности. Содержится полемика с Хайдеггором и другими эстетическими теориями.

Аннотация: Обсуждается природа танца и свободного танца на примере постановки «Поэмы экстаза» Скрябина, состоявшейся в 2005 г. на фестивале «Московское действо». Показывается, что свободный танец имеет две ипостаси: с одной стороны, это эзотерическая форма жизни, с другой – новый вид искусства. Рассматриваются особенности свободного танца в сравнении с классическим танцем.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.8.30574

Аннотация: Предметом исследования является тема творчества и трансформация экранной картины мира как важнейших элементов развития режиссерского стиля. Объектом исследования являются фильмы известного отечественного режиссера Глеба Панфилова, снятые им в 60-80-е годы прошлого века. Автор подробно рассматривает драматургические перипетии сюжета, формирования особого женского образа в фильмах, развитие созидательной составляющей характера в его картинах. Особо внимание уделяется киноведческому разбору режиссерских элементов, формирующих пространство экранной картины мира, составляющей целостную основу восприятия и суггестивной составляющей фильма. Основной метод исследования - фильмический анализ кинолент, основанный на эстетических понятиях общего или киноведческого генезиса, включающий разбор драматургии, характеров и пластических средств экранной выразительности. Основными выводами исследования является заключение о поступательном развитии образов-характеров женских персонажей фильмов Панфилова от индивидуализированного творца к творцу, адаптированного в обществе. Соединение в анализе характеристик героев и влияния персонажей на экранную картину мира позволило автору статьи прийти к концептуальным заключениям, касающимся изменений в авторском стиле Г. Панфилова в течение рассматриваемого периода.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.9.30725

Аннотация: Объектом исследования является междисциплинарное понятие "канон", которое интерпретируется автором статьи применительно к кинематографическому опыту известного европейского режиссера Кшиштофа Кесьлевского. Автор обращает внимание на возможность совместного анализа его кинопроизведений с высказываниями о структурных особенностях лирического произведения философа Мартина Хайдеггера. Анализируя серию фильмов "Декалог" и другие ленты, автор приходит к заключению о формировании особого исторического канона экранной реальности фильмов К. Кесьлевского, основанного на эмоциональном длительном переживании показанных на экране событий и максимальной эмоциональной суггестии фильмов, сознательно созданной режиссером при помощи хронотопических элементов. Основным методом исследования является киноведческий анализ фильмов Кшиштофа Кесьлевского, который основывается на интерпретации классических междисциплинарных (искусствоведение, культурология) понятий: канон, хронотоп. Новизна исследования заключается в совмещении и интерпретации терминов классического искусства (канон, хронотоп) с живым, определяющимся индивидуально зрителем, текстом кинематографического произведения. Вторым выводом из статьи становится утверждение о длительной природе переживания сюжетных перипетий фильмов Кесьлевского, построенных по законам исторического канона и эмоционального наполнения сюжета.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.10.31005

Аннотация: Предметом анализа выступают проблемы живописи и, особенно, рисунка в философии Жака Деррида. В качестве отправной точки исследования мы выбрали опыт совместного творчества Жака Деррида и итальянского художника Валерио Адами, отразившийся в создании 500 шелкографий, а также попытку осмысления этого художественного опыта совместного творчества и двойной подписи в статье Деррида «+R (par dessus le marché)», вышедшей в 1975 году и явившейся первой публикацией философа, выстроенной вокруг проблемы рисунка. Автор стремимся показать, как дискурс Деррида накладывается на графические практики Адами, образуя, своего рода, взаимное притяжение линии и письма. Несмотря на значимость темы искусства в философии Жака Деррида, в настоящий момент на русском языке нет ни одной работы, которая хоть сколько бы то ни было обстоятельно затрагивала данную тему. Главная проблема искусства XX века в понимании Деррида – это не дилемма абстрактного и фигуративному, но дискурсивная природа фигуры, то есть её особая конфигурация в виде письменного следа.

DOI: 10.7256/2454-0757.2020.7.33570

Аннотация: Предметом исследования выступает проблема рисунка в философии Жака Деррида и, в частности, так называемая «гипотеза ослепления», которую Деррида высказывает в работе «Мемуары слепого: автопортрет и другие руины»: «рисунок… и операция рисования должны иметь некое отношение к ослеплению». Деррида исследует эту устоявшуюся онтотеологическую традицию классической метафизики: ослепление здесь становится необходимым жертвенным актом, условием, делающим возможным переход от физического ока — к духовному, поэтому Деррида описывает это как «жертвенную» экономику, которой с неизбежностью следует художник, каждый рисунок которого оказывается пророчество слепца, обозначающим горизонты грядущего.   Эксплицируя обозначенную гипотезу Деррида, мы обращаемся не только непосредственно к тексту «Мемуаров слепого» и документально-нарративному фильму его сопровождавшему, но также стремимся реконструировать одноименную выставку, состоявшуюся в Лувре в 1990 году, куратором которой также выступил Деррида. Сопоставление этих трех пластов позволило полнее раскрыть «гипотезу ослепления», и вписать её в более общий философский контекст деконструкции, а также переосмыслить проблемы фигуративности рисунка, его миметического и репрезентативного характера. Мы приходим к выводу, что сущность рисунка никак не связана с видимым, и его исток лежит всецело на уровне памяти.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.6.36354

Аннотация: Проблема хореографической интерпретации романа Толстого «Анна Каренина» в современном балетном театре представляется актуальной: за последние двадцать лет сразу несколько именитых балетмейстеров обратилось к этой теме. Предметом настоящей статьи является трактовка Джоном Ноймайером образа Левина, цель работы – определить выразительные элементы и особенности хореографической лексики, использованные балетмейстером при постановке данной роли, и сопоставить их с текстом литературного первоисточника. В процессе исследования применялся комплексный подход: сравнительный и аналитический методы, метод включенного наблюдения (в ходе работы с Ноймайером над партией Кити). В число использованных источников вошли лекции Ноймайера перед московской премьерой «Анны Карениной» (записи из архива автора) и материалы из театральных видеоархивов. Детальный семантический анализ режиссуры и хореографической лексики партии Левина стал основным инструментом для определения черт толстовского героя, которые Ноймайер вычленил из литературного первоисточника. Именно Левину отданы вписанные в художественную ткань романа размышления Толстого на темы, требующие глубокого философского осмысления. Создавая свою хореографическую трактовку этого образа, Ноймайер не преследовал цель дословно следовать оригиналу. Однако балетмейстер максимально подчеркивает отличие Левина от других персонажей. Определение постановочных приемов, использованных для этого, относится к новым результатам исследования, применимым в дальнейшем изучении творчества Ноймайера. Это форма развернутого монолога, песни Стивенса как музыкальная основа, босые ступни танцовщика, серия символических пластических лейтмотивов, свободная пластика, напоминающая импровизацию, использование деталей костюма. Монологи Левина – спектакль в спектакле, философски-символическая хореографическая медитация, не связанная с общей сюжетной канвой. Подобное решение, при всех очевидных отличиях, концептуально роднит разработку образа Левина с текстом первоисточника. Интерпретация изученной роли – одна из ключевых составляющих в трактовке романа Толстого Ноймайером, вобравшая инновационные авторские постановочные решения.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.4.37808

Аннотация: Предметом исследования является изучение такого специфического жанра как антиутопия, которая является доминирующей формой общества в постапокалиптических мирах. Объектом исследования выступает антиутопия и постапокалипсис в кино, а также их особенности в современных реалиях. В процессе исследования отдельное внимание уделяется изучению содержательной сущности таких дефиниций как «антиутопия», «апокалипсис» и «постапокалипсис». Особый акцент сделан на принципиальной разнице и отличиях апокалиптических и постапокалиптических событий. Также отдельное внимание уделено причинам и факторам, которые обуславливают возвращение популярности антиутопическим нарративам в кинематограф. Кроме того, рассмотрена социальная, политическая и философская направленность жанра антиутопии.      Основными выводами проведенного исследования является заключение, что кинематограф благодаря динамической аудиовизуальной природе позволяет антиутопии раскрыть свой потенциал как захватывающего и развлекающего жанра, одновременно провоцируя зрителя на критические размышления и действия. Особый вклад автора заключается в том, что в процессе анализа удалось обосновать утверждение, что видение антиутопического кинематографа и соответственно содержание фильмов меняется в зависимости от событий, происходящих в определенный исторический промежуток времени, что позволяет изображать различные характеристики постапокалиптического мира. Научная новизна исследования заключается в проведении дискуссии об историческом фоне терминов «апокалипсис», «постапокалипсис» и «антиутопия» в рамках нового тысячелетия и событий, которые произошли и повлияли на весь мир и его восприятие возможного конца.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.5.37881

Аннотация: В данной статье рассматривается история создания теории игры, как феномена культуры и искусства. Вклад теоретиков и художников ХХ века в становлении теории игры, её места в современном искусствоведении и философии. Значение и влияние личности Марселя Дюшана, художников-сюрреалистов в создании современного понимания игры в искусстве и в жизни. Предметом исследования в данной статье стали такие понятия, как игра и её место в искусствоведениb в целом, так и роль и значение шахматной игры в частности, на примере творчества и деятельности Марселя Дюшана. Предлагается авторский взгляд на осмысление проблемы взаимовлияния шахматной игры и художественного творчества. Предпринята попытка объяснения мотивации выбора игры как художественного принципа и метода. Насколько важно применение игры в создании художественного образа, так же значителен творческий имидж художника. Методология исследования основана на базовых принципах теории игры Роже Кайлуа и Йохана Хейзинга применительно к шахматной стратегии Марселя Дюшана. Новизна этой работы заключается в привлечении внимания к роли и значению именно шахматной игры на творчество, влияние на эстетические, художественные и философские взгляды художника.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.6.37978

Аннотация: Китайская живопись всегда была уникальным продуктом нашей древней цивилизации, который дошел до наших дней. В ходе своего 2000-летнего развития китайская живопись постепенно превратилась в уникальный и невоспроизводимый вид искусства, способный выразить мысли и чувства художника. С течением времени китайская живопись также демонстрирует новую тенденцию наследования и инновационного развития. Изменения в китайской живописи происходят одновременно с процессами глобализации. Это порождает новые исследования, посвященные тенденциям диверсификации художественного творчества. Фокус художественного выражения переместился от изображения непосредственных природных объектов в сторону духовной плоскости, что является прямым результатом творческой деятельности художников, стремления которых проявляются в применении традиционной китайской живописи тушью в сочетании с новыми методами фигуративного изображения и глубоким осмыслением духовного содержания. С древних времен художники активно стремились гармонизировать и сбалансировать субъективное и объективное, а также достичь их органичного сочетания. В данной статье рассматривается традиционная китайская живопись как источник и движущая сила трансформации китайской живописи、отпечатки эпохи и интеграции в содержании картин、попытки введения западного понятия фронтальной композиции, а также обновление языка живописи и художественных концепций. Утверждается, что фундаментальной движущей силой и главной поддержкой развития китайской живописи в условиях глобализации должны быть традиции, интегрированные с новыми творческими элементами и техниками, таким образом, можно лучше пропагандировать китайскую культуру и унаследовать суть традиционной китайской живописи.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.8.38638

EDN: UFBMMG

Аннотация: Предметом настоящего исследования является репетиционный процесс в хореографическом искусстве. Объектом исследования оказывается осмысление данного процесса как творческой интеграции артиста и педагога-репетитора. Автор работы подробно рассматривает такие аспекты темы, как амплуа артиста, подготовка артиста балета к спектаклю, приводит примеры произведений искусства, способствующих оттачиванию профессионального мастерства танцовщиков. Автор акцентирует внимание на важности участия в сценической практике в годы обучения, что позволяет более уверенно чувствовать себя на сцене в качестве профессионального артиста балета, а также указывает на основное противоречие – временную ограниченность на подготовку артиста к партии и необходимость демонстрации безупречного исполнения.   Важность данного исследования выражается в том, что в современном образовании и репетиторской работе в театре такое явление как творческая интеграция является важным фактором в достижении поставленных целей, а именно в получении и поддержании профессионального уровня академических театров. Результатом проведенного исследования оказывается оформление модели современной подготовки артистов к участию в спектаклях классического репертуара, с направленностью на сохранение хореографического текста и наследия в целом. Новизна исследования заключается в комплексном подходе к характеристике творческой интеграции артиста балета и педагога в процессе подготовки к спектаклю, определении ведущих профессиональных черт танцовщиков, наличие которых позволяет реализовать задачу по созданию качественного продукта совместной деятельности исполнителя и педагога-репетитора.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.10.38893

EDN: FMGNPE

Аннотация: На протяжении XX века теория исполнительского искусства не раз предпринимала попытки привести в систему различные явления в области интерпретации произведений академической музыки. Количество исполнительских стилей или типов в работах разных исследователей становилось все больше, пока к началу нынешнего века не свелось к единичному понятию – к категории индивидуального стиля. Эта тема обсуждалась в основном в трудах, посвященных теории пианизма. Результаты их наблюдений и выводы могут быть применены к исполнительскому искусству в целом. В статье упоминаются работы К.А. Мартинсена, Д.А. Рабиновича, В.П. Чинаева, А.В. Малинковской и др. Вопросы музыкального восприятия находятся в поле зрения не только музыкознания, но и музыкальной психологии.   Данная работа предлагает новый вектор исследования проблем музыкального восприятия, связывая особенности музыкальной образности, создаваемой исполнителем и характер восприятия. Выявляются некоторые закономерности, которые позволяют говорить о типах музыкального образа, принципах его построения и типах восприятия. Это аффективный образ, создающийся по принципу контраста. Ему соответствует психофизический тип восприятия. Контекстный образ руководствуется принципом связей. Ему соответствует эстетический тип восприятия. Интегративный образ формируется, ориентируясь на принцип целого. Ему отвечает символический тип восприятия. Невозможна герметичная система типологии, ей во многом будет противостоять художественная практика. Однако, обозначенные тенденции способны пролить свет на природу музыкального восприятия, продолжить научную дискуссию актуальной темы музыкального исполнительства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.11.39115

EDN: AUTCOR

Аннотация: Хотя фортепиано - инструмент с более чем трехсотлетней историей, в Китае его не было в течение длительного времени. Поэтому в процессе обучения игре на фортепиано в Китае часто играют многие западные фортепианные произведения, но редко соприкасаются с фортепианными произведениями в китайском стиле. С развитием времени, благодаря неустанным поискам выдающихся китайских композиторов, появляется все больше фортепианных произведений, основанных на этнической культуре и китайском стиле. Некоторые из этих произведений основаны на музыке национальных меньшинств, некоторые являются адаптацией китайских народных песен, а некоторые заимствованы из народной музыки. «Весенний танец» является типичным произведением, отражающим культуру проживающих в Синьцзяне уйгуров. Произведение мелодично, ритмично, выражает прекрасную природу Синьцзяна, теплый и энергичный характер уйгурского народа.В данной статье анализируется «китайский стиль» «Весеннего танца» в надежде, что он послужит основой для изучения фортепианных произведений с китайским национальным колоритом. «Китайский стиль» в ритмах — это не только имитация ритмов традиционных народных инструментов, но и имитация особенностей языка китайских национальных меньшинств. Благодаря изучению «китайского стиля» в этом произведении, автор глубже понял неповторимое очарование китайских фортепианных произведений, что также послужит ориентиром для последующего изучения подобных фортепианных произведений.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.4.39779

EDN: EMMCBU

Аннотация: Культура традиционной одежды и украшений является неотъемлемой составляющей древнейшей китайской цивилизации. Китайский традиционный костюм отличается богатым содержанием, актуальностью в любое время, а также своими уникальными особенностями. На традиционную одежду оказывали влияние сменявшие друг друга тысячелетние династии, приносившие хаос войны. В данной статье рассматривается культура традиционной китайской одежды, проводится анализ особенностей формы, цвета, орнамента, а также прочих элементов, характерных для традиционной китайской одежды, которые связаны с иерархическим порядком в традиционном китайском обществе, концепциями единства человека и природы, следованием нормам конфуцианства и даосизма, а также принципами гармоничного сосуществования и уважения природы. Помимо этого, в рамках данной статьи рассматривается путь преобразования ценностей, заключенных в китайской традиционной одежде, которые помимо прямого предназначения включают в себя гораздо больший спектр понятий, значений и способов практического применения. Культура китайской одежды пронизывает множество аспектов жизни традиционного китайского общества, являясь одновременно не только символом традиционной китайской культуры, но и средством продвижения и сохранения китайского национального духа. Кроме того, в данной статье рассматриваются также особенности современного стиля в китайской одежде и средства применения традиционных китайских элементов в рамках современной моды, позволяющие осуществлять развитие современной культуры одежды.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.5.40630

EDN: YFFDLO

Аннотация: В 1604 году китайское искусство через китайские товары стремительно и широко проникло в европейское общество, что оказало глубокое влияние на европейское искусство, повседневную жизнь и эстетику. В течение столетия популярности всего китайского в Европе именно китайские товары, представленные фарфором и шелком, имели самое непосредственное отношение к жизни людей. Со второй половины XVII века до второй половины XVIII века европейская культура и искусство переживали бум восточного искусства. Ряд художников-новаторов начали менять свои традиционные интересы и методы живописи, создав множество шедевров с китайским колоритом. Так была открыта новая страница в истории восточной и западной живописи. Прошло достаточно много времени, прежде чем туман мифов и легенд, окутавший Китай и Европу, две высшие цивилизации человечества, рассеялся, когда в XVIII веке западному миру открылась истинная природа Китая. Данная работа разделена на три следующих части: Возникновение шинуазри; Рококо и живопись Ватто ; Закат шинуазри. В работе используются документальные исследования, сравнительный анализ и тематические исследования для изучения феномена популярности Китая, охватившей Европу как прямое следствие распространения китайской культуры.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.9.43931

EDN: WAACGX

Аннотация: Статья посвящена анализу понятия игры и её присутствия в творческой деятельности. Игровой процесс представлен, как важная часть человеческой жизни. Присутствие обоих элементов в работе человека формирует его как "творческое" и "творящее" существо. Вводимые характеристики анализируются с точки зрения исторического контекста, где понятия человека творящего и человека играющего приравниваются друг к другу. Их сходство устанавливается на основе описания признаков игры, выявленных в начале XX в. Игра и искусство рассматриваются отвлеченно от конкретного культурного фона, как организующие человека функции сохраняющие абстрактный характер. Выделенные в статье признаки игры приводятся как доказательства того, что пластическое искусство хранит ее в своей основе также, как и мусическое искусство. Их деление в рамках культа и мифа привело к возникновению вопроса наличия игры в искусстве. Решение поставленного вопроса лежит в области роли участника игры. Анализ с точки зрения ролей «творца» и «наблюдателя» позволяют раскрыть заблуждения относительно прикладного искусства и его игровой функции.Полученные выводы показали, что позиция «наблюдателя» не всегда позволяет увидеть целостную картину относительно процесса пластического творчества. За счет скрытости большей части деятельности во внутреннем мире художника, наблюдателю не удается усмотреть в механической работе игрового процесса. На этом основании им делается вывод о недостаточности пластического искусства. Анализ с позиции человека творящего, напротив, указывает на полное соответствие прикладных видов искусства игровому процессу. На этом основании указывается, что игра не только абстрактное понятие, характеризующее жизнь человека, но и основная составляющая любого творческого процесса.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.11.68835

EDN: ANIXMJ

Аннотация: Предметом исследования являются особенности формирования канонической двухвечерней редакции оперы С. С. Прокофьева «Война и мир» и влияние на этот процесс авторов первой постановки сочинения в Малом оперном театре в 1946 году – музыкально-сценической версии дирижера С. А. Самосуда, режиссера Б. А. Покровского и художника В. В. Дмитриева. Основная цель работы – выявление ключевых аспектов воздействия театра и постановочного процесса на облик легендарной оперной эпопеи С. С. Прокофьева. Методология работы опирается на принцип историзма в изучении музыкальной драматургии и сценической ткани спектакля, выработанный отечественной театроведческой школой. Изучение первой редакции оперы 1943 года, подробный анализ репетиционного и постановочного процесса подготовки премьерного спектакля в Малом оперном театре, сохранившихся писем и воспоминаний, периодических изданий, а также ряда архивных материалов выявляют значительную роль авторов постановки – дирижера С. А. Самосуда и режиссера Б. А. Покровского – в переработке созданного изначально сочинения композитора, объясняют работу С. С. Прокофьева над произведением с целью создания дополнительных музыкально-драматических эпизодов, ставших впоследствии кульминационными точками канонической версии оперы. Научная новизна исследования в том, что в нем рассматриваются малоизвестные факты истории создания оперы «Война и мир» С. С. Прокофьева – влияние театра на облик произведения, сформировавшегося в результате работы над постановкой 1946–1947 годов. Под воздействием дирижера Самосуда и режиссера Покровского из камерной одновечерней оперы Прокофьева (1-я редакция 1943 года) сложилось масштабное полотно из 13-ти картин с эпиграфом. Сегодня именно эту партитуру (по сути вторую редакцию оперы) принято считать канонической.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.3.37741

Аннотация: Настоящая статья продолжает исследования автора, посвященные изучению проблемы хореографических трактовок литературных произведений, в частности, балета Джона Ноймайера «Анна Каренина». В данной работе выявление выразительных постановочных средств и хореографических элементов, использованных Ноймайером при постановке дуэтов Анны Карениной и Алексея Вронского, проводится с целью определения места этих хореографических фрагментов в спектакле, а также их значения для авторской трактовки образов главных героев романа Л. Н. Толстого. В процессе исследования автор применял сравнительно-исторический, идейно-художественный и аналитический методы, а также метод включенного наблюдения (основанный на личном опыте работы с Ноймайером над партией Кити). В ходе источниковедческого анализа использовались видеоматериалы из архивов гамбургского «Ballettzentrum» и московского Большого театра, а также лекции, проведенные Ноймайером перед московской премьерой «Анны Карениной» (записи из архива автора). Проведенный детальный анализ танцевальной партитуры трех дуэтов Анны и Вронского позволил выявить традиционные и инновационные авторские решения, относящиеся к новым результатам исследования. Итак, Ноймайер использует такие постановочные средства, как компиляция музыки Чайковского и Шнитке; включение в хореографическую канву образов-символов (стул, дверь, мешок); появление других персонажей; использование сценического освещения для акцентирования перехода от реальности в сферу подсознания; активное хореографическое развитие, основанное на технически насыщенном дуэтном танце, изобилующим высокими поддержками в неоклассическом стиле, а также акробатическими элементами; смысловое использование пластических цитат. Можно сделать вывод, что для разработки образов и отношений Анны Карениной и Алексея Вронского доминирующей музыкально-хореографической формой балетмейстер избирает дуэт. Более того, в своей версии «Анны Карениной» Ноймайер делает три дуэта главных героев ключевой составляющей спектакля и авторской интерпретации образов главных героев.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.4.37840

Аннотация: Предметом исследования является период отечественной симфонической музыки 1960-х годов. На советскую музыкальную сцену вышло новое поколение композиторов-«шестидесятников», властно заявившее о себе яркими творческими достижениями, свежим и современным музыкальным языком. Эпоха перелома диктовала новую реальность, требовала нового художественного мышления, генерировала многообразные творческие идеи. Панорама отечественной музыки была довольно пестрой, многое в искусстве появлялось и исчезало весьма стремительно, на музыкальную сцену возвращался стилевой плюрализм, утраченный на заре Советской власти. Особое внимание в исследовании уделяется сочинениям композиторов ленинградской школы — С. Слонимского, Ю. Фалика, Л. Пригожина и В. Гаврилина. Все они открыли новые стилистические горизонты и вобрали в свою звуковую орбиту основные тенденции современной музыки, включая завоевания западного авангарда.   Научная новизна работы состоит в том, что автор рассматривает яркие и самобытные сочинения молодых ленинградских авторов в контексте стилевых и языковых новаций 1960-х годов. В статье анализируются роль и место в борьбе за «новую музыку» композиторов-«шестидесятников». Основным выводом статьи становится мысль о том, что рассматриваемый нами период музыкального обновления 1960-х оказался предельно насыщен сложнейшей и разновекторной проблематикой: идейной, общеэстетической, музыкально-стилевой. С. Слонимский, Ю. Фалик, Л. Пригожин, В. Гаврилин стали бесспорными лидерами в деле обновления отечественной музыки второй половины ХХ века, а их произведения-«символы» в полной мере отобразили напряженные искания послевоенного поколения советских композиторов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.12.31892

Аннотация: Мифологема сибирской ссылки и ее место в структуре национального сознания в последние десятилетия пристально изучаются культурологами, философами, литературоведами. Однако проблема визуальных репрезентаций данной мифологемы, которая, казалось бы, в условиях современного «визуального поворота» должна была привлечь к себе повышенное внимание гуманитариев, до сих пор остается за пределами научных исследований. В статье впервые выявлен и выстроен хронологический ряд знаковых и значимых произведений отечественного искусства, охватывающий полуторавековой период изобразительных фиксаций сибирской каторги и ссылки, позволяющий отследить основные трансформации создаваемых визуальных образов на разных этапах отечественной истории. Работа имеет культурологический характер, поскольку построена на выявлении и анализе общих тенденций, общий закономерностей указанного процесса, не претендуя на детальный искусствоведческий разбор отдельных работ. Произведения искусства, выступающие источниками исследования, рассматриваются как наглядное отражение бытующих в российском социуме представлений о сибирской ссылке и одновременно как способ их формирования и закрепления. Выделяются соотношения «известное по собственному опыту» – «сконструированное на основании бытующих мифов», эмоциональное – информативное, которые увязываются с темпоральными параметрами и степенью критичности работ

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.11.68977

EDN: EIIVNF

Аннотация: Объектом данного исследования является речевой стиль артистов Большого драматического театра им. Горького в 1950-1960-х годах. Предмет исследования – эволюция речевого стиля от первой ко второй редакции спектакля Г. А. Товстоногова «Лиса и виноград» («Эзоп»). Автор статьи подробно изучает две версии знаменитого спектакля, анализирует актерскую речь Н. Корна, В. Полицеймако, О. Басилашвили и С. Юрского с эстетических и технологических позиций. Особое внимание автор уделяет изменению интонационно-мелодической архитектоники звучащей речи менее, чем за одно десятилетие. Произошедшая между 1957 и 1967 гг. в Большом драматическом театре им. Горького смена речевого стиля включается автором в более широкий контекст перемен в искусстве эпохи «оттепели».  Методология исследования включает в себя измерение (проведение слухового анализа темпа речи, слуховой анализ дикции и орфоэпии, инструментальный анализ интонационно-мелодической партитуры), сравнительный анализ, индукцию, исторический метод. Новизна настоящего исследования заключается в комбинированном использовании инструментов слухового и инструментального анализа актерской речи. Субъективно очевидную разницу между звучанием речи в первой и второй редакции спектакля «Лиса и виноград» автор наглядно доказывает, проводя подробный сравнительный анализ актерской речи по всем основным параметрам: темпу, дикции, орфоэпии, мелодике. От исследования конкретного спектакля и конкретных актерских работ автор выходит на обобщение, делая вывод о мощном влиянии экранной (кинематографической) речи на театральную в 1950-1960-х годах, о формировании нового стандарта зрительского восприятия и нового представления о достоверности актерской речи. В финальной части статьи автор делает вывод о том, что в эпоху "оттепели" театральное слово начало движение в сторону слова бытового, слова жизненного, и что этот процесс продолжается до сих пор.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.1.39584

EDN: DTFHPI

Аннотация: Статья посвящена иллюстрациям В. Янкилевского для научно-популярного издания «Знание-сила» в период его особого расцвета в 1960-е годы. Исследование преследует цель обнаружить концептуальную и художественную специфику этих работ и в то же время вписать их в более широкий контекст творчества художника, решая при этом задачу по определению их места внутри авторского мира образов. Особое внимание автор уделил рассмотрению основных тем, с которыми работал В. Янкилевский, и способов их воплощения. В частности, это такие авторские концептуальные коды как: энергетическое напряжение, антитеза "живое-мертвое", образы прорыва и бесконечности. В научной литературе эта проблема еще не освещалась, так как фокус внимания в ней сосредоточен в основном на живописи и станковой графике мастера, в то время как иллюстрации В. Янкилевского остаются для дискурса маргинальным явлением. Данная статья послужит началом для заполнения образовавшейся лакуны. Основным результатом проведенного исследования является обнаружение созвучия образов магистрального творчества художника и заказной иллюстрации в научно-популярном издании «Знание-сила», что было возможно благодаря поднимавшимся там темам, выходящим за пределы повседневного опыта и слабо поддающимся законам устоявшейся цензуры. При этом были найдены существенные различия: в частности отсутствие в иллюстрациях важнейшей для станковой живописи и графики В. Янкилевского проблемы взаимодействия мужского и женского архетипов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.8.43752

EDN: UITNUX

Аннотация: Предметом исследования в статье является кризис искусства, который рассматривается как в экзогенном плане (его возникновение связывается с различными внешними факторами), так и в эндогенном, идентифицируемом как состояние самодостаточности в бытовании искусства. Акцент сделан на анализе опыта социологии искусства в понимании кризиса и кризисности как фактора развития времени и человека. Дается оценка теоретизированию по поводу кризиса искусства на междисциплинарном уровне, а также основной упор сделан на потенциале социологического знания в констатации исследуемого состояния искусства. Кроме того, выявляются основные направления концептуализации кризиса искусства в науке. Основными выводами проведенного исследования являются следующие ключевые положения: 1) концептуализация кризиса искусства в рамках соответствующей отраслевой социологии осуществляется и в аспекте понимания искусства как формы общественного сознания, и с точки зрения соотношения формы и содержания, а также идейно-художественного потенциала; 2) концептуализация кризиса искусства является самостоятельным ракурсом научных исследований, ставящих задачи по объективации кризиса искусства, пониманию основных закономерностей его возникновения, развития и возможного разрешения или усугубления; 3) социология искусства идентифицирует кризис искусства как такое состояние, при котором снижается роль искусства в социализации и инкультурации личности.

DOI: 10.7256/2454-0757.2018.8.27155

Аннотация: Предметом исследования является рассмотрение специфики концептуализации творчества как феномена в рационалистической философской традиции. Данная концептуализация означает переход от понимания творчества как атрибута бытия к его пониманию в качестве самого значимого атрибута человеческого бытия, как деятельности всесильного, то есть «чистого разума». Отмечено, что новизна как результат рациональной активности творческого субъекта предопределена универсальной, субстанциональной природой мира, проявляющейся в единых закономерностях, которые, в свою очередь, должны быть открыты. Важными исследовательскими средствами выступают методы философской интерпретации, культурно-исторической реконструкции понятия творчества, принципы социокультурного подхода. Научная новизна заключается в определении аналогов «чистого разума» и его детерминирующей роли понимания феномена творчества в дискурсе рационалистической философии. Выявлен определяющий концепт – человек творческий, включающий в себя характеристики полной уверенности во всесилии разума как источника всех творческих интенций и абсолютизации возможности творческих изысканий в области научного познания, в области покорения и преобразования окружающего мира. Сделан вывод, что рационалистическая философская традиция задает логико-гносеологические ориентиры при философской концептуализации творчества.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.2.69975

EDN: SAHJZN

Аннотация: Объектом данного исследования выступает творчество как культурфилософский и историко-философский феномен. Предметом работы является обоснование сущности творчества русской религиозной философией на примере учений В.С. Соловьёва и Н.А. Бердяева. Цель настоящей работы заключается в выявлении и артикулировании ключевых смысловых конструктов творчества с позиций вышепредставленных мыслителей. В статье также исследуются представления о природе творчества и специфических особенностях творческого субъекта сквозь призму актуальных концепций социально-гуманитарной направленности. Осуществляется краткий историко-философский экскурс понимания онтологической природы творчества, раскрываются современные онтологические концепции творчества и предлагается бытийно ориентированное понятие творчества. Творчество в контексте религиозно-философских исканий В.С. Соловьёва и Н.А. Бердяева рассматривается, соответственно, как процесс свободной теургии и экстатического трансцендирования.  Теоретической основой исследования предстают оригинальные труды В.С. Соловьёва и Н.А. Бердяева, а также различные комментирующие научные источники. Методологическим фундаментом работы является компаративистский анализ и метод контекстуального видения творчества, посредством которых раскрывается смысл феномена творчества в концептуальных построениях вышепредставленных мыслителей. Главным результатом проведённого исследования является артикуляция ключевых аспектов понимания творчества В.С. Соловьёвым и Н.А Бердяевым. Показывается, что для первого философа центральной задачей творчества выступает одухотворение материального мира посредством осуществления всеединства Блага, Истины и Красоты, в то время как второй мыслитель основной миссией творчества полагает учреждение субъектом принципиально иного духовного бытия. Если для Соловьёва творчество раскрывается как способ восхождения человека к Богу, а субъект творчества выступает своего рода пророком потенциального совершенного мира, то Бердяев обосновывает творчество человека в качестве продолжения божественного дела миротворения, а самого творческого субъекта – как со-творца и воплотителя новой жизни. Научная новизна исследования также заключается в сравнительной характеристике концепций творчества данных мыслителей в аспекте сущности, задач, значения, материала, источников, функций, результата и иных структурных компонентов творчества.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.12.25123

Аннотация: Предметом исследования является анализ взаимосвязи советского дизайна, включая промышленный дизайн, текстиль, архитектуру, и идеи проектирования нового человека в контексте его осмысления через предметный мир. Раскрывается эта тема через обращение к анализу развития предметного мира. Спецификой исследования является рассмотрение особенностей дизайна в СССР не только в рамках политических и экономических особенностей развития страны, но и идей, повлиявших на их формирования. Объектом работы также стало искусство авангарда, без которого невозможно было бы рождение художественного конструирования. Методология исследования была определена целью и задачами исследования. В основе методологии лежит, с одной стороны, историко-философский анализ, с другой – сопоставительный анализ. Особым вкладом автора в исследование темы является то, что проводится междисциплинарный анализ формирования советского дизайна, доказывается факт того, что в отличие от зарубежного дизайна, который возник в связи с развитием промышленности, появление дизайна в России было неразрывно связано с искусством авангарда. Основным выводом работы является рассмотрение вопроса о том, почему проект «нового человека» так и не получил реального воплощения и почему передовые идеи советского дизайна так и не имели воплощения в промышленности.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.12.37219

Аннотация: Предметом исследования являются теоретические работы Бернара Чуми. Цель работы — определить место проблемы телесного опыта в теории архитектуры швейцарского архитектора. Для достижения поставленной цели были рассмотрены ключевые темы его работ, такие, как вопрос о границах и пределах архитектуры, архитектура как место возникновения события, а также ряд понятий - «наслаждение», «пределы», «насилие». Источниками для анализа выступили тексты Б. Чуми, созданные им с 1977 по 1981 годы: очерк "Наслаждение архитектурой" (1977), статья "Насилие архитектурой" (1981) и серия эссе "Архитектура и пределы" (1980-1981). Б. Чуми не посвящает проблеме телесного опыта отдельных сочинений. Однако он обращается к данной проблеме в контексте взаимодействия зрителя и здания. Б. Чуми акцентирует внимание на чувственных переживаниях, возникающих у зрителя при непосредственном контакте с архитектурным объектом. С одной стороны, это сближает Чуми с представителями феноменологии архитектуры — С. Холлом и Ю. Палласмаа. Как и представители данного направления, Б. Чуми подчёркивает кинестетический, невербализуемый характер телесного опыта при восприятии сооружений, их внутреннего пространства и материалов. С другой стороны, отношения между телом и зданием описываются Б. Чуми как насильственные. Насилие в отношениях человека с архитектурой присутствует повсеместно: это и вторжение человека в архитектурное пространство, и ощущение дискомфорта, провоцируемое архитектурным пространством.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.8.43818

EDN: UPMQOQ

Аннотация: Данная работа представляет собой попытку расшифровать терапевтическую сущность эллинского театра через призму «катарсиса», начиная с афинских вакханалий, когда театральные представления превращались в инструмент коллективного врачевания. В статье рассмотрены теоретические взгляды Аристотеля, в эстетике которого катарсис стал основным понятием, свидетельствующим о целительных способностях греческого театра осуществлять очищение и гармонизацию личности. Автор показывает, как можно использовать эти идеи в современном театральном искусстве, помогая определять и устранять душевные проблемы сегодняшних зрителей. Драматический «катарсис», названный и проанализированный в теоретической системе Аристотеля, в свою очередь, стал теоретическим обобщением целительных способностей греческого театра. Научная новизна настоящей работы состоит в том, что исследование сущности и формы врачевания в греческом театре может быть использовано в качестве теоретической основы для развития современной драматерапии. В работе применен междисциплинарный подход, культурно-исторический метод и принцип сравнительно-сопоставительного анализа. В 70-80-е гг. ХХ века драматерапия стала исследоваться как отдельная дисциплина, пробудившая творческие способности и воображение, способствовавшая воссоединению людей с их внутренним миром, снявшая груз тяжёлых переживаний, изменившая поведение и жизненные обстоятельства, раскрыв, таким образом, целительные способности театрального «катарсиса». Расцвет современной театральной терапии отражает новое направление в развитии психотерапии и театра, а также возвращение к древним традициям врачевания и художественного творчества и развитие свежих представлений и новых творческих идей на их основе.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.4.29383

Аннотация: Подробно рассматриваются такие аспекты темы, как интеграция инновационных технологий дополненной и виртуальной реальности в искусство. Трансграничность рассматривается с двух точек зрения - конвергентности искусства и его реконструкции. Критически меняется подход к обучению молодых талантов в сферах: кинематографа, театра, дизайна, хореографии и др. Это ставит актуальную задачу перед российской системой образования и самими педагогами: использование новых технологий в процессе обучения. Творческие проекты студентов демонстрируют, что главными направлениями являются: использование VR и AR технологий для создания дизайна; использование VR технологий для создания кинофильма; использование VR и AR технологий для создания виртуальных музеев; использование AR технологий в качестве элементов в постановке танца. Статья основана на эксперименте, в форме метода анкетирования, а также анализа студенческих работ, проведенный среди 550 студентов 4 курса творческих направлений (Дизайн интерьера, Режиссура кино и ТВ, История искусства, Хореографическое искусство) трех вузов. Основными выводами проведенного исследования являются проанализированные проекты которые задают тенденцию для развития нового направления в рамках студенческой драматургии - дизайн сцены с помощью AR технологий, что предполагает замену классических декораций и реквизита графикой. Воплощение проектов в данный момент невозможно на базе учебных заведений участников из-за недостаточного материально-технического обеспечения. Практическое применение данного исследования возможно на кафедрах дизайна интерьера, режиссуры кино и ТВ, истории искусства и хореографического искусства при создании курса «Новые технологии в искусстве».

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.10.36875

Аннотация: Предметом исследования в статье стали произведения Казимира Малевича 1913-1914 г., так как несмотря на большое количество научных трудов и статей о творчестве Малевича период его становления по-прежнему требует уточнений. Объектом исследования является русское искусство авангарда 1913-1914 г. Автор подробно рассматривает композиционные принципы в произведениях художника данного периода. Особое внимание уделяется красочным формам и геометрическим элементам, лежащим в основе композиций картин. Автор исследует путь Казимира Севериновича, определяя движение от футуризма и кубофутуризма через феврализм к собственному стилевому направлению – супрематизму. Философско-искусствоведческий анализ в совокупности с общенаучными методами исследования позволил сформировать представление о трансформации художественных поисков Казимира Малевича в сторону доминанты черной геометрической красочной формы, что привело в последующем к созданию произведения «Черный квадрат» и формированию супрематизма. Рассмотрены и сопоставлены произведения художника 1913-1914 г., периода, когда Малевич уже закончил ученический этап и приступил к активному созданию собственного художественного языка. Изучение произведений Казимира Севериновича, выделение большой группы близких по используемым приемам и красочным формам работ позволило расширить и во многом дополнить понимание досупрематического периода.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.12.31564

Аннотация: Целью статьи является анализ наиболее репрезентативных аниме режиссёра для выявления в них ряда мировоззренческих матриц, которые помогут прояснить роль синтоистских семиотических концептов в его художественной практике. Актуальность исследования синтоистских мотивов в творчестве Миядзаки как одного из крупнейших и самых популярных в Европейском интеллектуальном пространстве режиссёров обуславливается тем, что широчайший смысловой уровень, сформированный семиотическими концептами синтоизма, проходит мимо европейского зрителя, оценивающего произведения режиссёра только с визуальной и сюжетной точки зрения и воспринимающего лишь «лежащие на поверхности» смыслы, тогда как японская аудитория способна считывать семиотику синтоизма и выраженные с её помощью идеи на уровне мировоззренческого автоматизма ввиду огромной роли синтоизма в мировоззрении и быту. В статье ставится проблема амбивалентности современного японского общества, сложившегося после Второй мировой войны, анализируется фильмография Миядзаки и основополагающие черты его мировоззрения, что позволило не только прояснить роль синто в его творчестве, но и выделить три применяемых им функциональных уровня синтоистских семиотических концептов: дидактико-мировоззренческий, национально-исторический и социально-инструментальный. Изучение синтоизма и восточных религий в отечественной гуманитарной науке позволяет приобщиться к иной картине мира, понять менталитет, в корне отличающийся от европейского, увидеть в произведениях восточной культуры новые семантические смыслы. Подобное расширение горизонтов и есть то, в чём так нуждается современная культура и общество в рамках глобализации и постоянно меняющегося мира.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.3.29291

Аннотация: Статья посвящена импровизационному танцевальному спектаклю «Застывший смех», который был создан австрийским хореографом Крисом Херингом совместно с артистами современной труппы театра «Балет Москва». Спектакль является редким примером работы с импровизацией в рамках репертуарного танцевального театра в России. Лаборатория, проведенная хореографом, представляет собой большой практический интерес. Автор описывает особенности постановочного процесса спектакля, рассматривает инструментарий, использованный хореографом в рамках лабораторного исследования, и анализирует феномен импровизационного спектакля в contemporary dance. Методологическую часть исследования составили труды зарубежных исследователей театра и современного танца таких, как Бейнс С., Леман Х.-Т., Фишер-Лихте Э., и статьи отечественных исследователей современного танца Кузнецовой Т. и Сироткой И. Практическая часть работы основана на личном участии автора в постановочной лаборатории спектакля "Застывший смех" и оригинальных интервью с участниками спектакля. Новизна исследования заключается в том, что автор впервые подробно анализирует постановочный процесс импровизационного спектакля "Застывший смех" и раскрывает механизмы работы с импровизацией, использованные хореографом. Подобный анализ может стать базой исследования движения и способов постановки для российских хореографов contemporary dance, а также раскрывает всю оригинальность замысла хореографа и мастерство его воплощения.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.2.39792

EDN: FVHFXM

Аннотация: Формирование и развитие любой архитектурной формы и системы имеет свою историко-культурную подоплеку. Древнекитайская архитектурная система имеет давнюю историю и характеристики, неотделимые от исторического развития китайской традиционной философии. Китайская философия, как теория человеческого самосознания, не дает знания, а в основном дает идеи и способы мышления для нужд человеческого саморазвития; При этом древнекитайская архитектура стала физическим объектом, отражающим идею традиционной китайской философии. Поэтому, чтобы исследовать древнюю китайскую архитектуру, необходимо анализировать и изучать ее с точки зрения традиционной китайской философии. как мысли Конфуция об этикете, идея «учения о середине» и концепция иерархического разделения;     Данные идеи оказали глубокое влияние на древнюю китайскую архитектуру, включая городское планирование, традиционные жилища, окружающую среду стремление Лао-цзы к гармонии и единству между человеком и природой, поклонение богам и т. д., а также возникшая позднее теория «фэн-шуй» и т.д.. храмового пространства и садовую архитектуру на юге реки Янцзы. Данная статья посвящена анализу влияния конфуцианства и даосизма на общий принцип проектирования пространств древней китайских архитектуры. В статье выбраны некоторые типичные примеры древней китайской архитектуры для анализа. Проявляются следующие принципы проектирование пространств китайской архитектуры под влиянием конфуцианства и даосизма: умеренность жизненного пространства; принцип симметрии, баланса и координации; архитектурная иерархия, сформированная на основе потребностей «ритуалов»; интеграция архитектуры и окружающей среды; проектирование пространств по «фэн-шуй».

Аннотация: Сюзан Сонтаг – американская писательница и литератор. В своей статье Сонтаг анализирует известный дневник Чезаре Паверзе, опубликованный посмертно и ставший значительным событием в литературе. Сонтаг исследует взгляды Чезаре Паверзе на любовь, человека и жизнь.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.5.38182

Аннотация: Метафора лабиринта во второй половине XX века становится знаковой моделью постмодернистского мироустройства. В пространстве музыкальной культуры феномен лабиринта обрел значение символа интертекстуальности, игры с культурными кодами и музыкальным наследием прошлого, многовариантности, изменчивости, неопределенности. Балет «Лабиринты» Альфреда Шнитке является примером воплощения лабиринтовой парадигмы и составляет объект исследования. Предметом исследования является своеобразие претворения идеи лабиринта на композиционно-драматургическом уровне балетного цикла. В свете индивидуальной авторской интерпретации лабиринтовая модель обретает вид «макролабиринта» и «микролабиинта», где макроструктурой выступает конструкция целого, а микроструктурой – последняя, пятая часть.   Новизна исследования заключается в рассмотрении композиционно-драматургических особенностей балета "Лабиринты" в контексте метафоры лабиринта. Концепция «макролабиринта» способствовала рельефному показу принципов симметрии и централизации, свойственных лабиринту классического критского типа. Симметрия в балетном цикле нашла выражение в строении крайних частей, в их авторском делении на разделы, наличии репризы в Maestoso и Meno mosso, единой тональной организации с вкраплениями модальных эпизодов, утверждением терции c–e в интонационной системе частей. Централизация критского лабиринта отразилась в наделении четвертой части свойствами кульминационной точки, отличающейся усилением сонорных качеств, обилием кластерных вертикалей, разнородной стратифицированной тканью. Концепция «микролабиринта» способствовала изображению многовариантности лабиринта-путаницы в пятой части балета. Нелинейное движение героев по разветвленной лабиринтовой модели осуществлялось взаимодействием контрастирующих разделов, соотносимых с отклонением в различные эмоциональное состояния. Проведенное исследование позволило сделать вывод о новой интерпретации в балете лабиринтовой парадигмы в свете индивидуального авторского почерка Шнитке.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.6.40885

EDN: BNWJOG

Аннотация: Данное исследование посвящено художественно-стилистическому анализу традиционных китайских новогодних картинок под названием «пухуэй няньхуа» на примере исторического и документального материала, собранного в городе Гаоми в провинции Шаньдун. Здесь прослеживаются изменения в его форме и содержании, используемых выразительных средствах в течение пятисотлетней истории его распространения в Китае. Предметом внимания является развитие китайских лубочных картинок от династии Мин до настоящего времени. В качестве объекта видится трансформации технологических и изобразительных особенностей исполнения такого рода произведений в рамках отдельных их разновидностей, которые были популярны в творческой деятельности нескольких поколений мастеров города Гаоми. Цель исследования заключается в том, чтобы составить общее представление о том, как зарождались и формировались основные разновидности «пухуэй няньхуа» в творческой деятельности гаоминских художников-ремесленников. Путем художественно-стилистического, иконографического и сравнительно-исторического анализа автор выделяет несколько этапов в процессе становления традиции изготовления таких картинок. Более того, предлагается типологический ряд китайского новогоднего лубка, состоящий из изображений лаосских и буддийских святых, визуализаций омофонических метафор, бытописанием жизни китайцев. Каждый из представленных типов отличается не только своеобразием содержания, но и набором композиционных и изобразительных средств, которыми пользовались авторы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.4.36112

Аннотация: Настоящая статья раскрывает возможности использования методологии исследования искусства в трех взаимодействующих друг с другом научных областях - социологии, культурологии и искусствоведения. При этом акцент сделан на выделении основных критериев комплексного подхода к анализу искусства: каждая из трех научных областей может иметь свои уникальные критерии такого анализа, но также могут выделяться и универсальные критерии, позволяющие оценить сущность и бытование искусства предельно широко и с учетом общих тенденций его развития в современной реальности. Предмет исследования, таким образом, - это методология комплексного анализа искусства с привлечением инструментария социологии, культурологии и собственно искусствоведения.   Основными выводами в статье могут служить следующие положения: 1) раскрыто содержание методологии исследования искусства; 2) продемонстрирован опыт выделения различных критериев комплексного анализа искусства в рамках социологии, культурологии и искусствоведения; 3) показаны возможности использования тех или иных критериев в анализе сущности искусства, а также произведений искусства; 4) заострено внимание на социальном измерении искусства, при этом затронута эвристическая ценность методов прикладного социологического исследования; 5) дана характеристика возможностей исследования искусства, например, его знаково-символической природы в рамках культурологии; 6) оценены перспективы развития методологии современного искусствоведения.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.1.37836

EDN: EGXWMZ

Аннотация: В рамках настоящего исследования анализируется трансформация антропоморфных образов в живописи Средневековья и эпохи Ренессанса. Изобразительное искусство данного периода рассматривается в качестве специфического пространства «разговора о человеке», существовавшего параллельно с дискурсами о Боге-человеке и Человеко-боге. Как средство коммуникации человека с Богом, икона, используя антропоморфизм в изображении первообраза, представляла средневековому человеку определенный путь и руководство по собственному спасению. Наравне с отдельными антропоморфными и натуралистическими чертами в иконописи использовались также ареальные, например, обратная перспектива, нимб, «кручение фигур» и ряд иных, которые задавали символическое содержание религиозного изображения.    По мнению автора, трансформация иконы в картину в XIII-XIV вв., была связана не только с техническим развитием изобразительного искусства (широким распространением прямой перспективы, использованием camera obscura и масляных красок), но и со значительными изменениями, которые произошли в интеллектуальном пространстве Европы. Нарциссический поворот в ренессансном искусстве, выраженный в растворении границ между человеческим и божественным, максимальной натурализации религиозного содержания, а также в развитии автопортретов, является, прежде всего, поворотом от дискурса о Бого-человеке к дискурсу о Человеко-боге. С опорой на философские источники, рассматриваются две независимые позиции (Фичино и да Винчи) на природу метаморфоза и место живописного изображения в описании и определении человека.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.4.70458

EDN: VTCAIZ

Аннотация: Предметом исследования является цветовая символика в романе Ф. С. Фицджеральда «Великий Гэтсби» в аспекте амбивалентного понимания концептуального решения в использовании определенного цвета в создании образов героев, в описании места действия и смыслового наполнения идейного содержания произведения и его экранных интерпретаций. Объект исследования – цвет как смыслообразующий концепт в литературе и кинематографе, символика цвета. Произведение Ф. С. Фицджеральда «Великий Гэтсби» представляет интерес в вопросе изучения влияния цветовой палитры в восприятии и осмыслении образов и идей литературных произведений, так как автор уделяет большое внимание цвету в описании своих героев, места действия и окружающих их интерьеров. Цвет становится одним из важных смыслообразующих концептов в произведении. Аудиовизуальные искусства, в частности кинематограф, представляют особый интерес в данном вопросе, так как предлагают вариант визуализации цветовой палитры, представленной в литературном произведении. Основными методами исследования являются аналитический и сравнительно-исторический. Осмысляются цветовые концепты книги Ф. С. Фицджеральда «Великий Гэтсби» и трех одноименных экранизаций романа. Данное произведение Ф. С. Фицджеральда и его экранизации представляют интерес для современного российского читателя и зрителя благодаря тому, что поднимаемые в романе проблемы актуальны и в настоящее время. Писатель затрагивает популярную в литературе и кинематографе тему американской мечты. История главных героев – яркий пример иллюзорности этой мечты, а образ жизни персонажей и их миропонимание демонстрируют духовную опустошенность и холодное равнодушие ко всему, кроме денег и богатства. Именно цветовая палитра наиболее ярко позволяет дополнить характеристику образов героев и осмыслить концептуальное решение произведения. Научная новизна статьи заключается в исследовании амбивалентности восприятия колористического решения образов героев в книге в сопоставлении с ее экранными интерпретациями. Автор приходит к выводу, что Ф. С. Фицджеральд в романе «Великий Гэтсби» использует цветовую палитру в создании образов героев и описании места действия таким образом, чтобы многозначность в восприятии цвета наиболее неожиданно и обостренно остро подчеркнула поднимаемые проблемы и стала основой для переосмысления идейного содержания произведения.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.11.37070

Аннотация: Статья посвящена анализу возможностей применения философской рецепции в анализе феномена и сущности искусства и произведений искусства. Цель исследования – обосновать необходимость распространения философской рецепции в искусствоведении для полноты исследования искусства в аспекте его «онтологизации». Акцент сделан на том, что современное искусствоведение задает тон в изучении формальной и содержательной сторон искусства и его различных видов и жанров. Опорой методологической и теоретической для искусствоведения является философия искусства, которая, однако, в последнее время не занимает ведущих позиций в анализе искусства и даже уступает в этом эстетике.     Между тем проблема понимания сущности искусства и ценностной роли произведения искусства в жизни человека и общества остается открытой. Она скорее не является предметом пристального внимания искусствоведов, но вполне может стать таковой. Для этого искусствоведческий анализ необходимо дополнить философской рецепцией. Именно этому аспекту проблемы в настоящей статье уделяется особое внимание. Философская рецепция предстает как особенный алгоритм понимания смыслов и идей произведения искусства, а также как осознание сущности данного феномена. Часто искусство рассматривается как одна из форм общественного сознания (наряду с другими, например, наукой, мифологией и т.д.), однако философская рецепция помогает установить ценностно-смысловой характер искусства, который преобладает над социальным и эстетическим. Понимание любого жанра, любого вида искусства сквозь призму искусствоведения необходимо преломляется в философской рецепции. В этом случае у исследователя появляется возможность не только оценить стилистику и жанровую природу произведения искусства, но и проследить его положение в смене эпох, концепций личности, мировоззрений и картин мира. Безусловно, это дает очевидное преимущество любому современному исследователю, который ставит сложную цель постижения сущности искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.4.39995

EDN: MCPUHZ

Аннотация: Являясь одним из видов китайского народного искусства, вырезание из бумаги цзяньчжи выражает не только духовную жизнь людей, но и их стремление к лучшей жизни. Китайское искусство вырезания из бумаги наполнено простой жизненной мудростью и добрыми пожеланиями, а образные символы содержат уникальную художественную ценность и национальные черты. Однако в сегодняшнем разностороннем развитии традиционное искусство вырезания из бумаги с тысячелетней историей постепенно угасает. с развитием и прогрессом времени все больше и больше людей имеют более высокие духовные потребности в искусстве и эстетике. Традиционное народное искусство, представленное вырезкой из бумаги,также начало внедряться в новые области, не только в графическом дизайне, но и в инсталляционном оформлении общественных пространств, демонстрируя свою богатую выразительность и глубокую художественную ценность. В данной статье будут рассмотрены характеристики традиционного национального вырезания из бумаги, выделены культурные различия восточного и западного искусства вырезания из бумаги, объединено традиционное народное искусство вырезания из бумаги с современными художественными выражениями, проанализированы символические и эмоциональные образы, исследованы новые идеи для развития и инноваций китайского национального искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.9.34510

Аннотация: Обьектом исследования является роль комедии Н.Д.Неустроева “Тиэтэйбит” в культурную жизнь Республики Саха (Якутия). Предметом является влияние современных креативных индустрий в культурную жизнь региона. Авторы подробно рассматривают на примере комедийной драмы Николая Денисовича Неустроева "Тиэтэйбит" использование креативных подходов для сохранения и популяризации культурного наследия народа Саха. В работе отмечается, что за последние годы, большим событием в развитии духовной культуры и в целом культурной жизни региона, стало, вносимые современниками новшества в постановках якутских комедий. Так, по мотивам комедии "Тиэтэйбит" была поставлена первая якутская музыкальная комедия и снят фильм. В рамках исследовательской работы, авторами проведен опрос, отвечающие на вопросы, -"как Вы думаете, вводимые новшества в культуру народа ввиде экранизация классической литературы с использованием инноваций, побуждает ли молодое поколение к знанию, изучению якутского культурного наследия? -"в чем актуальность произведения Н.Д. Неустроева “Тиэтэйбит” на сегодняшний день". Основными выводами проведенного исследования являются, что комедия «Тиэтэйбит» Н.Д.Неустроева в ХХI в. стал одним из главных фундаментов становления креативной индустрии региона. Креативная индустрия как инструмент для развития региональной культуры может сыграть мощнейшую, высокоэффективную роль в развитии общественной жизни региона.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.1.28864

Аннотация: Предметом исследования является анализ влияния идей философа и писателя Анри Бергсона на мировоззрение и творчество Михаила Пришвина. Показано, что для раскрытия сущностных смыслов реальности Пришвин активно использует самые разные исторические, культурные, религиозные, философские и политические концепты, о чем свидетельствует целый ряд актуальных философских выводов, присутствующих в семантическом поле его дневниковых записей, публицистических и художественных текстов. Автор подробно анализирует влияние идей отечественных и зарубежных мыслителей на художественный дискурс Пришвина. В статье используется метод историко-философской реконструкции. Образы, символы и высказывания Пришвина в художественных произведениях сравниваются с метатекстом, реализующим философемы писателя, которые реконструируются путем соотнесения их с философскими текстами Бергсона. Новизна исследования заключается в анализе процесса развития художественной мысли писателя, который обнаруживает в большевизме не только перекличку марксизма с философией Бергсона, но и сопоставляет их с идеями христианства, а затем накладывает различные образы, символы и концепты друг на друга. Соединяя противоположные идеологемы, Пришвин выявляет те сущностные изменения общественного бытия, которые принесла революция и которые трудно раскрыть с одной лишь мировоззренческой позиции.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.5.40398

EDN: YTGLJW

Аннотация: Согласно марксистской философии, все в мире универсально связано и находится в вечном движении. Китайское общество прошло длинную историю цивилизационного развития. Начиная с современной эпохи (1840-1919 гг.), в цивилизационном развитии Китая произошли большие изменения. Трансформация социальных форм зависит от трансформации культуры, а приближение культуры к современности является предпосылкой для модернизации общества. Таким образом, развитие общества неизбежно вызывает изменения в искусстве и культуре; и наоборот, прогресс искусства и культуры, в свою очередь, способствует прогрессу общества. В развитии китайской живописи на протяжении веков прослеживается четкая и сложная линия: от высокой степени интеграции к постепенной дифференциации, ведущей к конфликту, а затем к интеграции. Развитие китайской живописи в целом показывает трансформационную тенденцию от традиции к современности, развивающуюся извилистым путем. В данной работе для исследования используется сочетание методов исследования, в основном документальное исследование, описательное исследование, сравнительное исследование и исследование конкретных случаев. Рассматривая особенности и тенденции китайской живописи на разных этапах развития, мы можем более точно судить о направлении развития современной китайской живописи и найти пути интеграции традиции и современности. Это в определенной степени вдохновило современных китайских творцов живописи на создание произведений, соответствующих духу национального искусства, но в то же время насыщенных современной жизнью и ощущением времени.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.4.37901

Аннотация: В данной статье рассматривается символика, содержащаяся в произведениях искусства цзяньчжи. Как простое народное искусство, вырезание из бумаги в Цзиньчжоу имеет собственный эстетический и образовательный стиль, который проникает в сердца людей и поднимает их на более высокий духовный уровень. Цзяньчжи может представлять духовное мировоззрение определенной эпохи в регионе. Среди символических образов были изучены образы животных, растений, фигуры, предметы, иероглифы и узоры. Произведения искусства цзяньчжи представляют собой сочетания разнообразных узоров, форм и мотивов, которые содержат в себе глубокий символизм. Изучение образов и символических значений позволит расширить знания о культуре и обычаях региона, а также создать возможности для сохранения этого уникального вида искусства, содержащего в себе нематериальное культурное наследие Китая. В статье делается вывод об уникальности стилистики и символизма данного направления искусства в описанном регионе. Утверждается, что в произведениях цзяньчжи нашли отражения культура, обычаи и особенности общества района Цзиньчжоу. С точки зрения нематериального культурного наследия, искусство вырезания из бумаги в Цзиньчжоу является художественным воплощением материальной и духовной культуры народа. Делается вывод о необходимости сохранения данного вида искусства и последующего изучения его символизма с целью сохранения нематериального национального наследия Китая.

DOI: 10.7256/2454-0757.2018.8.26526

Аннотация: Предмет исследования в статье составляет группа живописных произведений венецианского Возрождения с изображениями молодых женщин, которые можно обозначить как портреты «красавиц», и которые получили широкое распространение в искусстве XVI столетия. Произведения данного типа отличаются сложной семантикой своего художественного содержания, в первую очередь связанного с философской концепцией идеальной красоты, принятой в духовной культуре Возрождения. Их рассмотрение в контексте ренессансной философии позволяет полнее раскрыть образный мир таких картин, а также более точно определить содержание тех категорий, которые в представлениях эпохи применялись к понятию женской красоты. Метод исследования заключается в поиске смысловых параллелей между портретами «красавиц» и положениями философского учения о красоте, которое изложено в трактате Аньоло Фиренцуолы «О красотах женщин». Найденные аналогии позволяют усмотреть в портретах "красавиц" разновидность некоего «визуального трактата» на тему идеальной сущности красоты. Им также могла отводиться роль своеобразных эстетических посредников в процессе ее восприятия, поскольку основное назначение подобных произведений в духовном обиходе Ренессанса заключалось в преобразовании желания к обладанию красотой в стремление к постижению ее истинной возвышенной природы и восхищение ею.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.3.39594

EDN: CDDFNE

Аннотация: Предметом исследования является Соната для флейты и фортепиано «Флейта Пана» Ж. Муке. Цель исследования – рассмотреть традиционные пасторальные приемы, которые использует композитор в своем сочинении. При написании статьи использовались как общие методы исследования (аналитический, дедуктивный, индуктивный и др.), так и музыковедческие (целостный, интонационный, гармонический, жанровый, структурно-композиционный). Методологически важными в написании статьи стали работы А. Г. Коробовой. На основе трудов ученого в Сонате Ж. Муке была проанализирована пасторальная топика сочинения, а также определена его пасторальная модель. Культурологический подход осуществлялся на основе исследований В. В. Азаровой, О. А. Гагариной, В. А. Захаровой. С помощью него в статье были выведены определенные французские традиции, повлиявшие на творчество Ж. Муке. В научной статье впервые делается попытка анализа одного из самых известных сочинений Ж. Муке – Сонаты «Флейта Пана». В данном произведении подробно рассматривается два аспекта – вербальный и собственно музыкальный. В обоих аспектах прослеживаются связи с французской пасторальной музыкально-театральной традицией, а также общность в символической трактовке неоантичности и необуколики с произведениями К. Дебюсси. В процессе анализа было обнаружено, что Ж. Муке применил антикизированную модель пасторали. Пасторальная топика обнаруживается на разных уровнях сочинения – интонационном, тонально-гармоническом, фактурном, тембровом, формообразующем, драматургическом. Данная статья может использоваться в области искусствоведения для дальнейшего изучения творчества Ж. Муке, французской музыки рубежа XIX – XX веков и в исследовании пасторальных музыкальных произведений. Анализ Сонаты Ж. Муке также будет полезен в исполнительской практике для лучшего понимания замысла композитора и драматургии сочинения.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.5.29755

Аннотация: В данной статье особое внимание уделяется изучению особенностей развития современной эпохи на основе использования практического опыта в средовом дизайне. Результатом осмысления характерных черт современности явилось создание проекта "Шестнадцать созерцаний". Данный проект представляет собой интерактивную стену с подвижными деталями, на которые нанесены измененные китайские иероглифы. Автор посредством исследования структуры китайского языка и различий между китайским и русским языками, создал новые иероглифы, отражающие особенности общения в Интернете. Иными словами, в статье показаны и описаны отношения между искусством и языком, пространством и временем, теорией и практикой, культурной и социальной ролью дизайнеров. Дизайн среды изначально развивается как междисциплинарная область в художественном творчестве. Соответственно исследование создано посредством методов, характерных не только для области дизайна, но и филологии. В частности, были совместно использованы графический метод в дизайне, а также лингвистический метод. Новизна исследования заключается в изучении современного мира посредством описания оригинального дизайнерского проекта. Благодаря изучению структуры китайского языка, характерных черт общения в Интернет среде, автору удалось создать новые иероглифы, при этом сохранив традиционные методы образования китайского языка. Кроме того, автор привел теорию о возможности изменения устоявшейся структуры пространства и подтвердил ее практическим опытом. Таким образом, скульптура "Шестнадцать созерцаний" отражает критический характер и социальную значимость искусства в условиях развития современной эпохи.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.9.36794

Аннотация: В статье две основные темы: характеристика трех основных этапов изучения автором искусства и краткое изложение связанной с этим исследованием авторской концепции искусства. Отталкиваясь от концепции искусства Л.С. Выготского, автор указывает свой подход к изучению искусства. На первом этапе автор рассматривал искусство, сравнивая его со сновидениями, общением и игрой, анализируя какую роль эти процессы и семиотические средства выполняли по отношению к обычной жизни. Вводится представление о художественной реальности, которая выступает продолжением обычной жизни¸ позволяя реализовать в семиотической форме желания (психические программы), блокированные в обычной жизни, причем эта реализация представляет собой проживание событий, заданных специфическим семиозисом искусства и условностью. На втором этапе излагаются результаты генезиса искусства. В анализе происхождения и развития искусства автора интересовали три основные темы: 1) становление на основе семиозиса, сложившегося в обычной жизни, семиозиса искусства, 2) формирование сферы досуга, в рамках которого складывается искусство, 3) «концептуализация» (осознание в философии) искусства в античной культуре, позволившая охарактеризовать искусство как самостоятельную область жизни в отличие от других областей. На третьем этапе искусство и художественная реальность анализировались как особый тип коммуникации. С точки зрения автора, и художник (писатель, композитор) и зритель (читатель, слушатель), с одной стороны, создают и воссоздают художественную реальность (и не всегда имеет место совпадение), с другой ‒ в той или иной степени учитывают возможности и компетенции друг друга именно в плане коммуникации. Делается вывод, что искусство задается понятийным пространством, координатами которого выступают представления о художественной реальности, художественной коммуникации, способах жизни человека в искусстве, концептуализации искусства и его развитии.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.1.34984

Аннотация: Развитие оперного жанра в Европе и России XIX века представляет особый интерес для изучения как китайскими, так и русскими искусствоведами. В настоящей статье история оперы в Европе и России в ХІХ веке выступает предметом исследования. В ходе анализа оперы обозначенного периода и регионов определен объект исследования, а именно - творчество ведущих оперных композиторов и то новое, что каждый из них привнёс в оперный жанр. Цель исследования - рассмотреть такие аспекты темы как: специфика появления оперы в России в XVIII веке, становление национальных оперных школ - итальянской, французской, немецкой с их видными представителями, а также - особенности русской оперной традиции XIX века. Методология исследования. В статье применены классические методы исследования, сложившиеся в теоретическом и историческом музыкознании: типологический, жанровый, структурно-композиционный, интонационный. Благодаря методу аналитического изучения источников осмыслено содержание феномена «оперного жанра». Для определения взаимосвязи истории русской и европейской музыкальной культуры актуальным стал метод сравнительного анализа. Концепция локальных культур помогла рассмотреть развитие оперного искусства XIX века в России и Европе.   Новизна исследования заключается в том, что в статье автор осуществляет попытку определить точки соприкосновения и различий европейской и русской оперы в XIX веке с точки зрения китайского искусствоведения. Особым вкладом автора в исследование темы является стремление перенести ее дальнейшее обсуждение в сообщество китайских искусствоведов, которые также, как и русские, и европейские ученые сегодня интересуются особенностями оперного творчества XIX века. В результатах работы констатируется, что развитие оперы в контексте вокально-музыкального исполнительства в XIX веке - это неповторимый социокультурный феномен. Он проявил себя посредством системы духовных ценностей и характера духовной жизни русского и европейского народов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2021.12.37226

Аннотация: В статье дается краткий системный анализ основных понятий так называемой новой науки об искусстве австрийского историка искусств Ханса Зедльмайра. Итогом изысканий Зедльмайра стало создание своей философии искусства и культуры, опирающихся на определенную картину мира. В основе этой науки лежит познание целого, а также единичного и уникального. Цель научного познания для Зедльмайра - понимание. Это предполагает не только отвлеченное знание, но и особый экзистенциальный опыт. Зедльмайр трактует понимание произведения искусства как его созерцание, которое, в свою очередь тождественно его актуализации или присутствию. В науке об искусстве Зедльмайра гносеологии и онтологии переходят друг в друга. Зедльмайр трактует произведение искусства одновременно и как событие и как социальный организм, в котором преодолевается как линейность времени, так и дробность множественности. Это, построенная на парадоксальном тождестве единого и многого, искусственная сложная система, и конечна, и бесконечна. В его воззрениях соединяется классический и неклассический подход к познанию целого. Зедльмайр стоит на принципах монизма, стремясь свести все понятия к единому основанию, к единой точке сингулярности, обозначающей синтез всех моментов целого, которую можно выразить одной категорией. Главная категория, которая буквально является центром противоположностей, - «середина» (Mitte). Данные идеи закономерны и логичны только в той научной картине мире, где тождественны онтология и гносеология, что предполагает, в свою очередь, единство созерцания и явления произведения. Поэтому в построениях Зедльмайра актуализация или воскресение произведения искусства оказывается тождественна акту его понимания. Системный подход к произведению искусства, который мы находим в теоретических трудах Зедльмайра, выходит за границы науки об искусстве, сближаясь с философией.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.10.39020

EDN: IDJRUW

Аннотация: Статья анализирует тему живописи в философии Жака Деррида, обращаясь к одной из его определяющих работ по этой проблематике: «Истина в живописи». Последовательно рассматривая четырехчастную структуру данной книги, автор затрагивает такие концепты деконструкции, как «парергон», «паспарту», «картуш» и другие. Отдельный интерес вызывает проблема истины в структуре изобразительного искусства – эта тема проходит сквозной темой через всю работу Деррида. При этом философ отказывается от классического онто-гносеологического аспекта истины в контексте истории искусства. Картина не ограничивает себя репрезентацией некоего объекта или истины, закрепленной за ним. Она пересекает черту, переполняя свои границы. Вот почему логика произведения искусства – это с неизбежностью логика кантовского парергона. В книге «Истина в живописи» Деррида переосмысливает все аспекты художественного творчества. Для Деррида живопись – это, прежде всего, действие и правильнее всего ставить вопрос: «Что делает эта картина?». Картина в производимом действии отрывается от условий изображения, уходит от дискурса, приводя в движение различие. Структура живописной работы состоит не из присутствия или репрезентации, а из проекции движения. Картина безмолвна и пребывает вне языка, непредставима и неоднородна, внеположна любому дискурсу, несводима к любому тексту и не подлежит архивации несмотря на все усилия музейных инстанций.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.10.68698

EDN: VRUBEU

Аннотация: Статья посвящена философии промышленного дизайна как важнейшего направления эстетической и инженерной деятельности людей, формирующей облик современного общества. Объектом исследования стал промышленный дизайн, а его предметом – философские основания промышленного дизайна. Была поставлена цель выявить философскую сущность промышленного дизайна в гносеологическом, онтологическом и антропологическом измерениях. Уделяется внимание историческим аспектам промышленного дизайна, позволяющим точнее понять сущность данного явления. В поле зрения автора входит и современный промышленный дизайн, который по своей философии характеризуется яркой антиглобалистской направленностью. Отмечается, что философское понимание промышленного дизайна способствует осознанию особенностей его исторического развития.   Основным выводом проведённого исследования является то, что промышленный дизайн имеет определенное философское наполнение, связанное с тяготением не только к эстетической стороне реальности, но и к ее аксиологическому и этическому выстраиванию. Важна гносеологическая проблематика промышленного дизайна: продукты выступают как носители определенных познаний и концепций, аккумулируют культурный опыт человечества. Антропологическая проблематика дизайна связана с моделью человека-творца и человека – адресата деятельности. Научная новизна исследования состоит в понимании вещи как продукта промышленного дизайна, являющегося системным проектом, развивающегося в пространстве и во времени. В своем существовании вещь объединяет наличность и «служение», самостоятельную данность и значимость для человека.

DOI: 10.7256/2454-0757.2019.9.30976

Аннотация: В данной статье рассматриваются образные системы, созданные российским режиссером анимационного кино Дмитрием Геллером на примере ряда его фильмов разных лет. Важное свойство творчества Геллера — непохожесть каждой новой его работы на другую и несходство всех его лент между собой — ни в сюжетных, ни в визуальных решениях. Предметом исследования является своеобразие и эволюция систем образов анимационных фильмов данного режиссера. Объектом исследования выступают анимационные фильмы Д. Геллера: от ранних к более поздним. Проанализированы смысловые слои фильмов, особенности характеров персонажей, язык повествования, изобразительные и выразительные средства, технологическое решение фильмов. Методы, используемые в данной работе: хронологический метод; метод описания, который включает приемы наблюдения, сопоставления, обобщения и интерпретации; метод системного анализа. Основные выводы данного исследования: создавая отдельные художественные миры, Д. Геллер использует для создания своих образных систем самые разнообразные средства — от выделения внутри систем отдельных пластов и различных способов визуального, цветового, технологического их воплощения, дающего неожиданный эффект, до создания невиданных до этого времени персонажей и анимационных лент в стиле большого кино. Вкладом автора в исследование темы является подробный систематический анализ творчества режиссера. Новизна исследования заключается в том, что автором предпринята первая попытка рассмотрения фильмов Д. Геллера под данным углом зрения.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.8.37525

EDN: YJKEIU

Аннотация: Макам, тесно связанный поначалу именно с культово-ритуальной практикой, вобрал в себя и отразил философско-этические представления. Эти представления, зафиксированные в системе макамов, несмотря на их четкую канонизацию, менялись; претерпевали определённую историческую трансформацию, обусловленную изменениями в социальной структуре самого общества. Однако основная эстетическая функция макама, природа его эмоционально-психологического воздействия на человека, глубокая связь с миром, его окружающим, оставалась в представлении восточных мыслителей и музыкантов незыблемой вплоть до XX века. Сегодня макам следует понимать с одной стороны как парадигматическую структуру, с другой стороны, как композиционную форму. Тончайшая градация человеческих чувств, эмоциональных и психологических состояний определила также тщательно разработанную (в теоретическом плане) ладовую, интонационную, звуковысотную систему образов, символов, знаков, их связь с конкретными проявлениями духовных переживаний и эмоциональных состояний. В макаме соблюдены определённые универсальные принципы музыкальной драматургии, основанные на разноплановом контрасте: ладовом, темброво-регистровом, динамическом, вокально-инструментальном, ритмическом. Эти внутренние контрасты бесконечно разнообразны, но они очерчены настолько тонко, еле уловимы. Инструментальная и вокально-инструментальная музыка в исламской культуре была преимущественно средой профессиональных музыкантов, владеющих искусством макамного мышления. Макам представлял собой единство теории практики исполнительства для музыкантов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.1.69356

EDN: KOFZKO

Аннотация: В статье рассматривается влияние древнекитайских философских концепций на становление современного фортепианного искусства в Китае. В основе древней китайской материалистической философии лежат такие учения, как У-син и Инь-Ян, Великий Предел (тайцзи), восемь триграмм и другие. С течением времени и стремительным развитием науки данные философские концепции не только не утратили значения, но и оказали мощное влияние на становление современного китайского фортепианного творчества, глубоко повлияли на форму и культурную коннотацию китайской музыки, а также стали теоретической основой для работ многих современных композиторов. Представленная композитором Чжао Сяошэном философско-эстетическая система тайцзи, интегрированная в современную систему фортепианной композиции, положила начало революции в сфере фортепианного искусства, объединив в себе теоретические основы традиционной китайской философии и принципы современных методов композиции. Основу методологии исследования составляют философско-культурологический анализ, музыковедческий анализ, семантический анализ. Особый интерес представляет сравнительный анализ музыкально-философской «системы композиции тайцзи» Чжао Сяошена, додекафонии А. Шёнберга и сет-теории М. Бэббита и А. Форта, которые китайский композитор считает источниками своего творчества. Новизна исследования заключается в том, что предложена корреляция между ключевыми категориями древней китайской философии с современными экспериментами в области музыкальной выразительности. Авторам удалось продемонстрировать высокую степень влияния китайской философии на музыку, наглядно показать, что в основе традиционной китайской музыки с древнейших времен были закодированы базовые постулаты древнекитайской философии, а в ХХ веке они были положены в основу современной китайской теории композиции, сыграв при этом колоссальную роль в выявлении единых основ современной композиции Запада и Востока, при сохранении локальных особенностей образной сферы данных культур. Возникновение и формирование философско-теоретической системы музыкальной композиции, в основе которой лежат концепты классической китайской философии, органично преломляющиеся в новейших достижениях композиции западной музыки, подчеркивает онтологическую значимость данных концептов как для восточной, так и для западной культуры. А создание соответствующих музыкальных произведений, несомненно, приводит к позитивным тенденциям в развитии современной китайской музыки и классической китайской философии.

DOI: 10.7256/2454-0757.2020.3.32135

Аннотация: Предметом исследования являются основные драматургические приёмы создания образа антигероя в современном кинематографе. Подобный тип личности отличается деструктивным поведением, противоречивостью и неразрешённым внутренним конфликтом. Антигерой, стремящийся к разрушению как внешнему, так и внутреннему, страдает от уязвлённого самолюбия, а основной его целью становится попытка самоутверждения. Несмотря на свои негативные характеристики образ антигероя всегда дополняется личной философией или историей его формирования, что делает характер такого персонажа неоднозначным и привлекательным для зрительской аудитории. Метод исследования заключается в теоретическом анализе драматургического киноматериала. При подробном изучении образа антигероя применяется метод абстрагирования и обобщения, что позволяет подробно рассмотреть и выявить закономерные характеристики изучаемого персонажа. В контексте драматургии фильма подобное отображение человеческого характера позволяет выражать многогранность и неоднозначность персонажа, так как в основе негативных проявлений его личности героя лежит искажённая негативным опытом аксиологическая система, позволяющая нарушать социальную норму,что в результате приводит к хаосу и разрушению. Однако несмотря на отрицательные проявления, антигерой сохраняет в себе общечеловеческие качества, которые выражаются в потребности к реализации и достижении определённого социального статуса.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.8.38490

EDN: YJRIOQ

Аннотация: Китайская анимация начала XXI века показывает значительные успехи. В свет вышел целый ряд мультфильмов и мультипликационных сериалов. Гипотеза исследования заключается в том, что их образный ряд, сюжеты, художественные особенности отличаются от иностранных мультфильмов и постепенно обретают национальное своеобразие. Данный процесс начался в 2000-х годах, и его темпы только нарастают, при этом он вызывает интерес со стороны иностранных исследований, в том числе и российских. Типологический анализ образов героев известных китайских мультфильмов, созданных в начале XXI века, а также анализ стилевых и художественных особенностей, которыми пользовались авторы, чтобы передать своеобразие персонажа, а также подчеркнуть его принадлежность к китайской культуре, является главной проблемой статьи. Цель настоящего исследования заключается в изучении специфики современных китайских мультипликационных героев, выявлении особенностей процесса разработки и формирования их индивидуальных черт в соответствии с национальными характеристиками. Мультипликаторы Китая стремятся использовать язык традиционного искусства, атрибутику и символику, характерные для национальной культуры. Обращение к анализу современных мультипликационных картин позволяет выделить основные черты анимационных героев «с китайской спецификой». Кроме того, интерес представляет сопоставление особенностей формирования образов, связанных с Китаем, в зарубежных анимационных фильмах и характерных черт персонажей, фигурирующих в творчестве современных китайских художников-мультипликаторов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2020.2.31905

Аннотация: В статье, на основе взглядов доктора искусствоведения А.А. Артюх на смену парадигм в развитии современного киноискусства и методологии науки П. Фейерабенда (концепция эпистемологического анархизма), с опорой на диссертационное исследование Н.А. Осминской о взглядах Г. Лейбница на комбинаторное искусство, детально анализируется на примере «арт-блокбастера» Новейшего Голливуда воздействие на зрителя универсальной формулы «псевдокатарсиса», посредством которого он превращается в потребителя кинематографического продукта. Показывается, каким образом «арт-блокбастеру» удается каждый раз добиваться от своего зрителя катарсических состояний, которые не ведут к «перемене ума», но постоянно держат его в завораживающем чувственном напряжении-возбуждении во время просмотра фильма, а после – в перманентом ожидании продолжения знакомых историй. В рамках междисциплинарного подхода автором соотнесены научно-теоретические, культурологические и эстетические взгляды на развитие кинематографа Новейшего Голливуда, выявлена универсальная формула «псевдокатарсиса» и её воздействие на зрителя. Основной вклад автора заключается в выявлении универсальной формулы «псевдокатарсиса» на примере «арт-блокбастеров» Новейшего Голливуда поколения Вачовски-Нолана, посредством которой зритель превращается в потребителя кинематографического продукта, а в культуре в целом развивается чувство не эклектических, а комбинаторных возможностей в рамках постмодернисткой эстетики.

DOI: 10.7256/2454-0757.2018.2.24322

Аннотация: В работе на основе рассмотрения дизайнерской деятельности проводится анализ творческого акта и подходов к формообразованию, определяются фундаментальные принципы творения, обозначаемые как «порядок» и «случайность», обладающие онтологическим основанием. В статье приводится исторический обзор роли этих принципов в формировании античных философских концепций и связанных с ними эстетических представлений, раскрывается влияние на творческую деятельность человека принципов «порядка» и «случайности». Автор, проводя параллель между формообразованием в природе и формообразованием в культуре, разбирает эволюцию математико-геометрической концепции мироустройства античной мысли, как выражение принципа «порядка», а также демонстрирует развитие этой концепции в последующих воззрениях на формообразование в трудах теоретиков искусства и дизайна. Понимание эллинским мифологическим сознанием принципов «порядка» и «случайности» представлено в работе благоприятным фоном для успешной дивергенции фундаментальных начал творческого акта. Методология исследования заключается в сочетании эстетического и социокультурного подходов, которые позволяют раскрыть диалектическую природу феномена культурного формообразования. Автор приходит к выводу о том, что творческий акт человека не только уподобляется природному формообразованию, но и ограничивается им – культурное преобразование осуществляется посредством абсолютной пары онтологических принципов, «порядка» и «случайности», преодолеть которые человеческое творчество не в состоянии. В работе также отмечается, что современный дизайн, как род духовно-практической деятельности, нацеленный исключительно на чистый культурно-эстетический морфогенез, наиболее наглядно демонстрирует свою зависимость от «порядка» и «случайности», однако, указанные принципы, являясь основой прекрасного, проявляют себя и в историческом развитии всего искусства как универсальные эстетические парадигмы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2018.7.26706

Аннотация: В данной статье анализируются взгляды австрийского историка искусств Ханса Зедльмайра о науке об искусстве, главной проблемой которой он считал то, что она превращается в науку об искусстве без искусства и сводится к внешнему описанию. Причина этого заключается в том, что подобная наука об искусстве изучает всеобщее и единичное в их отрыве друг от друга. Основой второй науки об искусстве, по мнению Зедльмайра, должно стать изучение отдельных произведений искусства, под которыми он, следуя традиции немецкой классической философии, понимает не внешние объекты, а феномены, представляющие из себя единство субъекта и объекта. Методом данного исследования является системный подход, позволяющий рассмотреть различные идеи Х. Зедльмайра в их взаимосвязи. Новизна исследования заключается в актуализации воззрений Х. Зедльмайра на произведение искусства. Целостное произведение искусства, по его мнению, должно реконструироваться исходя из определенной установки, т.е. определенной нацеленности субъекта на объект, формирующей его восприятие этого объекта. Установка, определяемая культурным контекстом, затрагивает не только осознанную, но и неосознанную сферу деятельности субъекта.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.12.24932

Аннотация: Предметом исследования является логика художественного процесса. Анализируется логика взаимосвязи микро и макроуровня художественного процесса: 1) логика становления художественного образа (или поэтизация) событий мира; 2) логика структурирования (или формообразования) художественного произведения. Сложившись определённым образом хотя и в виде «неопределённой туманности», художественный образ всей своею сущностью диктует или подсознательно подталкивает к выбору тех или иных художественных средств. Выстраивая структуру художественного процесса, автор руководствовался идеей диалектической взаимосвязи содержания и формы. Также использованы элементы комплексного подхода, применены принцип историзма, методы анализа и синтеза, обобщения, системный и социокультурный подходы. Новизна исследования заключается в том, что введено понятие «эстетологика» – как логика эстетической деятельности художника, выраженная во взаимосвязи формы и содержания его произведения, которая обнаруживает себя посредством фактора времени. Данная логика может быть вариативной в зависимости от вариативности самого художественного процесса.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.3.37609

Аннотация: Предметом исследования оказывается процесс многих аспектов аудиовизуального творчества, которые необходимо учитывать при создании видео. Объектом работы является создание трейлера фильма посредством использования элементов дизайна и графики в видеоряде. В исследовании рассматривается трейлер постапокалиптического фэнтези-жанра под названием «Бытие», в котором два главных героя изображены как противоположности. В работе рассмотрены и подробно описаны все этапы создания видео трейлера к фильму, включая визуальное представление (отрисовка текстуры центральных предметов, выбор шрифта для отображения заглавия фильма, контроль движения актёров и перемещений кадров), аудиосопровождение видеоряда (музыка, закадровый голос, звуковые эффекты). В работе отмечено, что основной целью всех рассмотренных в статье этапов разработки трейлера оказывается создание аудиовизуального проекта профессионального качества. Основными методами, использованными в исследовании, являются моделирование визуальных эффектов и 3D-моделирование в Houdini, создание реалистичных матовых картин в Photoshop и композитинг видео в Nuke. В качестве основных выводов исследования обозначаются те специализированные программы, которые позволяют создать качественный авторский продукт. Этот софт станет ядром проекта, так как именно в нем все элементы будут объединены в один финальный клип за счет качественной интеграции различных объектов сцены. Новизна исследования заключается в том, что в рамках работы осуществлена характеристика возможностей работы с различными видеоредакторами и графическими программами, которые в своей совокупности помогают создателям трейлеров к фильмам и иных подобных продуктов реализовать задачи по зрелищности и качественности произведённых проектов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.7.39283

EDN: TSHPSV

Аннотация: Предметом исследования является одна из главных линий в творчестве хореографа Джона Ноймайера - интерпретация литературных произведений на балетной сцене. В данной статье рассматриваются такие его постановки на основе литературы как «Дама с камелиями» (1978), «Пер Гюнт» (1989/2015), «Чайка» (2002), «Смерть в Венеции» (2003), «Анна Каренина» (2017), «Стеклянный зверинец» (2019). В балетах Ноймайера выявляется особая взаимосвязь литературы и хореографии. Созданные им спектакли являются не просто фактом иллюстрации сюжета первоисточника, а попыткой проникнуть в суть замысла автора, отразить и подчеркнуть языком хореографии найденные в тексте детали. Новизна исследования заключается в том, что при проведении анализа нескольких ключевых спектаклей из творческой биографии хореографа, открылась перспектива рассмотрения литературной линии его балетов как отдельного феномена. В результате исследования были сделаны следующие выводы. Во-первых, важной особенностью балетов Ноймайера, на основе литературных произведений, является четко выстроенная драматургия всех составляющих спектакля: действия, музыки, хореографии, художественного оформления. Во-вторых, при работе с литературным первоисточником чаще всего хореограф переносит действие в современный мир, при этом не идет вразрез с замыслом автора, а наоборот, усиливает актуальность заложенных в произведениях тем, заявляя о вневременном существовании смыслов текста. В-третьих, взаимосвязь литературы и хореографии в творчестве Ноймайера выводит работу хореографа с текстом на абсолютно новый уровень, что позволяет говорить о больших возможностях невербальной интерпретации в балетном театре в целом.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.5.40814

EDN: QDQKFE

Аннотация: Предметом исследования является цветовое решение фильма известного китайского режиссера Чжана Имоу «Герой», концептуальное понимание цвета как основного смыслообразующего элемента художественного решения. Объект исследования — приемы изобразительного решения в кинематографе. Восприятие цвета в культуре разных народов отличается определенными нюансами и зависит от множества факторов, в том числе от национальных традиций и исторически сложившихся стереотипов. Фильмы китайских, корейских, японских кинорежиссеров интересны с точки зрения цветового решения, так как отличаются художественным своеобразием и нередко предлагают российскому зрителю неординарное решение замысла не только на уровне осмысления содержания, но и на уровне специфической цветовой палитры.   Автором подробно рассматривается цветовая символика фильма Чжана Имоу «Герой». Осмысляется концептуальное наполнение визуально-образного ряда, своеобразие колористического решения фильма. Основными методами исследования являются аналитический и сравнительно-исторический. Анализируются концептуальные аспекты цветовой палитры фильма как важнейшего смыслообразующего компонента. Рассматривается исторически сложившееся восприятие цветовых образов в китайской культуре. Научная новизна статьи заключается в исследовании цветовой символики фильма Чжана Имоу «Герой» в аспекте соотношения восприятия колористического решения визуального ряда и концептуального содержания фильма. Автор приходит к выводу, что несмотря на амбивалентность восприятия того или иного цвета в визуальном искусстве, колористическое решение предопределено концептуальным содержанием каждого эпизода, поэтому цвет становится ведущим смыслообразующим концептом фильма Чжана Имоу «Герой».

Аннотация: The article is devoted to the little-known period of A. P. Chekhov’s life – his staying at Luka Sumsky district of the Kharkovskaya province in 1888-1889. Nevertheless, Chekhov’s visit to Sumschina and his trip around Gogolev’s places of life made an unforgettable impression on the writer and left a significant trace in his creative work

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.8.38549

EDN: YYAUHU

Аннотация: Образ Санкт-Петербурга является неотъемлемой частью русского искусства, в частности, акварельной живописи. Данная статья посвящена анализу творчества русских художников-акварелистов, выявлению специфики и характерных черт образа города на Неве в их творчестве. Объектом исследования являются акварели русских художников, предметом – выразительные средства, приемы и методы, посредством которых воплощается образ Петербурга. На примере акварельных работ Э.П. Гау, И.А. Владимирова, А.С. Ведерникова, А.П. Остроумовой-Лебедевой, П.П. Григорянца, Г.П. Фитингофа, А. Ермолаева, В.В. Прошкина, К. Куземы, В. Колбасова, О. Литвиненко и др. показана историческая трансформация художественного образа Петербурга, его обусловленность культурно-историческими факторами и характером жизни обитателей города.   В ходе исследования сделан вывод о важности образа Санкт-Петербурга для русских художников, а также о значительном многообразии его творческих интерпретаций. Каждая акварельная работа демонстрирует субъективное отношение художников к Петербургу, благодаря чему реальные городские пейзажи обретают одухотворенность и неповторимую выразительность. Сложная историческая судьба этого культурного и художественного центра России, бывшего некогда великолепной столицей, испытавшего революционные события и прошедшего военные разрушения, обусловила многогранность творческих подходов к воплощению города, в результате тех или иных поворотов истории то терявшего, то вновь обретавшего свое величие, красоту и привлекательность. Петербург в акварелях неизменно наполнен жизненными силами, лирическими чувствами и любовью художников.

Аннотация: В статье прослеживаются линии взаимосвязи философии как построения системного знания о мире средствами логического мышления и литературы как формы художественного созерцания, основанием этой взаимосвязи признаётся единение всех видов интеллектуального творчества. Понятийное и образное постижение мира, по оценке автора, являют собой два атрибутивных свойства духовной жизни человечества. В контексте такого понимания проблемы в статье рассматриваются социокультурные факторы, определившие специфику взаимосвязи философии и литературы в смысловом поле отечественной культуры XIX века.

Аннотация: В статье рассматривается взаимодействие зрительного и эмоционального восприятий, а также их значение при создании произведений изобразительного искусства. Статья представляет теоретическую и практическую значимость для художников, а также рассчитана на широкий круг любителей философии и искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2018.9.27640

Аннотация: Вслед за эпохами виртуальных реальностей (1) мифов (Первобытность), виртуальных реальностей (2) мифов и религий (Древний мир), виртуальных реальностей (3) религий (Средневековье), виртуальных реальностей (4) искусства, (5) литературы и (6) идеологий (Новое время) и, наконец, вслед за эпохой виртуальных реальностей идеологий, (7) кино, телевидения и (8) психоанализа (XX век), грядет новая волна: эпоха виртуальных реальностей Интернета, – настоящий «девятый вал», который уже сейчас перекрывает своим размахом все предшествующие виды виртуальностей. Статья посвящена исследованию виртуальных реальностей XX века: тех реальностей, которые продуцировались, в частности, психоанализом и киноискусством. Идеологическая виртуальная составляющая служит в статье оттеняющим фоном, помогающим глубже понять психоаналитическую и кинематографическую реальности. Работа выполнена компаративистским методом: методом сравнения выделенных для анализа данных, описывающих виртуальные реальности психоанализа и киноискусства, прежде всего. Новизна работы заключается в сравнении самых разных "виртуальных миров", создаваемых человеком различными средствами и способами: речь идет о виртуальной реальности, продуцируемой романом и идеологией, психоанализом и кинематографом. В статье мы стараемся доказать, что и киноискусство, и психоанализ являются великими «несносными наблюдателями» в одном специфическом смысле: в отличие от «просто наблюдателей» – в отличие от историков, например – они сами создают те виртуальные миры, которые становятся неотъемлемой частью единой виртуально-реальной реальности человека. Речь, таким образом, действительно идет об особом наблюдателе, сам акт созерцания которого способен менять человеческую жизнь.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.2.39664

EDN: SZSTZZ

Аннотация: Изучение оперного искусства рубежа XVIII–XIX веков является в настоящее время актуальной темой исследования. В начале XIX века произошло множество кардинальных перемен в области вокального исполнительства: формировались новые типы певческих голосов и драматические амплуа, претерпела изменения манера орнаментации партий и исполнения вокальных каденций. Многие работы отечественных и зарубежных музыковедов посвящены в основном изучению оперного исполнительства теноров, басов, контральто и сопрано. Изредка в этих трудах упоминается о баритонах вердиевского периода, а период зарождения баритонового амплуа, который приходится на начало эпохи романтизма, к сожалению, остается неизученным.   Предметом данного исследования является оперно-вокальное творчество итальянского баритона Антонио Тамбурини. Объектом исследования выступают баритоновые роли, созданные для певца. Теоретико-методологической основой исследования послужили труды современных отечественных и зарубежных музыковедов, посвященные искусству вокальных мастеров начала XIX века, рецензии музыкальных критиков-современников Антонио Тамбурини и его творческая биография. Новизна исследования заключается в выявлении причинно-следственных связей между исполнительским творчеством певца и процессами эволюции, произошедшими в оперном искусстве начала XIX века. Основным выводом исследования является выявление роли Тамбурини в становлении амплуа баритона.

Аннотация: Рассмотрена проблема онтологического значения произведений современной отечественной литературы в контексте двух концепций бытия: античной и восточно-христианской. Эксплицируются художественно-эстетические принципы энергийной концепции бытия, а также демонстрируется их применение в области анализа художественных произведений

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.7.43669

EDN: UBLDES

Аннотация: В процессе интерпретации произведений живописного искусства легче понять не «стиль», а «тему», то есть не то, каким образом писать, а что писать. В истории современного искусства, которая придает большее значение именно «стилю», проблема «темы» не является основополагающей и входит в число примитивных вопросов, достойных внимания любителей, не разбирающихся в искусстве. Однако иногда именно в простоте кроется суть. Самые простые вопросы, интересующие практически каждого, являются связующим звеном между произведениями искусства и обществом. При анализе «темы» исследуемый предмет не замыкается на одном произведении искусства, поскольку следует использовать комплексный подход к рассмотрению проблемы. Основным вкладом автора в изучение истории развития китайской живописи является новый ракурс – анализ произведений на основании «темы». В результаты исследования выявлены основные темы китайского живописного искусства, определены основные причины обращения к ним, а также установлено их символическое значение, связь с философской и литературной традициями. Выявлена важная роль ученых-литераторов в определении направлений тематического развития китайской пейзажной живописи, определено значение образов рыбака и путника как носителей духовного содержания пейзажа. Сделан вывод о выдвижении на первый план тех или иных тем в живописном искусстве в зависимости от процессов социального развития Китая.

Аннотация: статья написана к 150-летию со дня рождения А.П. Чехова и представляет собой опыт литературоведческого анализа, ориентированного на правоведческую и философско-правовую проблематику. На примере хрестоматийно известного рассказа «Злоумышленник» автор показывает, как великий писатель вводит в общественное сознание пореформенной России глубинную антитетику, которой была обременена юридическая теория умысла и вменения. Затрагивается тема художественной прозы как дискурса.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.3.37699

Аннотация: Предметом исследования являются изменения театрального пространства и художественных особенностей двух ранних придворных масок на переходе от ренессансной театральной системы к барочной. Объектом исследования стали два ранних придворных зрелища стюартовского периода в контексте эстетики барокко – «Гименей» и «Маска королев», авторами которых выступили драматург Бен Джонсон и художник Иниго Джонс. Особенное внимание уделяется сценическому оформлению обеих масок и преобразованиям театрального пространства, в которых главную роль начинает играть сценическое устройство – поворотный круг. Его использование в зрелищах не только позволило художнику менять всё оформление целиком и через сами превращения выражать одну из главных тем представления, но также объединило сценические трансформации с сюжетным действием маски. Материал исследования представлен сохранившимися текстами пьес-масок Бена Джонсона, письмами придворных и послов, которые были непосредственными свидетелями придворных зрелищ, а также изданными эскизами костюмов и декораций Иниго Джонса. Методология работы включает культурно-исторический подход, описательный метод, метод сравнительного анализа, а также до сих пор не осуществлённую в отношении обеих масок реконструкцию театрального представления. Новизна исследования заключается в том, что впервые в отечественном театроведении предпринята попытка на материале двух придворных зрелищ рассмотреть эстетические особенности театрально-декорационного искусства Иниго Джонса в контексте эстетики барокко. Основным выводом является выявление в двух ранних стюартовских масках черт барочного искусства и перехода к формированию театра английского барокко с его сценическими метаморфозами, поражающей зрителя динамикой, охватом вселенских просторов на сцене и синтезом всех искусств.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.4.40521

EDN: OMTPGZ

Аннотация: Статья посвящена изучению истории театральной терапии в ритуальной драме но-си. Показано, что в целом ритуальные элементы драмы но-си можно использовать в современной драматерапии. Кроме этого, драматическая терапия, которая подразумевается автором в данной статье, несколько отличается от современного понятия психодрамы, поскольку охватывает большие области человеческой психики. Автор полагает, что не стоит полностью игнорировать эту сложную область человеческой культуры, поскольку независимо от функции или формы, драматическая терапия тесно связана с шаманским ритуалом исцеления. Становление китайской национальной драмы происходило в контексте исторического развития Китая. Зародившись в древнейших формах шаманских ритуалов театральное представление эволюционировало в уникальный сценический жанр. Наряду с другими самыми ранними театральными формами таким, как древнегреческий театр и древнеиндийская драма, китайская опера возникла ещё за несколько веков до нашей эры, но в отличии от них сохранилась до сегодняшнего дня практически в неизменном виде. Сейчас китайская традиционная опера занимает важное место в списке нематериального наследия не только самого Китая, но и всего мира. Одной из важнейших вех на пути развития театрального искусства в Китае стала ритуальная драма «но-си», которую сегодня ритуальную драму но-си в Китае называют настоящим «живым ископаемым», поскольку она представляет собой древнейшую культурную форму, дошедшую до нас через века. Архаичные религиозные ритуалы, нашедшие отражение в современных театрализованных действах, свидетельствуют о смешении и синкретизации различных религиозных традиций, в том числе и но-ритуалов и драмы но-си, и современности. Нынешнее поколение успешно осовременивает в соответствие с временем традицию своих предков, сохраняя её в многовековой культурной памяти своего народа.

DOI: 10.7256/2454-0757.2018.1.23545

Аннотация: В статье развивается тезис, что с появлением фотографии и кинематографа философия стала возможной не только посредством слова, но и визуального образа и кинообраза. Кинопроизведения могут содержать ту или иную, как правило, имплицитно выраженную философию. В качестве примера рассматриваются кинопроизведения, интересные благодаря содержащейся в них имплицитной философии боли (алгософии) – пять экранизаций романа Л. фон Захер-Мазоха «Венера в мехах» и выборка из семи художественно значимых фильмов известных кинорежиссеров, таких как М. Ханеке, Р. Полански и др. Обосновывается возможность трансмодального перевода имплицитной философии, выраженной на языке визуальных образов, на вербальный язык традиционного философского дискурса. Показывается, что анализируемые произведения визуально развивают и обосновывают ряд конкретных философских тезисов, важных для диагностирования актуальных проблем и глубокого философского анализа современной культуры, экзистенциальной проблематики современной цивилизации. В них затрагиваются и разрабатываются в новом ключе почти все основные проблемы и рубрики традиционной философии боли: онтологические, гносеологические, социальные, психологические и этические.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.6.43442

EDN: HHAOSE

Аннотация: Предметом исследования является фильм Бернардо Бертолуччи «Последний император», в частности колористическое решение фильма и психологическая наполняемость образа главного героя, которая во многом раскрывается через цветовую палитру и отдельные художественные детали. Объект исследования – язык кинематографа, кинематографические художественные приемы. Б. Бертолуччи – известный итальянский драматург и кинорежиссер. Автор многих эпатажных картин, вызывающих неоднозначную, противоречивую оценку кинокритики и зрителей разных стран мира. Несмотря на порой шокирующие образы и сюжеты, фильмы Б. Бертолуччи получили высокую оценку мирового сообщества и отечественной кинокритики благодаря художественному решению и актуальной проблематике, затрагивающей вопросы классовой борьбы и антифашистские темы. Автором статьи рассматривается образ главного героя фильма Айсингеро Пу И – последнего императора Китая и Маньчжоу-го. В основе фильма реальные исторические события, происходящие в первой половине XX века, поэтому драматические коллизии персонажа не воспринимаются зрителем как некая абстрактная проблема. На фоне сложных исторических перемен, с которыми столкнулся Китай, поднимаются вопросы становления и самоопределения личности. Образ императора Пу И раскрывается постепенно через сопоставление двух сюжетных линий и колористическое решение фильма, так как именно цветовая палитра помогает тонко и многозначно передать психологическое наполнение персонажа. Основные методы исследования – аналитический и сравнительно-исторический. Анализируется композиция фильма, изучается динамика цветовой палитры отдельных эпизодов, что позволяет проследить эволюцию образа. Автор приходит к выводу, что именно колористическое решение фильма позволило создателям передать национальный колорит и историческую атмосферу Китая определенного исторического периода и показать на экране яркий образ главного героя.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.11.44046

EDN: YJZWRE

Аннотация: Северные творческие командировки народного художника СССР Владимира Александровича Игошева (1921-2007) представляют собой важные и яркие страницы в его творческой биографии. Объектом настоящего исследования является творческое наследие художника В.А. Игошева. Предметом исследования - творческие командировки художника В.А. Игошева на Север (Свердловская и Тюменская обл.) 1950-1960-х гг. Цель данного исследования – на основании живописных и графических произведений раннего «северного цикла», архивных материалов, каталогов выставок, советской периодики, отдельных научных статей и сведений от информантов, реконструировать общую картину северных творческих командировок художника В.А. Игошева 1950–1960-х годов.   Новизна исследования заключается в наиболее полном и подробном на данный момент рассмотрении вопроса о северных творческих командировок художника В.А. Игошева 1950-1960-х годов. Ранее данная тема не получала специального освещения. Современные исследователи творческого наследия художника В.А. Игошева в своих обзорных статьях практически не касались данной проблемы, ограничиваясь упоминанием отдельных эпизодов из творческой биографии мастера. Автор исследования приводит исторические факты, связанные с конкретными датами поездок, знакомит с перечнем живописных и графических произведений, со всеми обстоятельствами их создания и дальнейшего экспонирования на крупных художественных выставках 1950–1960-х годов.

Аннотация: в музыке второй половины ХХ столетия возникли художественно-эстетические концепции и методы работы, в которых случайность стала неизменным фактором сочинения и исполнения композиции, как в алеаторике — технике письма, допускающей индетерминизм музыкального материала и структуры произведения. Алеаторное сочинение может иметь мобильный материал и стабильную форму, стабильный материал и мобильную форму или же мобильные материал и форму. Одной из главных проблем подобной композиции, особенно в условиях подвижности всех элементов музыкальной ткани, была проблема формообразования. Однако даже если произведение основывается на принципе абсолютно случайной последовательности частей или комбинации звуковых элементов, целостность и единство его форме придают особые структурообразующие факторы, которые рассматриваются в статье на примере сочинений американских композиторов 1950-1960-х годов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.12.69136

EDN: IQSIYG

Аннотация: Предметом исследования являются онтологические идеи древнекитайской музыки в контексте становления философских школ Древнего Китая, что позволяет выявить ряд философских категорий, лежащих в основе традиционной китайской музыки, и наметить различные подходы к её пониманию и интерпретации. Авторы подробно рассматривают динамику становления музыкальной культуры в Древнем Китае через призму трех философских традиций: конфуцианства, даосизма и буддизма. Большинство китайских исследователей в области музыкальной эстетики сосредотачиваются на музыкальном искусстве, его произведениях и изучении их эстетических аспектов, опираясь на академический опыт. Редко уделяется должное внимание философскому значению категорий, о которых писали мыслители прошлого при анализе законов существования Вселенной и роли музыки в них. Современная музыкальная критика часто сводится к исследованию музыкальной эстетики, минуя глубинные философские ценности. Восстановление и переосмысление этих ценностей в контексте философско-культурологического анализа древнекитайской музыки является ключевым для данной работы, что позволяет углубить понимание специфики древнекитайской культуры и её музыкального наследия. Новизна работы заключается в осуществлении корреляции генезиса музыкальной онтологии Древнего Китая с динамикой становления философских школ конфуцианства, даосизма и буддизма, их расцвета или падения в зависимости от историко-культурной ситуации. Музыкальная философия в Китае до сих пор не стала самостоятельной дисциплиной, поэтому представленная работа вносит существенный вклад в область музыкальной онтологии. В ходе исследования авторами были эксплицированы три основных аспекта, являющиеся базовыми для онтологии древнекитайской музыки: Природа музыки имеет своим источником три категории: Дао, воздух и звук, существующие как в естественном состоянии в природе, так и воплощенные в музыкальном строе и музыкальных инструментах; Звук и ритм, являющиеся сутью любого музыкального произведения, организуют звучащее пространство в соответствии с космическим порядком; Метафизическая природа музыки обосновывается базовыми положениями философии даосизма и теории чисел.

Аннотация: В статье предлагается новое для искусствоведения, философии искусства и культурологии понятие «композицирование» для выявления с его помощью сути процесса созидания художественного образа при игровом диалоге-отношении между зрителем и произведением в его вещественном качестве. При этом в статье отмечается, что процесс композицирования, содержательно разворачиваясь, обладает способностью этапно оплотняться в ряд знаково уникальных композиций — индексную и символическую, основной функцией которых является создание условий для религиозно виртуальной связи конечного с конечным и конечного с абсолютным.

Аннотация: Эта статья о концепции виртуального театра - нового вида искусства, которую автор разрабатывает более двадцати лет. В качестве технологической основы в виртуальном театре будут использованы компьютерные виртуальные технологии. Основная идея концепции виртуального театра – содействие в формировании высокой духовной культуры российского общества. Для нашей страны виртуальный театр мог бы стать проводником Российской национальной идеи, а для других стран он явился бы носителем функций примера и презентации, визитной карточкой России.

Аннотация: Сегодня исследователи пришли к выводу, что сериализм, как стилистическая революция, стал самым мощным выходом из кризиса тональности и был в течение нескольких десятилетий основной силой организации музыкального модернизма. Статья посвящена рассмотрению двух антагонистических движений музыкального авангарда – постсериального модернизма и экспериментального постмодернизма. Показано продуктивное взаимодействие понятий, являющихся бесплодными тогда, когда они разъединены или только вступают в антагонистическое противоречие друг с другом.

Аннотация: в статье определены основные понятия современной теории изобразительного искусства, рассмотрен процесс создания художественного образа в диалоге-отношении реципиента с произведением-вещью, обозначена роль искусствоведа, носителя концептуальных положений теории, в единстве таких профессиональных аспектов, как знаток, исследователь, майевтик.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.1.18369

Аннотация: В статье интерпретируется трактат М. Хайдеггера «Исток художественного творения». Искусство, являющееся частью мира и из него происходящее, всегда интересовало философов, пытающихся найти ответы на вопросы «Есть ли истина в творении?» и «Как понимать произведения изобразительного искусства?». Ключ к загадке искусства автор находит в полемике известного искусствоведа М. Шапиро и философа М. Хайдеггера. В споре понятиям истины и бытия (онтологическое поле) противопоставляются исторические и биографические детали создания картины. Предмет спора искусствоведа и философа – картина Ван Гога «Башмаки». Интерпретируя картину, М. Хайдеггер анализирует, как картина раскрывает сущее ботинок. Благодаря богатому воображению, зритель, через созданность творения, раскрывает истину. Примеряя башмаки крестьянки, зритель представляет ее бытие, происходит «набрасывание» истины. С помощью созданности художник пытается привлечь привлекает внимание и помогает познать истину. М. Шапиро акцентирует внимание на исторической составляющей картин и биографических мотивах художника. Здесь встает вопрос, какой из аспектов, а именно, визуальная документальная информация или искусство (ассоциации, чувства, переживания, проекции) ближе к онтологическому пониманию картины как картины. Автор приходит к выводу, что когда есть творение, биографические мотивы и исторические детали выходят на второй план. Онтологическое понимание картины возможно только в эстетическом поле.

Аннотация: в статье рассматриваются эстетические воззрения Го Си — видного китайского пейзажиста XI века. Особое внимание уделено разработанной Го Си теории «трех пространств» — трех видов композиционных построений пейзажа (картин «горы и воды») — базировавшейся на идеях даосской натурфилософии, обобщении художественно-эстетического наследия мастеров пейзажа, предшественников и современников, и рефлексии по поводу собственного практического опыта в этом жанре. Исследование строится на стыке философии, эстетики и искусствоведения

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.1.68581

Аннотация: В статье интерпретируется трактат М. Хайдеггера «Исток художественного творения». Искусство, являющееся частью мира и из него происходящее, всегда интересовало философов, пытающихся найти ответы на вопросы «Есть ли истина в творении?» и «Как понимать произведения изобразительного искусства?». Ключ к загадке искусства автор находит в полемике известного искусствоведа М. Шапиро и философа М. Хайдеггера. В споре понятиям истины и бытия (онтологическое поле) противопоставляются исторические и биографические детали создания картины. Предмет спора искусствоведа и философа – картина Ван Гога «Башмаки». Интерпретируя картину, М. Хайдеггер анализирует, как картина раскрывает сущее ботинок. Благодаря богатому воображению, зритель, через созданность творения, раскрывает истину. Примеряя башмаки крестьянки, зритель представляет ее бытие, происходит «набрасывание» истины. С помощью созданности художник пытается привлечь привлекает внимание и помогает познать истину. М. Шапиро акцентирует внимание на исторической составляющей картин и биографических мотивах художника. Здесь встает вопрос, какой из аспектов, а именно, визуальная документальная информация или искусство (ассоциации, чувства, переживания, проекции) ближе к онтологическому пониманию картины как картины. Автор приходит к выводу, что когда есть творение, биографические мотивы и исторические детали выходят на второй план. Онтологическое понимание картины возможно только в эстетическом поле.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.9.23620

Аннотация: Предметом исследования является так называемая открытая форма Лючано Берио - одного из новаторов европейского авангарда. Он писал музыку в подвижных формах, меняющихся по материалу и структуре. Объектом изучения становятся произведения Берио в открытой форме разных жанров. Берио применял алеаторную технику письма и написал ряд статей об открытой форме. Он стремился воплотить в музыке философско-эстетические принципы Дж. Джойса и У. Эко. В статье рассматривается концепция открытой музыкальной формы Берио и ряд произведений, в которых она нашла отражение. Методологией исследования становится эстетический и теоретический анализ идей и концепций Берио, высказанных им в статье об открытой форме, а также музыкально-теоретический анализ произведений композитора с применением нового понятий ной терминологического аппарата. Новизна исследования заключается в первом на русском языке анализе концепции открытой формы в творчестве Лючано Берио и её конкретном воплощении в музыкальных произведениях, выявлении и представлении основных признаков открытой формы, изучении нотного текста и его звуковой реализации, демонстрирующей подвижность композиции на уровне текста и структуры, прослеживании практического применения алеаторной техники письма и её влияния на формообразование. К статье также прилагается перевод статьи Берио о форме с английского на русский язык.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.7.19719

Аннотация: Статья посвящена анализу философских оснований фильма «Меланхолия» датского режиссера Ларса фон Триера, связанных с учением Ф. В. Ницше о вечном возвращении, жизни как воле к власти и идеей сверхчеловека. В процессе подробного анализа данного кинематографического материала рассматривается значение идей Ф. Ницше о подлинном бытии, человеке и культуре для осмысления состояния современного общества. Исследуются религиозно-"антихристианские" образы фильма Л. фон Триера. Обращается внимание на культурный полифонизм, эстетический фон интертекстуальных взаимодействий. Идея Ф.Ницше о "вечном возвращении" сопоставляется с предназначением главной героини, образами вечности и времени в символике фильма. Впервые обосновывается рецепция метафизических категорий Ф. Ницше и некоторых аспектов его философского стиля в семиотическом пространстве фильма. Выявлено, что метафорические конструкции Л. фон Триера не только погружают реципиента в ницшевское мироощущение, но и порождают новые коннотации некоторых категорий его философии, возможность неоднозначных, порой противоположных интерпретаций. Взаимодействие категориальных образов философии Ницше с художественным контекстом фильма позволяет рассматривать апокалипсис, как имплицитное осознание спасения, а волю к жизни (власти), как волю к смерти, что соответствует интенциям современной культуры.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.2.37321

Аннотация: Вопросы стиля в искусстве являются основополагающими вопросами современной эстетики, поскольку стиль выдвигается в ряд главных категорий искусства, выступая в качестве принципа организации эстетической формы. Не случайно на протяжении последнего столетия внимание многочисленных исследователей было обращено к XVII веку - началу истории эстетики нового времени, в котором, возможно, заключен корень современных проблем. XVII век представляется в этом отношении самым благодарным материалом для дискуссии о стиле, поскольку в XVII веке возникают великие стили, которые будут развиваться и трансформироваться в последующие века и определят развитие искусства на многие десятилетия - классицизм и барокко. C 30-х годов XX века в исследованиях, посвященных изучению литературы и искусства XVII века намечается отход от теории классицизма XIX века. Первый этап такого поворота - исследование творчества «столпов классицизма», которое продемонстрировало, что оно не имеет ничего общего с иерархизированным академизмом и благоговением перед нормами. Желание нравиться публике, воспринимавшееся вначале как главный парадокс в теории классицизма, в дальнейшем формулируется исследователями, как присутствие иной эстетики. Следующий этап - подвергается критике сам термин «классицизм», как поздний, оценочный, придающий этой эпохе значение абсолюта. В силу чего, многие исследователи приходят к выводу, что во Франции XVII века не было литературной и эстетической доктрины в качестве единой и «классической». Наконец, третий этап изучения - обращение к единой антропо-социо-культурной концепции истории, использование социологических методов для выделения галантного этоса позволяет сделать заключение, что классицизм - это явление в сфере искусства, галантность – это не только феномен художественный, но и социальный.

Аннотация: в статье рассматривается мировоззрение и творчество Чехова с философско-эстетических позиций. В этой связи также поднимается вопрос о правомерности приписывать ему религиозные убеждения. Но главное внимание уделяется анализу двойственного характера чеховской поэтики, проводятся параллели с творчеством Л. Толстого, Ф. Достоевского, с западноевропейским романтизмом XIX в. Выявляются причины этой двойственности и основания всемирного признания писателя в контексте глобальных социальных изменений и трансформации общественного сознания в последние сто лет.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.6.41033

EDN: HMLXOK

Аннотация: В качестве объекта исследования в данной работе рассматривается образ Бабы-Яги в народной культуре древних славян. Как важная часть народной культуры, русские народные сказки берут на себя ответственность транслировать традиционные нравственные качества и формировать основу оценочно-эмоционального отношения человека к миру. Предметом исследования выбрана трансформация и интерпретация образа Бабы-Яги в исполнении народного артиста РСФСР Георгия Милляра в киносказках режиссера Александра Роу. Авторы поставили перед собой цель выявить специфические особенности в интерпретациях образа Бабы-Яги Георгия Милляра и обозначить типологию этих образов. Методологическую основу статьи составляет контент-анализ, сравнительный, статистический, историко-культурологический анализ фильмов киносказочника Александра Роу.   Авторы при рассмотрении проблемы достигают следующих результатов: Георгий Милляр снялся в 16 киносказках Александра Роу, при этом исполнив 27 ролей; в 4 сказках сыграл Бабу-Ягу; каноничным образом является только первый, остальные три образа – личная заслуга Георгия Милляра. В процессе разработки поставленной проблемы авторы выделяют сравнительные критерии образов Бабы-Яги: внешние особенности, поведенческие характеристики, черты характера. Новизна исследования состоит в нетрадиционности обозначенного подхода, а также в комплексном анализе палитры творческих возможностей актера Георгия Милляра. В результате исследования авторы приходят к следующим выводам: 1) многовековой образ Бабы-Яги очень сложен и зачастую противоречив, поэтому способен трансформироваться и интерпретироваться; 2) Георгий Милляр создал 4 разных образа одного и того же персонажа - Баба-Яга «Ведьма», Баба-Яга «Старушка-хозяйственница», Баба-Яга «Мать» и Баба-Яга «Дама».

Аннотация: Интервьюер — О.М. Тенякова

Аннотация: статья посвящена актуальной проблеме системного изучения художественной культуры. Описывается локализованная версия системного анализа художественной культуры на основе ее матричного структурирования. Показан эвристический потенциал авторского подхода.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.11.68910

EDN: XIYFUM

Аннотация: Предметом исследования является христианский дискурс английского сериала «Робин из Шервуда» (1984–1986). В качестве методологической основы научной работы применяется философско-герменевтический подход, представленный, в частности, в трудах В. Дильтея, Х.-Г. Гадамера и М.М. Бахтина. Важнейшей структурой понимания выступает принцип «герменевтического круга», предполагающий, что текст в целом понимается через каждую его часть, а часть – через целое. Кроме того, понимание возникает в процессе «диалогического познания», диалога автора, а также текста, как субъекта, и читателя (зрителя). Содержание сериала «Робин из Шервуда» анализируется в конкретно-исторических условиях 1980–х гг. Это период нарастающего социального и культурного протеста, вызванного в Европе и США политикой неоконсерватизма и сокращением социальных гарантий. Многие явления, ранее относившиеся к контркультуре, входят в моду и становятся мейнстримом, в том числе наследие язычества, дохристианская мистика и мифология. В статье показано, что создатели сериала предполагали представить Робин Гуда не только лидером социального или национального сопротивления, но и защитником древней языческой религии от новой, христианской. Дан анализ эпизодов первых двух сезонов фильма, в которых прослеживается критика христианской церкви как института, а также конкретных монахов и священнослужителей. В третьем сезоне критический пафос в отношении церкви практически исчезает. Тем не менее, автор приходит к выводу, что именно первые два сезона демонстрируют развитие нравственного сознания персонажей от языческого к христианскому, и христианский дискурс присутствует в кинотексте, возможно, вопреки первоначальному замыслу его создателей. Наблюдается также рецепция христианского дискурса сериала в российском и, шире, русскоязычном литературном интернет-пространстве, что находит отражение в дискуссиях на соответствующих литературно-исторических форумах и в произведениях фан-литературы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.10.24103

Аннотация: Предметом исследования становятся художественно-эстетические принципы американского авангардиста Джона Кейджа, сформировавшиеся на основе религиозно-философских принципов и категорий дзен-буддизма и применявшиеся им в музыкальном творчестве. Такие принципы, как ненамеренность, случайность, индетерминизм, всеизменчивость и вариабельность, всеединство, одновременная множественность, взаимопроникновение искусства и жизни сложились под влиянием четырех благородных истин буддизма, категорий недеяния, Ничто, пустоты, а также важнейших основ дзен-буддизма, включая представления о мире (человеке и природе), духовную практику и др. Все эти принципы найдут применение в конкретных техниках письма, жанрах, формах и видах музыкально-творческой деятельности Кейджа. Методом исследования стал смысловой анализ понятий и категорий дзен-буддизма и художественно-эстетический анализ связанных с ними творческих принципов Кейджа. Новизна исследования заключается в первой в российском музыковедении попытке связать религиозно-философские принципы и категории дзен-буддизма с художественно-эстетическими принципами Кейджа, провести аналогии между ними, дать конкретное объяснение тому, что они собой представляют и как отражаются на музыкальном творчестве композитора.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.4.39922

EDN: XUXKOM

Аннотация: Каменный лев играл важную роль в древнем китайском архитектурном декоре и часто использовался в традиционной китайской архитектуре в эпоху разных китайский династий. Китай не является природным местом обитания льва, но данное животное издавна почиталось китайцами. В течение почти двух тысяч лет китайцы формировали художественный образ каменного льва, придавая ему китайские черты, накапливая богатые культурные коннотации. Каменные львы являются одним из самых важных художественных выражений в различных культурных коннотациях. С появлением, развитием и зрелостью культуры каменного льва, его художественный образ стал уникальным духовным и культурным символом в Китае. Данная статья состоит из двух частей: Эволюция образа каменного льва в разные династии Китая; Образ каменного льва в разной предметно-пространственной среде в древнем Китае. Статья посвящена исследованию и трактовке символических значений китайского каменного льва через исследование его характеристик и эволюции образа в различной предметно-пространственной среде в разные исторические периоды. В статье используются различные примеры для анализа. В заключении обобщено символическое значение каменных львов в древнекитайской предметно-пространственной среде, в частности как: буддийские священные предметы; древний благоприятный зверь; демонстрация ранга в иерархии.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.4.70219

EDN: KUURHG

Аннотация: Предметом исследования является рассмотрение направлений развития интересов современных российских ученых в отношении изучения образа человека в пространстве изобразительного искусства, в частности живописи начала XXI века. В роли объекта выступает предметное поле изучения образа современного человека в искусстве России начала XXI века. На материале отдельных репрезентативных, отражающих специфику трансформации антропологической тематики в современном изобразительном искусстве можно показать не только разницу в подходах к пониманию сущности и роли образа современного человека в арт-процессе, но и продемонстрировать специфику художественной интерпретации данной образной системы в контексте искусствоведческой проблематики. Научная новизна заключается в расширении представлений о методологическом аппарате, необходимого для анализа антропологического направления в изобразительном искусстве. Основным методологическим основанием исследования послужил системный подход, позволивший рассматривать современное искусство России как единую систему. Это помогло систематизировать интересы современных исследователей, анализирующих место и роль образа человека в ней. Через постмодернистскую парадигму восприятия и интерпретации антропологической тематики выявить существенные особенности идей российских ученых. Так же использовались методы искусствоведческого анализа. Исходный пункт исследования состоит в том, что на данный момент в российской науке существует корпус искусствоведческих и культурологических исследований, посвященных развитию современного искусства страны. Однако трудов, обобщающих имеющийся опыт ученых и определяющих основные направления научной мысли, нет. В свете этого научная новизна статьи заключается в расширении представлений о методологическом аппарате, необходимом для анализа антропологического направления в изобразительном искусстве современности, что является перспективным путем для будущих исследований в указанной области. Определены наиболее востребованные концептуальные философские и историко-культурные основания для анализа и решения практических задач в области современного искусства в отношении репрезентации образа человека. Собран и проанализирован эмпирический научно-исследовательский материал.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.7.38400

EDN: CAOTDZ

Аннотация: Выставки, посвященные теме «Красного Китая», занимают важное место в распространении «красной» культуры, преемственности «красного» гена и интенсификации «красного» образования. Они отражают политическую повестку, обладают отчетливостью содержания и уникальностью текстового материала. Являясь важным элементом распространения «красной» культуры, выставки на тему «Красного Китая» интегрируют элементы данной культуры в повседневную жизнь людей и играют активную роль сохранении и приумножении «красного» гена. В данной статье проводится систематизация и обобщение знания в области повествовательной стратегии выставок на тему «Красного Китая» с точки зрения онтологии, структуры и носителя нарратива, что на современном этапе имеет важное значение для построения сильной социалистической идеологии. Выставки на тему «Красного Китая» – важный способ материализации, визуализации и распространения «красной» культуры, а также эффективное средство ее популяризации. В ходе исследования установлено, что «Красные» выставки должны обладать «революционным содержанием», носить «политический характер», быть «взаимно признаваемыми властью и народом», брать на себя основную ответственность за обеспечение людей общим доступом к материальной и духовной культуре. С точки зрения коммуникационной функции «красных» выставок, они являются важным средством организации Коммунистической партией Китая идейно-политического воспитания, укрепления общественного согласия и пропаганды базовых ценностей.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.11.69076

EDN: XKFNTU

Аннотация: Французское анимационное кино является темой, мало освещаемой в российских научных публикациях. В статье представлены анализ и интерпретация особенностей двух мультипликационных произведений французской анимации, созданных на рубеже XX-XXI вв. «Кирику и колдунья», мультфильм, вышедший на экраны в 1998 году, представляет собой одну из интереснейших работ знаменитого французского режиссёра анимационного кино Мишеля Осело. «Трио из Бельвилля», произведение, появившееся на экранах в 2003 году, снискало популярность не только во Франции, но и прославило имя своего создателя Сильвена Шоме в мировой анимации. Целью исследования является развитие теоретического знания о старейшей в мире школе анимации путем анализа указанных произведений как наиболее репрезентативных во французском анимационном кино на рубеже XX-XXI вв. Методология исследования основана в первую очередь на применении формально-стилистического, иконологического и культурно-исторического методов, что позволяет описать и проанализировать художественные формы произведений художественной анимации Франции, определить содержащиеся в них смыслы в контексте породившей их культуры. Новизна исследования связана в первую очередь с введением в оборот российской науки ранее не изученных произведений современной французской анимации и их интерпретацией в контексте развития французского анимационного кино. В статье проводится анализ сюжетных особенностей, системы персонажей, выявляются метафоры и смыслы, наполняющие рассматриваемые мультфильмы, а также средства художественной выразительности, использованные французскими режиссерами. Анализ этих произведений свидетельствует о том, что мультипликационные работы рубежа XX-XXI вв. отражают значимый этап в развитии современного французского анимационного кино. Это развитие происходит не путем обращения к зарубежному опыту, но с помощью формирования национальной специфики в создании мультипликационных произведений. Французским режиссерам удается успешно совершенствовать их собственный оригинальный почерк, при этом перенося на экран смыслы и ценности национальной культуры.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.9.38692

EDN: CBZBVZ

Аннотация: Натюрморт как самостоятельный жанр в китайском изобразительном искусстве сформировался во второй половине XX века под сильным влиянием, прежде всего, западноевропейского и русского, а затем и американского искусства. Данный сравнительно небольшой отрезок времени включает в себя сразу несколько периодов, в которых доминировало то или иное влияние. Однако именно интеграция идей и принципов иностранных художественных школ позволила выработать китайским мастерам те черты художественно-образного языка, которые определили особенности жанра натюрморта в пространстве современного искусства. Объектом статьи является процесс развития натюрморта Китая во второй половине ХX века, предметом выступает набор выразительно-художественных средств, используемых китайскими художниками для создания натюрморта под влиянием зарубежных художественных веяний. Настоящая статья нацелена на определение места и особенностей жанра натюрморта в творчестве китайских живописцев второй половины XX века, а также на характеристику соответствия этого жанра тенденциям и веяниям русского и советского, а также европейского искусства. В ходе исследования сделан вывод о том, что данный жанр получил стремительное развитие именно во второй половине XX века, что происходило под непрерывным иностранным художественным влиянием. Занятие натюрмортом прочных позиций в пространстве китайского искусства и формирование его оригинального характера с национальной спецификой пришлось на конец ХХ века.

Аннотация: социальные смыслы в искусстве нередко остаются за рамками исследовательского внимания. Однако в социологии искусства как самостоятельной отрасли социокультурного знания акцент делается именно на этом. Различные проблемы участия социологии искусства в интерпретации социального и художественного рассматриваются в настоящей статье.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.4.18480

Аннотация: Объектом исследования является соотношение театрализации и игры. Предметом исследования становится человекотворческий фактор, позволяющий объединить в одном исследовании театрализацию и игру. Цель исследования – выявить возможности человекотворческого подхода к анализу соотношения театрализации и игры. Автор рассматривает соотношение театрализации и игры двойственно: в её театрально-художественной ипостаси и как игровое моделирование жизни средствами театра, для чего вводится и обосновывается концепт творческой готовности, которая и понимается как человекотворческий фактор. Методологический инструментарий почерпывается из разработок крупнейших зарубежных и современных российских философов, активно использовавших универсальную категорию «готовности» как способ осмысления существования человека в процессе развития и как способ его творческого бытия. В результате исследования автор обнаруживает четыре системообразующие позиции в соотношении театрализации и игры:готовность к созданию иллюзии реальности, готовность к сакрализации иллюзорной реальности, готовность к групповому существованию в театрализованной игре, готовность к жертвенному исполнению роли. Вокруг основных позиций группируются другие, располагаясь по соответствующим уровням. В опоре на творческую готовность создаётся театрализация как новая иллюзорная, игровая реальность, стремящаяся заместить реальность действительную.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.7.38404

EDN: CLYHES

Аннотация: Расписная керамика занимает важное место в древнекитайском искусстве и является результатом творческой деятельности людей первобытного общества. Большое число неолитических узоров на керамике подобно тем знакам и символам, что выполнялись на изделиях из нефрита того же периода. Такие узоры напоминали рисунки, выполненные вручную и представляли собой реалистичные и абстрактные орнаменты, растительные, зооморфные узоры и т.д. Таким образом, предметом настоящего исследования являются так называемые «нефритовые» узоры на расписной керамике эпохи неолита. Объектом исследования выступают предметы расписной керамики эпохи неолита в Китае. Особое внимание уделяется рассмотрению специфики керамических изделий, а также особенностям их декоров.   Семантика изображений на предметах китайской расписной керамики сложна и неоднозначна. В ходе исследования было выявлено, что она связана с развитием человеческого мышления, пониманием людьми природных явлений, осознанием смены времен года, а также зарождением анимизма и тотемной культуры. Данные узоры имели разные толкования, при этом являлись не только способом выражения ощущений и переживаний первобытных людей, но и способом фиксации ими важных событий из жизни, подобных современным мемуарам. Таким образом, новизной настоящей статьи является ее сравнительный характер, проявляющийся в сопоставлении орнаментов расписной керамики и древнекитайских нефритовых изделий.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.8.43497

EDN: WPTMGC

Аннотация: В настоящем исследовании изучения смешанных техник происходит в контексте наследия неоакадемистов как художественного течения в России конца ХХ века. Также произведения этих художников исследуются с позиции «творческого бунта» и поиска новых форм в искусстве. В данной статье произведения Т. П. Новикова, Г. К. Гурьянова, К. Гончарова, В. Ю. Мамышева-Монро и других представителей НАИИ исследуются с позиции смешанных техник в арт-объектах. Основные акценты делаются на анализе арт-объектов в смешанных техниках в контексте преодоления формализма, воплощения стилистического многообразия, метаморфозы форм и состояний, живописных символов и универсальных смыслов. Обращение к исследованию особенностей применения смешанных материалов и техник в арт-объектах неоакадемистов позволяет обогатить и дополнить понимание термина «смешанные техники», предложенное Б. В. Виппером, в том числе в русле, актуальном для современных арт-практик, связанных с поисками новых форм, композиционных решений, формированием уникального авторского языка, оригинальности произведения. Отмечается, что стимулом для применения неоакадемистами различных материалов и средств их воплощения являлось стремление к реализации, как принципа бесконечности выбора и бесконечности смысла, так и связи с художественными традициями и знаками прошлого, «классики». Подобный синтез связан с постмодернистскими тенденциями в российском художественном мире, приобщение к которому стало определяющим в конце ХХ начала ХХI века.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.4.70254

EDN: KFYVVR

Аннотация: Предмет исследования составляет одна из тенденций развития институциональной среды творчества художников современного Санкт-Петербурга, которая заключается в образовании основных форм художественной коммуникации, то есть авторами между собой и с широкой, а также профессиональной публикой. Объект – влияние институциональной среды на данные формы: художественные и нехудожественные музеи, арт-галереи и выставочные центры, которые являются классической формой презентации актуального искусства; альтернативные им площадки, такие, как креативные пространства и арт-кластеры. В поле внимания входит и тяготение петербургских авторов к организации небольших художественных объединений, преимущественно арт-групп, например, «ГрОМ», «Непокоренные», «Север-7», «Паразиты» и др. Помимо художественных произведений привлекаются теоретические работы и размышления исследователей современного искусства Петербурга и пространств его общественной презентации. Методологическим обоснованием стал анализ произведений петербургских мастеров начала XXI века в контексте развития городских институций художественной коммуникации. Исследование опирается на теоретические работы, посвященные проблеме художественной коммуникации и тенденциям актуального арт-процесса. Используется сравнительно-интерпретационный и типологический методы, позволяющие сопоставить работы художников и формы художественной коммуникации. Проблема художественной коммуникации в сфере изобразительного искусства Петербурга становится предметом отдельного исследования. Данная сфера жизни города в настоящее время развивается достаточно динамично, так как появляются новые арт-объединения, кураторские практики и альтернативные классическим площадки для презентации творчества авторов, принадлежащим к разным поколениям и арт-течениям. В этот процесс вовлекаются традиционные музеи и галереи, а также креативные пространства, арт-кластеры и иные зачастую непрофильные учреждения, например, библиотеки и кафе. На этом фоне кристаллизуются особенности петербургской художественной коммуникации, для которой характерно стремление к организации сообществ, к сплаву реалистических традиций и актуальных тенденций, к эскапизму и символичности, а также интерес к восточной тематике и стилистике.

Аннотация: В статье рассматривается произведение изобразительного искусства как художественный образ, который кристаллизуется поэтапно в процессе отношения человека-зрителя с произведением-вещью. Выделяются и анализируются материальный, индексный, иконический и символический статусные этапы возникновения художественного образа. Утверждается, что все многообразие особенных художественных образов есть не что иное, как единое произведение изобразительного искусства, созданное в связи с насущной людской потребностью осуществить религиозную связь конечного и бесконечного, человеческого с абсолютным.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.1.62044

Аннотация: C середины XIX века в жизни европейского общества произошли значительные социально-культурные перемены, которые существенно изменили представление современного человека об искусстве. В статье рассматривается природа фотографического образа, как особого способа познания окружающего мира. В данной работе автор анализирует различные подходы к содержанию феномена фотоснимка. С одной стороны фотография является новым способом отношения к объективной реальности, через субъективное суждением человека о предмете, а с другой стороны – это возможность приспосабливаться и выживать, сохранять и получать знания о мире. Выступая в различных ролях, фотография имеет возможность концентрировать в себе достижения, как науки, так и искусства, выступать объектом или субъектом в зависимости от целей фотографирования.

DOI: 10.7256/2454-0757.2017.5.19657

Аннотация: Темой статьи является творчество Джона М. Кейджа - известного американского композитора, философа, поэта, музыковеда и художника, который одним из первых в авангардной музыке начала ХХ в. использовал при её создании алеаторику, «случайные операции», электронную музыку и нетрадиционное использование музыкальных и не музыкальных инструментов, рассматривавшего фактор случайности и неопределённости как существенный и формообразующий элемент музыкального производства. Композитор также радикально изменил восприятие музыки, а его музыкальные идеи во многом определили развитие не только новых тенденций в музыке, но и визуальную культуру послевоенного авангарда. В работе используется культурно - исторический метод исследования многообразного творчества композитора, предоставляющий основание для обоснования положения о том Кейдж был и остаётся не только одним из самых влиятельных композиторов, начала ХХ в. чье влияние распространяется далеко за пределы царство музыки и в искусстве, литературе, кино и другие эстетические и концептуальные выражение познания о мире, но и, со всей очевидностью, недооцененным художником в современной истории музыкальной культуры. Композитор открыл новое богатство возможностей в современном искусстве, эпоху массовых экспериментов во многих видах искусства – музыке, живописи, хореографии, поэзии и др., сместив фокус от внутренней психики художника к современной художественной среде, создал основу для особой формы восприятия музыки - молчанию, дав толчок к расширенному понятию о музыкальной композиционной практике и призвав к созданию новой формы слуховой духовности, где звук становится хамелеоном, адаптацией в соответствии с меняющимся вокруг него звучанием. Основным вкладом автора в исследование темы является то, что статья восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе по истории экспериментальной музыки в отношении многообразного творчества и личности композитора. В исследовании обосновывается тезис о том, что культурно-исторический анализ творчества композитора, которого ещё называли «музыко - философом», закономерно дополняет фундаментальные исследования его творчества как композитора. К основным выводам исследования можно также отнести обоснование утверждения о том, что композитор стремился рассматривать все виды звуков как потенциально музыкальных, призывая аудиторию к принятию в качестве равноценных всех звуковых явлений, по существу осуществив революцию в музыке таким образом, чтобы сделать возможным сочинять и исполнять любую музыку, приравнявшим распространение шума к статусу музыкального тона и расширившего звуковое пространство музыки введением новых немузыкальных звуков и звучностей.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.9.38790

EDN: CAWRLU

Аннотация: В основу содержания китайских народных картин нунминьхуа заложена мораль и национальная философия, способная вдохновлять и поднимать боевой дух граждан. Этот вид стимулирования отличается от агитации и рекламы в обычном смысле данных понятий. Это – форма комплексного художественного выражения, сочетающая в себе символическую лирику и философские размышления, имеющая в своем арсенале методы активного стимулирования, направленные на завоевание доверия аудитории и расширение охвата агитационно-пропагандистской деятельности. Объектом настоящего исследования являются китайские народные картины нунминьхуа, а предметом - их просветительская и пропагандистская функции.   Изобразительный язык китайской народной картины с четко обозначенной тематикой, богатым иллюстративным языком, чертами массового искусства, а также присущей ему тенденцией к широкому распространению отличает нунминьхуа от других форм искусства. Все эти отличия неизбежно становятся причиной, обуславливающей совершенно иную, уникальную силу социального воздействия народных картин. Основным выводом исследования является то, что простота создания народных картин, присущие им особенности распространения информации и культурные функции обусловили широкий диапазон их существования на разных этапах общественного развития Китая. Яркость и наглядность сделали нунминьхуа понятными для широких слоев населения, определили их эффективность в реализации просветительской и пропагандистской функций.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.7.38534

EDN: CNQZVP

Аннотация: В статье анализируются работы китайских художников различных исторических эпох, использовавших стилистико-тематическое направление с изображением цветущей сливы. Обращение художников к образам природы для передачи чувств и переживаний способствовало возникновению данного образа и его становлению как символа стойкости и несгибаемости характера. Таким образом, предметом предлагаемого исследования является китайская живопись, объектом — становление такого распространенного мотива, как цветущая слива. Целью настоящей публикации является определение основных типов изображения указанного образа в китайской традиционной живописи на временном промежутке от VI века до конца XIV столетия — наиболее плодотворного периода его становления и развития. Цветущая слива имеет большее значение в развитии традиционной пейзажной живописи Китая. На протяжении почти тысячелетия менялась трактовка, композиционное решение, а также техника изображения данного образа. Авторским вкладом в разработку проблематики является комплексный анализ изображений цветущей сливы в пейзажных картинах китайских художников различных исторических эпох, а также характеристика процесса эволюции и особенностей воплощения данного образа. В работе прослежены истоки зарождения данного сюжета в творчестве китайских художников, проанализированы процессы изменения и развития изображений, а также охарактеризована специфика его внешнего выражения и внутреннего содержания.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.8.43702

EDN: WRDHXO

Аннотация: Искусство традиционной живописи и роспись керамики в Китае имеют давние традиции, в частности в понимании роли цвета в композиционном и смысловом строе. Принципы создания цветообраза издавна были связаны с национальными особенностями восприятия оттенков и их сочетаний, а также философскими представлениями. Технологические особенности и свойства глазурей накладывали определенные ограничения на использование выразительных возможностей цвета китайскими художниками-керамистами. Объектом настоящего исследования являются произведения китайской живописи и керамики, предметом – принципы цветооформления в этих искусствах. Особое внимание уделяется выявлению сходных черт в подходах к передаче цвета в произведениях живописи и керамики. Особым вкладом автора в исследование проблемы является попытка охарактеризовать и сопоставить роль цвета в искусстве китайской живописи и росписи керамики. В статье определен ряд общих принципов соотношения и гармонизации цветов в двух искусствах. Прослежены традиции цветооформления произведений различных эпох, установлены особенности их эволюции, выявлены цвета, характерные для живописи и росписи керамики разных исторических периодов. В статье рассмотрена сущность и символика разных цветов, в основе чего лежат национальные философские и культурные представления. Сделан вывод о значимости цветообраза и цветооформления для произведений керамики и живописи Китая.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.6.40967

EDN: JEKAHF

Аннотация: В настоящем исследовании рассматривается специфика воплощения темы антияпонской войны в китайском искусстве на различных этапах от 1930-х годов до начала XXI века. В качестве материала выбраны ключевые произведения графиков и живописцев, которые знаменуют собой ключевые точки эволюции рассматриваемой темы. Образы в китайском искусстве, связанные с событиями антияпонской войны или «Войны Сопротивления», создаются художниками более семи десятилетий, изменяясь и трансформируясь в соответствии с политическими, идеологическими, социокультурными и художественно-стилистическими факторами. Данная тема чрезвычайно важна для народа, так как именно она придала искусству только что родившегося Нового Китая в XX веке историческое измерение, определила меру ответственности китайских художников перед обществом и отчасти эстетическую парадигму эволюции искусств. Более того, она служила и служит источником вдохновения для новых поколений мастеров исторической живописи, в особенности баталистов. В результате анализа и обобщения выделяется четыре этапа. Первый связан с творчеством графиков военного времени, которые фиксировали важнейшие моменты противостояния двух армий и народов, определив общую реалистическую направленность в развитии темы и ее иконографию. Середины века – это время утверждения образов, связанных с антияпонской войной, как магистральной линии в живописи Китая, появления многофигурных сюжетных полотен, в том числе в батальном жанре. Последняя треть XX века определяется как период перехода от героизации событий к воплощению понимания той войны как национальной трагедии, а также обогащения романтизированного реализма новыми художественными формами. В начале нового столетия художники склоны создавать масштабные полотна, насыщая их сложными символическими значениями и деталями. Подобные изменения свидетельствует о продолжении эволюции изучаемой темы и ее дальнейших трансформациях.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.3.70226

EDN: GPJPQA

Аннотация: В качестве материала исследования рассматриваются полнометражные и короткометражные самостоятельные художественные фильмы режиссера Мартина Скорсезе. Объектом исследования обозначены основные элементы режиссерского почерка Мартина Скорсезе. На протяжении всего творческого пути исследуемый режиссер, не боясь оперирует многочисленными художественными приемами, которые сегодня образовывают режиссерский стиль и режиссерский почерк – трансляция христианских мотивов, жестокость в сочетании с красотой преступного мира, глаза как элемент души героя, использование зеркала в контексте отражения иного мира персонажа, повествование через сны и фантазии, а также изобилие монтажных решений. Основное внимание уделено актерскому решению в фильмографии режиссера, что коррелирует с предметом данного исследования. В данной статье автором были проанализированы 33 фильма режиссёра, попадающие под условия исследования.  Теоретико-методологической основой исследования послужили труды отечественных и зарубежных теоретиков и практиков кинематографа, а также киноэнциклопедии и киносправочники академического характера. По результатам исследования автор пришел к выводу, что режиссер привержен постоянному актерскому составу в своих фильмах. Больше других у Мартина Скорсезе снимаются такие актеры как Роберт Де Ниро (Robert De Niro), Катрин Скорсезе (Catherine Scorsese), Чарльз Скорсезе (Charles Scorsese), Леонардо ДиКаприо (Leonardo DiCaprio). Сам же режиссер ставит себя на вершину этого списка. Во всех исследуемых фильмах приняло участие 430 актеров, которые появляются в фильмографии режиссера как минимум два раза. В фильмах Ирландец (2019) (Ориг. The Irishman), Волк с Уолл-стрит (2013) (Ориг. The Wolf of Wall Street), Отступники (2006) (Ориг. The Departed), Славные парни (1990) (Ориг. Goodfellas) и Казино (1995) (Ориг. Casino) снялись наибольшее количество повторяющихся в творчестве режиссера актеров. Также в процессе исследования нами было обнаружено, что режиссер в большинстве своих фильмов предпочитает снимать не только себя, но также и членов своей семьи.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.10.38818

EDN: CXLVXR

Аннотация: Китайская живопись традиционно сочетает субъективные мотивы с объективными вещами, что направлено на выражение утонченного эстетического опыта познания мира. Эстетические концепции садово-паркового искусства и китайской живописи по этой причине во многом согласуются. Дизайн китайского сада на протяжении многих столетий испытывал определенные изменения, но неизменно ориентировался на создание окружения, обеспечивающего идеальные условия для духовного и материального развития человека. Поиск и пути достижения такой цели нашли отражение в сюжетах китайской пейзажной живописи, которые трансформировались в зависимости от художественного наполнения и значения садовых ландшафтов. Целью данной работы является определение зависимости между особенностями формирования садово-парковой среды и образным рядом пейзажной живописи в Китае. Для достижения поставленной цели проводится соотнесение имеющейся информации о садах и парках Китая в виде научных описаний и различных документальных свидетельств, в том числе фотографий садов Пекина начала XX столетия китайского историка искусства Си Юнжэнь, а также современного вида сохранившихся объектов с произведениями китайской пейзажной живописи разных периодов. Иконографический и стилистический анализ позволил выявить наиболее характерные композиции и мотивы, характерные для определенных исторических этапов, а сравнительно-культурологический — взаимосвязи с таким явлением, как садово-парковое искусство, а также принципами его создания.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.1.17058

Аннотация: Статья посвящена раннему периоду творчества режиссера Василия Григорьевича Сахновского в Театре имени В.Ф. Комиссаржевской (1914-1919). Объектом исследования является процесс формирования творческого метода режиссера Сахновского. Стоит выделить несколько предметов исследования, понимаемых в целом в качестве особенностей формирования творческого метода режиссера: влияние теоретической концепции театрального романтизма и сценического творчества Ф.Ф.Комиссаржевского, влияние культурного контекста начала ХХ века на творческий метод режиссера (философия символизма, Вяч.Иванов), дальнейшая рефлексия художника, представленная в теоретических и сценических работах (спектакли "Реквием", "Лулу"). В качестве методов исследования используется контекстуальный, историко-культурологический, сравнительный и театроведческий анализ (реконструкция и анализ спектаклей). Новизна исследования заключается в том, что в нем на основе как недавно опубликованных, так и еще неопубликованных источников впервые предпринята попытка реконструкции истории Театра имени В.Ф.Комиссаржевской, а также впервые проведен систематический анализ особенностей формирования творческого метода режиссера В.Г.Сахновского, находившегося длительное время вне поля зрения отечественных театроведов. На основе проведенного исследования автор пришел к следующим заключениям: теория романтического театра и совместные сценические опыты Ф.Ф.Комиссаржевского и В.Г.Сахновского стали теоретико-философским и практическим фундаментом режиссерского метода Сахновского и определили его дальнейшее развитие; с другой стороны, анализ самостоятельных постановок Сахновского и обстоятельств конфликта с Комиссаржевским выявил недостатки формирующейся режиссерской техники Сахновского.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.1.67440

Аннотация: Статья посвящена раннему периоду творчества режиссера Василия Григорьевича Сахновского в Театре имени В.Ф. Комиссаржевской (1914-1919). Объектом исследования является процесс формирования творческого метода режиссера Сахновского. Стоит выделить несколько предметов исследования, понимаемых в целом в качестве особенностей формирования творческого метода режиссера: влияние теоретической концепции театрального романтизма и сценического творчества Ф.Ф.Комиссаржевского, влияние культурного контекста начала ХХ века на творческий метод режиссера (философия символизма, Вяч.Иванов), дальнейшая рефлексия художника, представленная в теоретических и сценических работах (спектакли "Реквием", "Лулу"). В качестве методов исследования используется контекстуальный, историко-культурологический, сравнительный и театроведческий анализ (реконструкция и анализ спектаклей). Новизна исследования заключается в том, что в нем на основе как недавно опубликованных, так и еще неопубликованных источников впервые предпринята попытка реконструкции истории Театра имени В.Ф.Комиссаржевской, а также впервые проведен систематический анализ особенностей формирования творческого метода режиссера В.Г.Сахновского, находившегося длительное время вне поля зрения отечественных театроведов. На основе проведенного исследования автор пришел к следующим заключениям: теория романтического театра и совместные сценические опыты Ф.Ф.Комиссаржевского и В.Г.Сахновского стали теоретико-философским и практическим фундаментом режиссерского метода Сахновского и определили его дальнейшее развитие; с другой стороны, анализ самостоятельных постановок Сахновского и обстоятельств конфликта с Комиссаржевским выявил недостатки формирующейся режиссерской техники Сахновского.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.6.41022

EDN: JQWLHH

Аннотация: Объектом настоящего исследования является актерская речь в современном театре и кинематографе. Предмет исследования – влияние эстетики экранной речи на театральное слово в XXI веке. Автор подробно исследует феномен "микрофонной речи" в современном драматическом театре, анализирует причины бурной экспансии микрофонного звучания и, в частности, влияние на сценическую речь эстетики постдраматического театра. На многочисленных примерах рассматриваются различные варианты использования микрофонов в драматическом театре – от локальных до радикальных. Особое внимание автор уделяет категории "естественности" в применении к актерской речи в экранных искусствах и на театральных подмостках. Новизна исследования заключается в комплексном изучении феномена "микрофонной речи" в драматическом театре и категории естественности в сценической и экранной речи. Автор делает вывод о подавляющем влиянии кинематографа на современную театральную речь. В статье научно обосновано воздействие на речевое искусство современного театрального актера как эстетики постдраматизма, так и нового стандарта естественности, сложившегося в экранных искусствах и сформировавшего зрительское восприятие. Обратное же влияние сценической речи на эстетику речи в экранных искусствах носит опосредованный характер, реализуясь почти исключительно через театральную школу. В финальной части исследования автор делает вывод о необходимости изменений в речевом воспитании будущих артистов театра и кино.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.4.40598

EDN: QOPAWQ

Аннотация: Одной из иконографических тенденций, которые становятся особенно артикулированными в XII в., является усиление роли типологической логики в выборе и организации сюжетов в рамках иконографической программы памятников декоративно-прикладного искусства, книжной миниатюры и витража. Интерес к подобного рода визуальной экзегезе, основанной на символическом параллелизме Ветхого и Нового Заветов, порождает эксперименты в области иконографических программ, что приводит к появлению в последней четверти XII – начале XIII вв. ряда памятников, в которых использованы развернутые типологические циклы (Клостернойбургский алтарь, типологические витражи французских и английских соборов). Предметом исследования в данной статье является связь описанной иконографической тенденции с текстами богословского, теософского и литургического характера. Несмотря на то, что некоторые из упомянутых текстов уже привлекались исследователями христианской иконографии для интерпретации изобразительных программ, специального исследования источников «типологической иконографии» в XII в. еще не было осуществлено. На основании анализа ряда текстов и иконографического анализа памятников изобразительного искусства предпринимается попытка выделить группу источников, которые могли быть знакомы составителям иконографических программ. Среди памятников изобразительного искусства особенный интерес в XII в. представляют произведения, созданные в рейнско-маасском регионе (а также дериваты этой традиции), в этой группе памятников (включающей процессионные и алтарные кресты, филактерии, переносные алтари, произведения витража и книжной миниатюры) последовательно реализуются поиски в области типологической иконографии.

DOI: 10.7256/2454-0757.2022.10.38978

EDN: CODYDO

Аннотация: История искусства России и Китая тесно переплетается в XX столетии, в том числе благодаря творческой и педагогической деятельности русских художников, оказавшихся в эмиграции. Во многом благодаря им Харбин и Шанхай стали крупными художественными центрами в 1920-е–1930-е годы. Данный период характеризуется плодотворными процессами в искусстве и культуре страны, но и одновременно с ними политическими потрясениями. Проблема исследования заключается в том, чтобы определить особенности восприятия и интерпретации мастерами-эмигрантами событий из жизни китайского народа, той атмосферы, которая царила в Китае. Тем самым, предметом исследования является живопись и графика крупнейших художников-эмигрантов указанного периода, а объектом — образы Китая тех лет, переданные в их произведениях, и средства воплощения замысла.   Главная установка настоящей статьи в том, чтобы определить круг тем и сюжетов, к которым обращались русские художники-эмигранты, создавая образы современного им Китая, а также специфику их художественного воплощения. Она достигается путем анализа историографии данного вопроса в российском искусствоведении, а также анализе творческих работ таких видных представителей художественной интеллигенции в эмиграции, как М.А. Кичигина и его дочери, В.С. Подгурского, Я.Л. Лихоноса, В.А. Асыпкина. Исследование тематической составляющей их произведений показывает то, что мастеров привлекали события из жизни простого народа, а также психологические портреты жителей китайских городов. В художественном плане художники сохраняли приверженность русской школе, но допускали влияние выразительных черт китайской живописи.

DOI: 10.7256/2454-0757.2024.3.70074

EDN: DJDJJY

Аннотация: Статья посвящена анализу влияния древней китайской философии Тайцзи на художественное творчество современных художников Китая. Философия Тайцзи как синтез древних философских идей есть основа ментального влияния на современную культуру. Философское ядро традиционного мировоззрения китайцев с ее упором на простоту и естественность миропорядка сформировало основополагающие принципы Тайцзи. Концепция Инь и Ян подчеркивает двойственную природу изменчивости как баланса противоположных сил развития и дополняется постулатом о диалектичности развития идей генезиса энергии обновления – Ци. Интеллектуальный синтез предполагает обогащение системы идеей о том, что все вещи в мире находятся в движении; целое, состоящее из отдельных элементов, имеет Инь и Ян, а Ци ‒ абсолютная энергия изменений всего сущего, в том числе и человеческой деятельности. Основные принципы философии и этики Тайцзи ‒ естественность изменения, отсутствие применения силы (У-Вэй), изменение как единственная константа в существовании мира и в обеспечении его устойчивости, мягкость ‒ помогают развивать творческую силу обновления. Основным методом исследования является метод ревитализации традиционных философских систем (тайцзи как синтез конфуцианства, даосизма, легизма) на новой интеллектуальной почве европейских философских теорий. Использован метод диахронического анализа проблем китайского общества в период урбанизации, определивших концепции современного китайского неореализма. Влияние философии тайцзи на концептуализацию современного китайского неореалистического искусства проявилось в том, что искусство неореализма перешло от художественных концепций конкретных проблем изменяющегося общества к осмыслению проблемы конфликта между традиционной культурой, философией и современной культурой. Этот философско-культурологический поворот является рецепцией внутренней движущей силы традиционной китайской философии культуры. В результате исследования описано функциональное значение влияния принципов и философских идей Тайцзи на эволюцию неореализма. В статье проанализировано творчество китайских художников-неореалистов Синь Дунвана и Чжэн И. Конфуцианство и даосизм стали двумя направлениями, функционально дополняющими друг друга в концептуализации различий в культурной и социальной средах современного Китая средствами художественной выразительности. Философия тайцзи ‒ эффективная концептуальная система, помогающая снять напряжение и противоречия в современном китайском обществе, культуре, в частной жизни.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.10.54687

EDN: KCXEWF

Аннотация: Предметом данного исследования является процесс вхождения в мир искусства нового объекта – искусства уличной волны. С опорой на метод дискурсивного анализа, предложенный М. Фуко, предпринята попытка определить, через какие дискурсивные высказывания субъекты мира искусства формируют дискурс искусства уличной волны, а также то, как организовано поле высказываний. Субъектом, деятельность которого исследуется, является санкт-петербургский Фонд Inloco, ориентирующийся в своей работе на художников, в чьей творческой карьере присутствует уличный бэкграунд. В статье приведены характеристики того, что в деятельности Фонда можно концептуализировать как высказывание, а также описано, как организуется поле этих высказываний.   В процессе исследования были рассмотрены формы последовательностей, формы сосуществования и процедуры вмешательства. Было выявлено, что опыт уличного творчества представителей искусства уличной волны подвергается модификации под влиянием дискурсивных практик поля современного искусства. Отмечается, что искусство уличной волны существует на стыке двух полей – поля граффити и поля институциализированного искусства. Делается вывод о том, что пограничное положение искусства уличной волны позволяет ему расширять поле современного искусства за счет того, что некогда находилось в поле «неискусства», было извлечено субъектами мира искусства из сферы повседневности и наделено статусом кандидата для оценки.

Аннотация: основным вопросом, рассматриваемым в статье, является вопрос о присутствии в художественном процессе рационального «зерна», элемента и его взаимодействие с чувственной составляющей. Выстраивая структуру художественного процесса от чувственного уровня, автор утверждает необходимость присутствия рационального элемента в искусстве. В конце статьи, автор приходит к выводу, что эти два уровня являются предпосылкой формирования третьего звена художественного процесса — жизненного опыта художника.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.10.68769

EDN: KFOSBP

Аннотация: В пространстве современного китайского искусства особенно актуальны те направления, которые связаны с соединением национальных традиций и современных тенденций арт-мира. С 1980-х гг. в творчестве ряда авторов стал проявляться интерес к приемам работы по шелку, что было характерно для древней и средневековой живописи на свитках, которую позднее выместили более доступные рисунки по бумаге. На современном этапе такая живопись достигла расцвета и высоко ценится на арт-рынке. Наиболее известными мастерами, занимающимися живописью по шелку, считаются Му Илинь и Дун Вэньчжэн. Анализ их творений позволяет увидеть то, как художники открывали для себя выразительные возможности данного материала, в том числе его прозрачность, преломление, цветовую и тоновую насыщенность. Объектом внимания является китайская традиция живописи по шелку, а предметом – особенности ее развития в начале XXI столетия на примере творчества известных художников и варианты учета ими в композициях приемов, образного строя и выразительных средств старых мастеров. Целью статьи является определение основных тем и художественных средств, которыми пользуются современные художники в работах по шелку, а также варианта интеграции в их творчество этнокультурного компонента.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.5.40697

EDN: BPHKHB

Аннотация: В качестве объекта данной статьи авторами была обозначена речевая культура. Предметом исследования является творческий потенциал заслуженной артистки РСФСР Марии Виноградовой в контексте озвучивания советских мультфильмов. Авторы поставили перед собой цель выявить диапазон потенциала речевых возможностей в деле озвучивания мультипликационных персонажей. Методологическую основу статьи составляет контент-анализ, сравнительный, статистический, историко-культурологический анализ советских мультипликационных произведений, а также их персонажей, озвученных Марией Виноградовой. Авторы при рассмотрении проблемы достигают следующих результатов: с 1954 по 1995 годы Мария Сергеевна приняла участие в озвучивании 213 советских мультфильмов. Наиболее плодотворными годами для актрисы с точки зрения озвучивания были 1973, 1974, 1975, 1976 годы. За 40 лет актриса озвучила 109 животных, 87 мальчика, 22 девочки, 14 неопределенных персонажа и 9 неодушевленных предметов. В процессе разработки поставленной проблемы авторы выделяют категории озвучиваемых персонажей (персонажи-мальчики, персонажи-девочки, персонажи-животные, персонажи-предметы, неопределенные персонажи) и проводят анализ творчества актрисы на предмет принадлежности озвучиваемых ею персонажей к этим категориальным элементам. Новизна исследования состоит в нетрадиционности обозначенного подхода, а также в комплексном анализе палитры речевых возможностях Марии Виноградовой. В результате исследования авторы приходят к следующим выводам: 1) Высокий творческий подъем актрисы сформировался в 1970-е годы – в это десятилетие был озвучен 91 советский мультфильм, что от общего числа озвученных мультфильмов составляет 42%. 2) Актерское амплуа-травести Марии Сергеевны подтверждает первое место по количество озвученных персонажей мужского пола – детей и животных. 3) В 15 мультфильмах Мария озвучила нескольких персонажей, а в 2х – всех персонажей, что говорит о широком речевом диапазоне актрисы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.9.43947

EDN: YLLSOG

Аннотация: Предметом исследования данной статьи является влияние, которое оказало русское и советское реалистическое искусство на изобразительное искусство Китая в XX веке. Объектом исследования являются художественные выставки, проходившие между Китаем и Советским Союзом в середине ХХ века. Автор подробно рассматривает такие аспекты темы, как взаимные обмены художественными выставками, осуществлявшиеся между Китаем и Советским Союзом, начиная со времени основания Китайской Народной Республики. Особое внимание уделяется тому, на каком политическом фоне происходила эволюция в искусстве Китая, а также наследию советского реалистического искусства в Китае в политическом контексте и взаимодействию искусства с политикой и государственным строительством. Автор акцентирует внимание на положительном влиянии художественных выставок, проводимых Советским Союзом в Китае, на китайское художественное образование и творчество деятелей искусства. Основными выводами проведенного исследования является то, что различные выставки советского искусства, проходившие в Китае, предоставили китайским деятелям искусства эффективную возможность изучить советские реалистические картины маслом. Появление советского реализма в Китае также послужило важным ориентиром для развития китайской масляной живописи в 1950-х годах. Новизна исследования заключается в том, что автор не просто проанализировал процесс принятия и распространения советского реалистического искусства в Китае, но также рассмотрел начало и прекращение художественного обмена между Китаем и Советским Союзом в сочетании с социальной средой страны и политическим руководством ее лидеров.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.9.43994

EDN: ZZTMZS

Аннотация: Статья посвящена теме детства – одной из главных творческих линий в художественном наследии Владимира Александровича Игошева. Художественное освоение далекой и до того малоизвестной периферии началось с первых графических работ и отдельных этюдов в марте 1954 года, посвященных маленьким обитателям суровой земли, и закончилось проникновенными шедеврами, созданными в последние годы жизни мастера, когда все силы отнимала болезнь. Объект исследования: художественное наследие художника В.А. Игошева. Предмет исследования: своеобразие детской темы "северного цикла" в контексте творчества В.А. Игошева. Цель настоящей статьи – выявить на основании искусствоведческого анализа художественных произведений В.А. Игошева из фондов государственных музеев Югры («Государственный художественный музей», «Музей Природы и Человека») образно-стилистическое своеобразие детской темы в контексте «северного цикла». Основными выводами проведенного исследования являются изменения автором художественных задач, вследствие глубокого творческого погружения в самобытный и органичный мир Севера, образная трактовка детской темы, приобретающей эстетически-автономное значение. На основании искусствоведческого анализа художественных произведений В.А. Игошева из фондов государственных музеев Югры выявлено образно-стилистическое своеобразие детской темы в контексте «северного цикла», обозначена общая эволюция портретного творчества. Автором продемонстрировано, как образная структура произведений обогащалась новыми пластическими приемами, впитывая и самобытно развивая прерванные реалистические традиции рубежа XIX–XX веков (поздний русский импрессионизм, модерн).

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.2.62332

Аннотация: Русский модернизм ХХ в. — явление многоплановое. Традиционный подход к исследованию русского модернизма сформировал позицию, согласно которой модернизм — совершенно новое для российской общественной ситуации явление, пересмотревшее истоки и основы классического искусства и культуры и приведшее к появлению чуждой социокультурной реальности элементов. Но все же модернизм не только характерен таким покушением на классику, он созидал новые культурные формы, которые могли бы на длительное время стать ликом отечественной культуры первой половины двадцатого столетия. Создавая свою метатеорию, модернизм апеллировал к противоречивой общественной ситуации в России начала ушедшего столетия, но при этом ставку делал на искусство, его различные виды. Таким образом, русский модернизм рассматривается в статье не только как философская система, но и метатеория, синтезирующая важнейшие качества культуры в ХХ в.

DOI: 10.7256/2454-0757.2023.9.44082

EDN: ZZYRQZ

Аннотация: В статье представлен анализ деятельности формальных и неформальных художественных объединений в пространстве современного искусства России и Китая. Две страны активно взаимодействуют в сфере искусства, в том числе на институциональном уровне, что актуализирует обращение к работе существующих творческих союзов. Объект внимания в рамках исследования – это современные художественные объединения двух стран, а предмет – соотношение структуры и направлений деятельности официальных и неформальных арт-объединений Китая и России. Целью является анализ особенностей деятельности арт-объединений в условиях современного арт-пространства своих стран. Проводится анализ состояния и направлений развития как официальных структур, так и неформальных арт-групп. Первые и в России, и в Китае, как правило, являются продолжателями традиций прежних структур, но изначальная функция проводника политического курса руководства стран в них осталась на разном уровне, в основном, уменьшившись. Вторые представляют собой сообщества художников, которые объединяются по творческим интересам или вокруг общего для них выставочного пространства, в частности галереи. Причем обе формы успешно существуют в обоих государствах, отражая веяния художественной жизни и в то же время оказывая на нее влияние.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.2.10219

Аннотация: Статья посвящена интеллектуальной биографии и творчеству поэта и экзистенциального мыслителя Бенжамена Фондана, которого русский философ Лев Шестов считал своим учеником. В статье прослеживаются вехи творческой эволюции Фондана: анализируются румынский период его творчества, время сближения с сюрреализмом, этап преобладания шестовских мотивов в творчестве поэта, а также восхищения работами Гастона Башляра. Автор исследует истоки творчества Фондана (боваризм Жюля де Готье, дадаизм, сюрреализм, антропология Люсьена Леви-Брюля, философия Шестова), дает представление об основных трудах поэта-философа - разбирает литературно-критические, философские, драматические и поэтические произведения Фондана, а также рассматривает ключевые темы его работ: мотивы гонения, странствия, ссылки, одиночества и страха, тоски и отчаяния, абсурдности человеческого существования, восстания против несправедливости, противопоставления веры и разума, Иерусалима и Афин. Кроме того, целью исследования является попытка проследить влияние идей Шестова на мировоззрение Фондана, а также оценить вклад, который внесли работы Фондана о Шестове в распространение идей русского философа.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.2.63929

Аннотация: Статья посвящена интеллектуальной биографии и творчеству поэта и экзистенциального мыслителя Бенжамена Фондана, которого русский философ Лев Шестов считал своим учеником. В статье прослеживаются вехи творческой эволюции Фондана: анализируются румынский период его творчества, время сближения с сюрреализмом, этап преобладания шестовских мотивов в творчестве поэта, а также восхищения работами Гастона Башляра. Автор исследует истоки творчества Фондана (боваризм Жюля де Готье, дадаизм, сюрреализм, антропология Люсьена Леви-Брюля, философия Шестова), дает представление об основных трудах поэта-философа - разбирает литературно-критические, философские, драматические и поэтические произведения Фондана, а также рассматривает ключевые темы его работ: мотивы гонения, странствия, ссылки, одиночества и страха, тоски и отчаяния, абсурдности человеческого существования, восстания против несправедливости, противопоставления веры и разума, Иерусалима и Афин. Кроме того, целью исследования является попытка проследить влияние идей Шестова на мировоззрение Фондана, а также оценить вклад, который внесли работы Фондана о Шестове в распространение идей русского философа.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.2.16692

Аннотация: Предметом исследования являются основные философско-эстетические идеи Ю.Ф. Самарина и Н.В. Гоголя. Выявляются характерные для обоих мыслителей пути решения проблемы преодоления границ искусства, являющейся особенно значимой в русской культуре. С точки зрения мыслителей, искусство должно выражать «народное начало» и служить ему: пробуждать созидательные силы, гармонизировать отношения в обществе и пр. Самарин был художественно одарённой личностью, а Гоголь, особенно в конце жизни, тяготел к религиозно-философскому осмыслению мира и человека. Таким образом, анализ различных текстов (писем, статей, художественных произведений) и сопоставление эстетических взглядов философа и писателя вполне обоснованы. Гоголь, согласно Самарину, во всей полноте уловил и передал в своём творчестве основные черты русского национального характера. В частности, неповторимый гоголевский смех является органическим выражением русского народного духа. Делается вывод о том, что взгляды Самарина и Гоголя на искусство и его роль в жизни во многом совпадали. С точки зрения обоих мыслителей, нет общечеловеческого без истинно народного, но смысл русского искусства - в его всемирном призвании.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.2.67512

Аннотация: Предметом исследования являются основные философско-эстетические идеи Ю.Ф. Самарина и Н.В. Гоголя. Выявляются характерные для обоих мыслителей пути решения проблемы преодоления границ искусства, являющейся особенно значимой в русской культуре. С точки зрения мыслителей, искусство должно выражать «народное начало» и служить ему: пробуждать созидательные силы, гармонизировать отношения в обществе и пр. Самарин был художественно одарённой личностью, а Гоголь, особенно в конце жизни, тяготел к религиозно-философскому осмыслению мира и человека. Таким образом, анализ различных текстов (писем, статей, художественных произведений) и сопоставление эстетических взглядов философа и писателя вполне обоснованы. Гоголь, согласно Самарину, во всей полноте уловил и передал в своём творчестве основные черты русского национального характера. В частности, неповторимый гоголевский смех является органическим выражением русского народного духа. Делается вывод о том, что взгляды Самарина и Гоголя на искусство и его роль в жизни во многом совпадали. С точки зрения обоих мыслителей, нет общечеловеческого без истинно народного, но смысл русского искусства - в его всемирном призвании.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.2.10732

Аннотация: Искусство XX в. заметно отличается от размеренной художественной жизни предшествующих столетий. В данной статье речь пойдет о наиболее значимых культурных феноменах, сформировавших облик столетия. Для первой половины XX в. основополагающим художественным жанром бесспорно является сюрреализм. Во-первых, сюрреализм при всем своем радикализме обладает чрезвычайно богатой генеалогией. Во-вторых, сюрреалисты сумели выработать четкую художественную концепцию. И, наконец, в-третьих, именно в идеологии сюрреализма следует искать корни философии постмодернизма, основного течения уже второй половины XX в. В данной работе была предпринята попытка проанализировать основные художественные течения начала XX в. с точки зрения того влияния, которое они оказали на становление сюрреализма. Статья посвящена проблеме генезиса сюрреализма, в ней дана подробная характеристика этого культурного феномена, которая включает в себя разделы по эстетике сюрреализма, его литературно-философским истокам, а также главу, где подробно обосновывается влияние предшествующих художественных концепций на его становление. Несмотря на свою оригинальность, методология сюрреализма являлась творческим переосмыслением предшествовавших художественных концепций и во многом опиралась на их открытия. Кроме того, теоретические воззрения сюрреалистов были основаны на мало совместимых друг с другом литературно-философских источниках, что обусловило разнонаправленность и парадоксальность, изначально присущие сюрреализму.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.2.66252

Аннотация: Искусство XX в. заметно отличается от размеренной художественной жизни предшествующих столетий. В данной статье речь пойдет о наиболее значимых культурных феноменах, сформировавших облик столетия. Для первой половины XX в. основополагающим художественным жанром бесспорно является сюрреализм. Во-первых, сюрреализм при всем своем радикализме обладает чрезвычайно богатой генеалогией. Во-вторых, сюрреалисты сумели выработать четкую художественную концепцию. И, наконец, в-третьих, именно в идеологии сюрреализма следует искать корни философии постмодернизма, основного течения уже второй половины XX в. В данной работе была предпринята попытка проанализировать основные художественные течения начала XX в. с точки зрения того влияния, которое они оказали на становление сюрреализма. Статья посвящена проблеме генезиса сюрреализма, в ней дана подробная характеристика этого культурного феномена, которая включает в себя разделы по эстетике сюрреализма, его литературно-философским истокам, а также главу, где подробно обосновывается влияние предшествующих художественных концепций на его становление. Несмотря на свою оригинальность, методология сюрреализма являлась творческим переосмыслением предшествовавших художественных концепций и во многом опиралась на их открытия. Кроме того, теоретические воззрения сюрреалистов были основаны на мало совместимых друг с другом литературно-философских источниках, что обусловило разнонаправленность и парадоксальность, изначально присущие сюрреализму.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.3.62430

Аннотация: Жанр мюзикла – искусства в основе своей и в первую очередь коммерческого – не отстаёт и естественно вливается сегодня в модное русло вампирной субкультуры. Прекрасный ужас, культивируемый в современном искусстве и моде, теперь постепенно наполняет и жанр мюзикла. «Бал вампиров» Джима Стейнмана, «Суини Тодд, демон-парикмахер с Флит-стрит» Стивена Сондхайма, «Каннибал! Мюзикл» Трея Паркера, Дракулы Фрэнка Уайлдхорна, Кристера Йоханссона, Симона Леклера находятся в этом страшном русле. Мюзиклы о вампирах объединяет нумерологическая символика, сходные музыкально-риторические формулы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.3.17661

Аннотация: Основным предметом данного исследования являются вкусовые суждения в изобразительном искусстве. Ещё несколько столетий назад, немецкий философ И. Кант сформулировал свои знаменитые антиномии вкуса. По мнению автора они остаются актуальными и по сей день. Противоречия между общественными и профессионально-художественными (личными) вкусовыми предпочтениями, автор рассматривает как борьбу двух авторитарных систем: с позиции зрителя (заказчика) и с позиции Автора. Автор данного исследования считает, что абсолютно свободным от какой-либо коньюнктуры художник был на заре становления искусства - в первобытном обществе. Снятие вкусовых противоречий в современной художественной практике, по-мнению автора исследования, возможно посредством "меры условности". Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; диалектический метод; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия. Автор исследования приходит к следующим выводам: 1. Великая догадка И. Канта о социальной подоплёке антиномий, остаётся актуальной проблемой и сегодня. 2. Спустя столетие от начала модернистских экспериментов, в результате синтеза вышеозначенных конструктов, современное изобразительное искусство приходит к мере условности. Понятие «мера условности» является своего рода aurea mediocritas (лат.) – «золотой серединой» и даёт ключ к синтезу вышеозначенных и иных противоположностей. 3. Поскольку предметное наполнение понятия «условность» исторически изменчиво, а современное профессиональное изобразительное искусство оперирует (в большей степени) системой изображения, базирующейся на мере условности (структурной), которая вбирает в себя системы изображения всех исторических эпох, можно (с определённой долей осторожности) констатировать, что данная мера условности является «золотой серединой» не только в технологическом аспекте, но и в историческом. Данное обстоятельство, таким образом, позволяет говорить о том, что система изображения, основанная на мере условности («умеренное абстрагирование», формализация) – является «золотой серединой» всего исторического развития изобразительного искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.3.67735

Аннотация: Основным предметом данного исследования являются вкусовые суждения в изобразительном искусстве. Ещё несколько столетий назад, немецкий философ И. Кант сформулировал свои знаменитые антиномии вкуса. По мнению автора они остаются актуальными и по сей день. Противоречия между общественными и профессионально-художественными (личными) вкусовыми предпочтениями, автор рассматривает как борьбу двух авторитарных систем: с позиции зрителя (заказчика) и с позиции Автора. Автор данного исследования считает, что абсолютно свободным от какой-либо коньюнктуры художник был на заре становления искусства - в первобытном обществе. Снятие вкусовых противоречий в современной художественной практике, по-мнению автора исследования, возможно посредством "меры условности". Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; диалектический метод; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия. Автор исследования приходит к следующим выводам: 1. Великая догадка И. Канта о социальной подоплёке антиномий, остаётся актуальной проблемой и сегодня. 2. Спустя столетие от начала модернистских экспериментов, в результате синтеза вышеозначенных конструктов, современное изобразительное искусство приходит к мере условности. Понятие «мера условности» является своего рода aurea mediocritas (лат.) – «золотой серединой» и даёт ключ к синтезу вышеозначенных и иных противоположностей. 3. Поскольку предметное наполнение понятия «условность» исторически изменчиво, а современное профессиональное изобразительное искусство оперирует (в большей степени) системой изображения, базирующейся на мере условности (структурной), которая вбирает в себя системы изображения всех исторических эпох, можно (с определённой долей осторожности) констатировать, что данная мера условности является «золотой серединой» не только в технологическом аспекте, но и в историческом. Данное обстоятельство, таким образом, позволяет говорить о том, что система изображения, основанная на мере условности («умеренное абстрагирование», формализация) – является «золотой серединой» всего исторического развития изобразительного искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.3.14375

Аннотация: Объектом настоящего исследования является живопись римских раннехристианских катакомб доконстантиновской и ранней константиновской эпохи (III – 1-ая половина IV вв.). Цель работы заключается в выявлении влияния синтаксических связей между раннехристианскими символическими образами на процесс развития их символических смыслов в рамках иконографических схем живописи раннехристианских катакомб. Искусство раннехристианских катакомб обладает большим потенциалом для исследования с точки зрения семиотического анализа. Ограниченное количество символических образов, которые в доконстантиновскую и раннюю константиновскую эпоху были непосредственно связаны с Библией и другими раннехристианскими текстами, позволяет выявить устойчивые композиционные закономерности. Вместе с тем, особенности самого пространства раннехристианских катакомб, связанные, с одной стороны, с относительной композиционной свободой (по сравнению, например, с саркофагами), а с другой – с большим количеством самостоятельных, с точки зрения композиции, изобразительных пространств (кубикулы, аркосолии, локулы), предопределили активное использование синтаксических возможностей смыслообразования. Особенности объекта исследования обусловили выбор семиотического анализа в качестве основного метода исследования. Метод семиотического анализа редко используется российскими историками искусства, а между тем он открывает широкие возможности для исследования художественных символических систем, одной из которых является раннехристианское искусство. Новизна настоящей работы заключается в попытке выявления композиционных особенностей живописи раннехристианских катакомб, влияющих на процессы смыслопорождения, с помощью метода семиотического анализа. Основными выводами проведенного исследования являются: возможности практического применения метода семиотического анализа для изучения способов воплощения в искусстве раннехристианских семантических парадигм; необходимость проведения дополнительных исследований живописи Кубикул таинств в катакомбах Сан Каллисто с целью подтверждения или опровержения гипотезы о разновременном происхождении отдельных сцен; высокая вероятность нехристианского происхождения росписи ниши зоны Аренарио в катакомбах Присциллы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.3.66391

Аннотация: Объектом настоящего исследования является живопись римских раннехристианских катакомб доконстантиновской и ранней константиновской эпохи (III – 1-ая половина IV вв.). Цель работы заключается в выявлении влияния синтаксических связей между раннехристианскими символическими образами на процесс развития их символических смыслов в рамках иконографических схем живописи раннехристианских катакомб. Искусство раннехристианских катакомб обладает большим потенциалом для исследования с точки зрения семиотического анализа. Ограниченное количество символических образов, которые в доконстантиновскую и раннюю константиновскую эпоху были непосредственно связаны с Библией и другими раннехристианскими текстами, позволяет выявить устойчивые композиционные закономерности. Вместе с тем, особенности самого пространства раннехристианских катакомб, связанные, с одной стороны, с относительной композиционной свободой (по сравнению, например, с саркофагами), а с другой – с большим количеством самостоятельных, с точки зрения композиции, изобразительных пространств (кубикулы, аркосолии, локулы), предопределили активное использование синтаксических возможностей смыслообразования. Особенности объекта исследования обусловили выбор семиотического анализа в качестве основного метода исследования. Метод семиотического анализа редко используется российскими историками искусства, а между тем он открывает широкие возможности для исследования художественных символических систем, одной из которых является раннехристианское искусство. Новизна настоящей работы заключается в попытке выявления композиционных особенностей живописи раннехристианских катакомб, влияющих на процессы смыслопорождения, с помощью метода семиотического анализа. Основными выводами проведенного исследования являются: возможности практического применения метода семиотического анализа для изучения способов воплощения в искусстве раннехристианских семантических парадигм; необходимость проведения дополнительных исследований живописи Кубикул таинств в катакомбах Сан Каллисто с целью подтверждения или опровержения гипотезы о разновременном происхождении отдельных сцен; высокая вероятность нехристианского происхождения росписи ниши зоны Аренарио в катакомбах Присциллы.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.4.62653

Аннотация: В статье рассматривается творческий процесс как диалог художника с художественным материалом, когда, выступая в единстве «искусственности», «искусности» и «искуса», художник способен про-изводить из небытия в присутствие произведения искусства. Анализируются качественные характеристики мастерства создателя художественных произведений. Утверждается, что отношение художника и художественного материала представляет собой игровое взаимодействие, необходимое для появления произведений искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.4.14621

Аннотация: Статья представляет собой опыт философского исследования, целью которого является многоуровневое комплексное исследование цветовой гармонии.Основным вопросом, рассматриваемым в статье, является логика цвета в искусстве живописи в онтологическом, гносеологическом и аксиологическом аспектах. Выстраивая свои рассуждения от максимально общих понятий, таких как: структура, иерархия, порядок, автор переходит к рассмотрению узко-специальных вопросов, связанных с цветовой гармонией или логикой цвета в живописи и утверждает необходимость наличия трёх её основных аспектов. Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; логический, исторический, диалектический метод; метод герменевтической редукции; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия. В конце статьи автор приходит к следующим результатам: 1.Онтологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в триединой системе, включающей в себя теорию трёхкомпонентности, вытекающий из последней принцип цветового равновесия, базирующийся, в свою очередь, на трёх основных цветах: синем, красном, жёлтом; 2.Гносеологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в совокупности знаний о цвете или «цветознании»; 3.Аксиологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в контекстуальности замысла Автора, в идее его произведения. В результате, автор делает главный вывод: В творческом процессе, при работе с цветом всё имеет значение: форма пятна, размер пятна, его фактура, интервалы, фон и т.д., так как логика построения цветовой гармонии будет напрямую зависеть от идеи произведения, его ценностно-смыслового субстрата.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.4.67809

Аннотация: Статья представляет собой опыт философского исследования, целью которого является многоуровневое комплексное исследование цветовой гармонии.Основным вопросом, рассматриваемым в статье, является логика цвета в искусстве живописи в онтологическом, гносеологическом и аксиологическом аспектах. Выстраивая свои рассуждения от максимально общих понятий, таких как: структура, иерархия, порядок, автор переходит к рассмотрению узко-специальных вопросов, связанных с цветовой гармонией или логикой цвета в живописи и утверждает необходимость наличия трёх её основных аспектов. Методологической базой исследования является метод структурно-функционального анализа; логический, исторический, диалектический метод; метод герменевтической редукции; метод интеллектуальной спекуляции, а также общенаучные (общелогические) методы: анализ, синтез, индукция, дедукция, аналогия. В конце статьи автор приходит к следующим результатам: 1.Онтологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в триединой системе, включающей в себя теорию трёхкомпонентности, вытекающий из последней принцип цветового равновесия, базирующийся, в свою очередь, на трёх основных цветах: синем, красном, жёлтом; 2.Гносеологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в совокупности знаний о цвете или «цветознании»; 3.Аксиологический аспект логики цвета, по преимуществу, обнаруживается в контекстуальности замысла Автора, в идее его произведения. В результате, автор делает главный вывод: В творческом процессе, при работе с цветом всё имеет значение: форма пятна, размер пятна, его фактура, интервалы, фон и т.д., так как логика построения цветовой гармонии будет напрямую зависеть от идеи произведения, его ценностно-смыслового субстрата.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.4.10770

Аннотация: В статье рассматривается визуальное мышление как аспект синтетического мышления, которое способно преображать и воплощать любые отношения реальности посредством их визуализации в трансформированную чувственность. Исследуются познавательные особенности и функции визуального мышления, позволяющие понять сущность мыслительного процесса в художественном творчестве. Доказывается, что в процессе творчества художник способен с помощью своего визуального мышления и технологических навыков умственного и практического действования преобразить художественный материал, наделенный «первичной» чувственностью, в нечто «вторично» чувственное. Обоснование сущности визуального мышления потребовало эмпирических и теоретических методов исследования взаимосвязанных проблем: тенденций эволюции изобразительного искусства, природы творческого процесса, изобразительного и выразительного аспектов художественного образа. Автор утверждает, что c помощью визуального мышления идея художника воплощается в целостную форму, а продукт творческой активности становится культурной ценностью, а также отмечает актуальность данного исследования, т.к. аудиовизуальная культура становится неотъемлемой частью нашего бытия, и развитие все более высоких уровней визуального мышления способствует рождению емких и богатых содержанием художественных образов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.4.64233

Аннотация: В статье рассматривается визуальное мышление как аспект синтетического мышления, которое способно преображать и воплощать любые отношения реальности посредством их визуализации в трансформированную чувственность. Исследуются познавательные особенности и функции визуального мышления, позволяющие понять сущность мыслительного процесса в художественном творчестве. Доказывается, что в процессе творчества художник способен с помощью своего визуального мышления и технологических навыков умственного и практического действования преобразить художественный материал, наделенный «первичной» чувственностью, в нечто «вторично» чувственное. Обоснование сущности визуального мышления потребовало эмпирических и теоретических методов исследования взаимосвязанных проблем: тенденций эволюции изобразительного искусства, природы творческого процесса, изобразительного и выразительного аспектов художественного образа. Автор утверждает, что c помощью визуального мышления идея художника воплощается в целостную форму, а продукт творческой активности становится культурной ценностью, а также отмечает актуальность данного исследования, т.к. аудиовизуальная культура становится неотъемлемой частью нашего бытия, и развитие все более высоких уровней визуального мышления способствует рождению емких и богатых содержанием художественных образов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.5.15049

Аннотация: Данная статья посвящена исследованию мифопоэтики неоакмеизма в русле его философско-художественной платформы. Мифология рассматривается как онтологическое ядро «семантической поэтики» ренессансного акмеизма, реконструирующее оригинальную философию адептов акмеизма и неоакмеизма, ориентированную на экзистенциализм Н. Бердяева, диалогизм С.Л. Франка и представителей «философии жизни» (Ф. Ницше, В. Дильтей, Г. Зиммель, А. Бергсон), гносеологические, антропологические и историософские идеи Вл. Соловьева. Дается определение неоакмеизма как философско-культурного феномена ХХ века и целостной парадигмы в контексте его мифологии и мифопоэтики, прослеживается его генезис, исторически ориентированный на Античность, диалоги Сократа и Платона, художественная эволюция и границы, «синхронно-реминисцентный хронотоп», что, в свою очередь, подразумевает детальный анализ поэтических текстов акмеизма и неоакмеизма посредством философской герменевтики. Представленная статья является попыткой построения философско-культурной парадигмы неоакмеизма, а также некоторой универсальной методологии герменевтического анализа поэзии в русле синергетического сосуществования философии и филологии (литературоведения) в пространстве единого онтологического дискурса. Самостоятельный статус методологии подразумевает то, что она включает в себя моделирующую мир онтологию. Этот фактор особенно важен для анализа поэтического текста в аспекте его мифологии, художественного времени и пространства, так как творчество акмеистов априори онтологично и посредством мифа создает авторскую миромоделирующую реальность. Фундаментально открытый характер мировоззренческих идей неоакмеизма делает весьма сложной задачу целостной реконструкции творческого наследия и мифологии его адептов. Методология поэтической мифологии подразумевает, что сопоставительный анализ произведений акмеистов и неоакмеистов должен быть дополнен аксиологическим подходом (методом отнесения к ценности – П. Рикёр, М. Вебер). При этом необходимо учитывать, что именно философия располагает методологическим инструментарием, служащим образцом (моделью) решения исследовательских задач литературоведения, и в данном случае успешно применяется к анализу поэтического текста. В методологическом аппарате философии и культурологии необходимо описывать литературу как единый текст, если угодно, единый метатекст. Делается закономерный вывод о том, что индивидуальная авторская мифология и типология культурных «кодов» адептов акмеизма (Н. Гумилева и А. Ахматовой) создает мощное ассоциативное поле, позволяющее рассматривать попадающие в ее орбиту произведения неоакмеизма и мировой литературы в целом как части единого смыслопорождающего механизма философии культуры и ее грандиозного онтологического феномена – «Книги Судьбы» и «Проекта “Акмеизм”». Делается вывод о том, что в акмеистических произведениях разработана и выражена целостная философская система, сопоставимая по своей значимости с концепциями великих творцов философии. Данная система, ядро которой составляет специфическая авторская мифология, становится ценностно-смысловой константой неоакмеизма, обусловливая преемственность и уникальность его развития как целостной исследовательской стратегии, позволяющей вновь и вновь реконструировать неоакмеизм как философско-культурную парадигму в постоянно обновляющемся историческом контексте.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.5.67853

Аннотация: Данная статья посвящена исследованию мифопоэтики неоакмеизма в русле его философско-художественной платформы. Мифология рассматривается как онтологическое ядро «семантической поэтики» ренессансного акмеизма, реконструирующее оригинальную философию адептов акмеизма и неоакмеизма, ориентированную на экзистенциализм Н. Бердяева, диалогизм С.Л. Франка и представителей «философии жизни» (Ф. Ницше, В. Дильтей, Г. Зиммель, А. Бергсон), гносеологические, антропологические и историософские идеи Вл. Соловьева. Дается определение неоакмеизма как философско-культурного феномена ХХ века и целостной парадигмы в контексте его мифологии и мифопоэтики, прослеживается его генезис, исторически ориентированный на Античность, диалоги Сократа и Платона, художественная эволюция и границы, «синхронно-реминисцентный хронотоп», что, в свою очередь, подразумевает детальный анализ поэтических текстов акмеизма и неоакмеизма посредством философской герменевтики. Представленная статья является попыткой построения философско-культурной парадигмы неоакмеизма, а также некоторой универсальной методологии герменевтического анализа поэзии в русле синергетического сосуществования философии и филологии (литературоведения) в пространстве единого онтологического дискурса. Самостоятельный статус методологии подразумевает то, что она включает в себя моделирующую мир онтологию. Этот фактор особенно важен для анализа поэтического текста в аспекте его мифологии, художественного времени и пространства, так как творчество акмеистов априори онтологично и посредством мифа создает авторскую миромоделирующую реальность. Фундаментально открытый характер мировоззренческих идей неоакмеизма делает весьма сложной задачу целостной реконструкции творческого наследия и мифологии его адептов. Методология поэтической мифологии подразумевает, что сопоставительный анализ произведений акмеистов и неоакмеистов должен быть дополнен аксиологическим подходом (методом отнесения к ценности – П. Рикёр, М. Вебер). При этом необходимо учитывать, что именно философия располагает методологическим инструментарием, служащим образцом (моделью) решения исследовательских задач литературоведения, и в данном случае успешно применяется к анализу поэтического текста. В методологическом аппарате философии и культурологии необходимо описывать литературу как единый текст, если угодно, единый метатекст. Делается закономерный вывод о том, что индивидуальная авторская мифология и типология культурных «кодов» адептов акмеизма (Н. Гумилева и А. Ахматовой) создает мощное ассоциативное поле, позволяющее рассматривать попадающие в ее орбиту произведения неоакмеизма и мировой литературы в целом как части единого смыслопорождающего механизма философии культуры и ее грандиозного онтологического феномена – «Книги Судьбы» и «Проекта “Акмеизм”». Делается вывод о том, что в акмеистических произведениях разработана и выражена целостная философская система, сопоставимая по своей значимости с концепциями великих творцов философии. Данная система, ядро которой составляет специфическая авторская мифология, становится ценностно-смысловой константой неоакмеизма, обусловливая преемственность и уникальность его развития как целостной исследовательской стратегии, позволяющей вновь и вновь реконструировать неоакмеизм как философско-культурную парадигму в постоянно обновляющемся историческом контексте.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.5.11891

Аннотация: Статья посвящена особенностям развития архитектуры Финляндии в первой трети ХХ века на примере творчества выдающегося зодчего, од-ного из основателей финской архитектурной школы Ларса Сонка (1870–1956). Целью исследования является изучение творчества Л. Сонка в пе-риод перехода от модерна к неоклассицизму и затем к модернизму (функционализму). Актуальность исследования творчества Л. Сонка обу-словлена слабой изученностью проблем становления модерна, неоклас-сицизма и модернизма в архитектуре Финляндии. Объектом исследования является эволюция творчества Л. Сонка в этот период. Предметом иссле-дования являются архитектурные концепции в архитектуре Финляндии конца XIX – первой трети ХХ века и их практическая реализация в твор-честве Л. Сонка. Методы исследования включают историко-архитектурный, искусствоведческий и сравнительно-стилистический ана-лиз. В результате исследования, автор пришел к выводу, что возврат к осевой симметрии, использование монохромной отделки фасадов сочетались в проектах финского зодчего с использованием элементов национального романтизма рубежа веков. Неоклассицизм Л. Сонка 1910-х го-дов явился промежуточным этапом между национальным романтизмом и модернизмом, доминирующим в архитектуре Финляндии уже в начале 1930-х годов, что явственно прослеживается на примере трех культовых построек Л. Сонка.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.5.64934

Аннотация: Статья посвящена особенностям развития архитектуры Финляндии в первой трети ХХ века на примере творчества выдающегося зодчего, од-ного из основателей финской архитектурной школы Ларса Сонка (1870–1956). Целью исследования является изучение творчества Л. Сонка в пе-риод перехода от модерна к неоклассицизму и затем к модернизму (функционализму). Актуальность исследования творчества Л. Сонка обу-словлена слабой изученностью проблем становления модерна, неоклас-сицизма и модернизма в архитектуре Финляндии. Объектом исследования является эволюция творчества Л. Сонка в этот период. Предметом иссле-дования являются архитектурные концепции в архитектуре Финляндии конца XIX – первой трети ХХ века и их практическая реализация в твор-честве Л. Сонка. Методы исследования включают историко-архитектурный, искусствоведческий и сравнительно-стилистический ана-лиз. В результате исследования, автор пришел к выводу, что возврат к осевой симметрии, использование монохромной отделки фасадов сочетались в проектах финского зодчего с использованием элементов национального романтизма рубежа веков. Неоклассицизм Л. Сонка 1910-х го-дов явился промежуточным этапом между национальным романтизмом и модернизмом, доминирующим в архитектуре Финляндии уже в начале 1930-х годов, что явственно прослеживается на примере трех культовых построек Л. Сонка.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.5.11302

Аннотация: С самого раннего периода развития кино как искусства, музыка и киноизображение были очень близки как в выразительно-смысловом, так и в формально-структурном отношениях. Однако с развитием эстетических приемов, используемых в киноискусстве, фильм уходил все дальше от формальных заимствований в поисках кинематографической специфики своего художественного языка. С появлением авторского кинематографа для теоретиков стала очевидной необходимость более глубокого проникновения в структуру авторского замысла. Данная статья посвящена исследованию более глубоких уровней взаимоотношений форм музыки и фильма. Для этого приводится анализ фильма «Осенняя соната» шведского режиссера Ингмара Бергмана с целью показать единство формы сонаты и кинопроизведения на онтологическом уровне. В статье использован метод сравнительного анализа элементов музыкальной формы и фильмического текста, а также применен герменевтический подход к пониманию и интерпретации художественного произведения. Впервые проведен анализ фильма Ингмара Бергмана "Осенняя соната" с целью выявления не только формальных соответствий фильма музыкальной структуре сонаты, но и для проникновения в более сложный авторский замысел режиссера. Через соотнесение и анализ структурно-семантических музыкальных и кинематографических компонентов художественного текста выявляется их онтологическая общность. Подход, примененный к анализу фильма Бергмана, может быть использован в анализе ряда других кинофильмов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.5.66525

Аннотация: С самого раннего периода развития кино как искусства, музыка и киноизображение были очень близки как в выразительно-смысловом, так и в формально-структурном отношениях. Однако с развитием эстетических приемов, используемых в киноискусстве, фильм уходил все дальше от формальных заимствований в поисках кинематографической специфики своего художественного языка. С появлением авторского кинематографа для теоретиков стала очевидной необходимость более глубокого проникновения в структуру авторского замысла. Данная статья посвящена исследованию более глубоких уровней взаимоотношений форм музыки и фильма. Для этого приводится анализ фильма «Осенняя соната» шведского режиссера Ингмара Бергмана с целью показать единство формы сонаты и кинопроизведения на онтологическом уровне. В статье использован метод сравнительного анализа элементов музыкальной формы и фильмического текста, а также применен герменевтический подход к пониманию и интерпретации художественного произведения. Впервые проведен анализ фильма Ингмара Бергмана "Осенняя соната" с целью выявления не только формальных соответствий фильма музыкальной структуре сонаты, но и для проникновения в более сложный авторский замысел режиссера. Через соотнесение и анализ структурно-семантических музыкальных и кинематографических компонентов художественного текста выявляется их онтологическая общность. Подход, примененный к анализу фильма Бергмана, может быть использован в анализе ряда других кинофильмов.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.6.62766

Аннотация: Восприятие российского мира после октябрьского переворота, передаваемое стихами Осипа Мандельштама, органично дополняется мемуарной социально-философской прозой жены Поэта. Чем стал для страны Октябрь? Что произошло с народом в результате гражданской войны, «военного коммунизма» и коллективизации? Как изменились за двадцать послеоктябрьских лет и в последующие годы большевистская власть и отечественная интеллигенция, не так давно считавшаяся элитой нации? Ответы на эти и иные подобного рода вопросы составляют существо стихотворных текстов Мандельштама. На них же, беспристрастно и глубоко, отвечает та, которую он называл «мое «ты».

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.6.18142

Аннотация: Статья посвящена исследованию основных положений синтетической теории идеального отечественного ученого Д.В. Пивоварова, которая стала методологическим фундаментом инновационного концепта изобразительного искусства. Проанализировав и обобщив концепции А.Ф. Лосева, М.А. Лифшица, Э.В. Ильенкова, Э.Г. Классена и Д.И. Дубровского, Д.В. Пивоваров делает вывод, что эталонный объект, схема действия с ним и экстраполяция знания об эталоне на сверхчувственную реальность – это основные составляющие всякого идеального отношения. Для Д.В. Пивоварова «идеал» есть равновесие внешнего и внутреннего, где внешне (чувственно) «идеал» представлен как «идол», внутренне (сверхчувственно) содержание «идеала» предстает как «идея». По утверждению Пивоварова, культура – это человеческая деятельность по культивированию, возделыванию, взращиванию идеалов, призванных способствовать процессу уютного, комфортного существования каждого человека с собой, другими людьми, предметами первой и второй природы, мирозданием в целом. В работе проведен сравнительный анализ источников, относящихся к предмету исследования, а также критический анализ опубликованных ранее трудов отечественных учёных. Методологические положения Д.В. Пивоварова создали условие для теоретического объяснения элитарного, соборного и индивидуально-эволюционного аспектов утверждения идеала; для исследования закономерностей идеалообразующего процесса в изобразительном искусстве. Автор приходит к выводу, что синтетическая теория идеального, разработанная Д.В. Пивоваровым, помогает освоить необычайно сложный механизм репрезентативного (через идол) отношения зрителя со своей душой, душами других людей, Духом Божиим и Совершенством Полноты Бытия посредством художественного произведения-вещи как знакового комплекса.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.6.67939

Аннотация: Статья посвящена исследованию основных положений синтетической теории идеального отечественного ученого Д.В. Пивоварова, которая стала методологическим фундаментом инновационного концепта изобразительного искусства. Проанализировав и обобщив концепции А.Ф. Лосева, М.А. Лифшица, Э.В. Ильенкова, Э.Г. Классена и Д.И. Дубровского, Д.В. Пивоваров делает вывод, что эталонный объект, схема действия с ним и экстраполяция знания об эталоне на сверхчувственную реальность – это основные составляющие всякого идеального отношения. Для Д.В. Пивоварова «идеал» есть равновесие внешнего и внутреннего, где внешне (чувственно) «идеал» представлен как «идол», внутренне (сверхчувственно) содержание «идеала» предстает как «идея». По утверждению Пивоварова, культура – это человеческая деятельность по культивированию, возделыванию, взращиванию идеалов, призванных способствовать процессу уютного, комфортного существования каждого человека с собой, другими людьми, предметами первой и второй природы, мирозданием в целом. В работе проведен сравнительный анализ источников, относящихся к предмету исследования, а также критический анализ опубликованных ранее трудов отечественных учёных. Методологические положения Д.В. Пивоварова создали условие для теоретического объяснения элитарного, соборного и индивидуально-эволюционного аспектов утверждения идеала; для исследования закономерностей идеалообразующего процесса в изобразительном искусстве. Автор приходит к выводу, что синтетическая теория идеального, разработанная Д.В. Пивоваровым, помогает освоить необычайно сложный механизм репрезентативного (через идол) отношения зрителя со своей душой, душами других людей, Духом Божиим и Совершенством Полноты Бытия посредством художественного произведения-вещи как знакового комплекса.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.6.12105

Аннотация: Плодотворное напряжение между областью поэзии и областью философии, как замечал Х.-Г. Гадамер, существует с момента зарождения европейской философской мысли. При этом для анализа диалектического взаимодействия поэзии и философии интерес представляет не только древнегреческая культура, но не в последней степени – культура Древнего Рима. В Древнем Риме обнаруживаются различные варианты взаимодействия философии и поэзии. Именно эти варианты – теоретическое рассмотрение взаимоотношений философии и поэзии, а также их практическая взаимосвязь в виде выраженной в поэтических формах философии и насыщенной философскими идеями поэзии – являются предметом анализа в данной статье. Применяя герменевтический подход, автор показывает, каким образом особенности древнеримской культуры повлияли на специфику понимания мыслителями Древнего Рима взаимосвязи философии и поэзии. При этом сравнительному анализу подвергаются философские учения Филодема, Цицерона, Сенеки и важнейшие идеи поэзии Лукреция, Вергилия, Горация, Овидия. Статья обосновывает, что утилитарное отношение римлян к философии приводило к акцентированию в ней антропологических, этических, социально-политических идей и требовало поиска максимально доступной для простого римлянина, образной формы их выражения. С другой стороны, и поэзия рассматривалась, в первую очередь, как средство воспитания и образования. В совокупности эти тенденции привели к слиянию философской идеи и поэтической формы в Древнем Риме.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.6.65127

Аннотация: Плодотворное напряжение между областью поэзии и областью философии, как замечал Х.-Г. Гадамер, существует с момента зарождения европейской философской мысли. При этом для анализа диалектического взаимодействия поэзии и философии интерес представляет не только древнегреческая культура, но не в последней степени – культура Древнего Рима. В Древнем Риме обнаруживаются различные варианты взаимодействия философии и поэзии. Именно эти варианты – теоретическое рассмотрение взаимоотношений философии и поэзии, а также их практическая взаимосвязь в виде выраженной в поэтических формах философии и насыщенной философскими идеями поэзии – являются предметом анализа в данной статье. Применяя герменевтический подход, автор показывает, каким образом особенности древнеримской культуры повлияли на специфику понимания мыслителями Древнего Рима взаимосвязи философии и поэзии. При этом сравнительному анализу подвергаются философские учения Филодема, Цицерона, Сенеки и важнейшие идеи поэзии Лукреция, Вергилия, Горация, Овидия. Статья обосновывает, что утилитарное отношение римлян к философии приводило к акцентированию в ней антропологических, этических, социально-политических идей и требовало поиска максимально доступной для простого римлянина, образной формы их выражения. С другой стороны, и поэзия рассматривалась, в первую очередь, как средство воспитания и образования. В совокупности эти тенденции привели к слиянию философской идеи и поэтической формы в Древнем Риме.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.6.11567

Аннотация: Статья посвящена латинскому гимну Te Deum («Амвросианский гимн», IV век), который до сих пор часто избирается композиторами в качестве первоисточника для создания духовно-концертных обработок (на данный момент известно свыше тысячи обработок гимна Te Deum). Несмотря на то, что каждая обработка Te Deum как композиторская интерпретация отличается собственным неповторимым колоритом, выражает особенности авторского стиля и эпохи в целом, жанровые архетипы и жанровые знаки Te Deum являются теми общими чертами, которые объединяют все подобные композиции независимо от времени их создания. Для демонстрации жанровых архетипов и знаков Te Deum на примере обработок, относящихся к разным историческим периодам, были использованы исторический и сравнительный методы, а также методы анализа и синтеза, моделирования, экстраполяции и абстрагирования в процессе формулирования выводов. В статье рассматриваются два жанровых архетипа Te Deum – текстовый и мелодический – и жанровые знаки Te Deum в контексте теории знаков Ч. Пирса – икона, индекс и символ. Архетипичность характерна для многих ведущих жанров церковной музыки, но гимн Te Deum выделяется тем, что его текстовые архетипы сочетают ветхозаветную и новозаветную тематику (в отличие, например, от мессы, которая отсылает только к Новому Завету). Скорее всего, именно это обстоятельство придает уникальность «амвросианскому» гимну: композиторы уже на протяжении семнадцати веков создают все новые и новые его обработки.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.6.66623

Аннотация: Статья посвящена латинскому гимну Te Deum («Амвросианский гимн», IV век), который до сих пор часто избирается композиторами в качестве первоисточника для создания духовно-концертных обработок (на данный момент известно свыше тысячи обработок гимна Te Deum). Несмотря на то, что каждая обработка Te Deum как композиторская интерпретация отличается собственным неповторимым колоритом, выражает особенности авторского стиля и эпохи в целом, жанровые архетипы и жанровые знаки Te Deum являются теми общими чертами, которые объединяют все подобные композиции независимо от времени их создания. Для демонстрации жанровых архетипов и знаков Te Deum на примере обработок, относящихся к разным историческим периодам, были использованы исторический и сравнительный методы, а также методы анализа и синтеза, моделирования, экстраполяции и абстрагирования в процессе формулирования выводов. В статье рассматриваются два жанровых архетипа Te Deum – текстовый и мелодический – и жанровые знаки Te Deum в контексте теории знаков Ч. Пирса – икона, индекс и символ. Архетипичность характерна для многих ведущих жанров церковной музыки, но гимн Te Deum выделяется тем, что его текстовые архетипы сочетают ветхозаветную и новозаветную тематику (в отличие, например, от мессы, которая отсылает только к Новому Завету). Скорее всего, именно это обстоятельство придает уникальность «амвросианскому» гимну: композиторы уже на протяжении семнадцати веков создают все новые и новые его обработки.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.7.12368

Аннотация: Предмет исследования – возможности применения термина «метапоэтика» по отношению к музыкальному искусству, цель – определение наиболее эффективных подходов к разработке метапоэтики музыки на основе анализа современных литературоведческих, музыкально-теоретических и философских концепций. В ходе проведенного исследования показано, что метапоэтика музыки, ориентируясь на соответствующие установки в области литературоведения, обладает спецификой, определяемой невербальным, неизобразительным и процессуальным характером музыки. Специфика эта состоит в более явной, нежели в других искусствах, значимости метатекста - подвижной, открытой системы метаэлементов в самом произведении. Отсюда определяющая роль имплицитного подхода к метапоэтике музыки - необходимость концентрации внимания, прежде всего, на музыкальной форме как разворачивающегося смысла, сопряженного со значительной обобщенностью, абстрагированностью репрезентируемых в музыке образов и событий, которые допускают несравнимую с другими видами искусства многозначность и вариативность. В связи с этим наиболее правомерным, обоснованным и перспективным подходом к метапоэтическим разработкам в области музыки является философия поэзиса как диалектика порождения, становления, или восхождения, дополняемая методом трансрефлексии, или трансференции, который выявляет эмерджентный и транспарентный характер музыкального целого. Указанный подход в наибольшей степени отвечает специфике музыки, не противоречит ни одному из методов, декларируемых в метапоэтических исследованиях, обладает необходимой эвристичностью, этикой взаимонуждаемости и открыт для получения нового знания. Положения и выводы работы могут быть использованы в культурфилософских, эстетических, музыкально-теоретических, культурологических исследованиях, в научно-исследовательской и учебной работе со студентами вузов, магистрантами, аспирантами, молодыми учеными. Основной метод исследования – интегративно-дискурсивный подход, нацеленный на широкий охват различных мнений, на уважительное отношение к авторам, на поиск истины в моментах пересечения множества точек зрения Новизна работы состоит в следующем: 1) объединение различных точек зрения в рамках метапоэтического дискурса позволило выявить специфику метапоэтики музыки и определить наиболее перспективные пути её развития; 2) показано, что отечественные авторы, несмотря на значительное влияние западноевропейских теорий, в частности, взглядов М. Хайдеггера, в своих трудах нередко преодолевают антропоцентрический уклон и в хронотопе музыки как поэзисе со-бытия усматривают важную роль не только «горизонтали», но и «вертикали»; 3) обоснована необходимость и в эксплицитной метапоэтике – литературном наследии композитора и его эпохи – не столько с целью уточнения авторского метода, сколько для определения философских и художественных позиций композитора, позволяющих судить о следовании его идеям, культурным традициям его времени, о степени нуждаемости в них; 4) имлицитный и эксплицитный подходы к метапоэтике музыки с использованием метода трансференции апробируются автором в учебной и научно-исследовательской работе со студентами музыкальных специальностей вуза и молодыми учеными, доказывая свою эффективность. Выводы. Раскрываемые в статье методологический и методический аспекты метапоэтики музыки подтверждают актуальность, теоретическую и практическую значимость проведенного исследования. Однако затронутые в работе вопросы метапоэтики лишь намечают пути, по которым может идти дальнейшее развитие этой интересной и плодотворной области знания.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.7.65296

Аннотация: Предмет исследования – возможности применения термина «метапоэтика» по отношению к музыкальному искусству, цель – определение наиболее эффективных подходов к разработке метапоэтики музыки на основе анализа современных литературоведческих, музыкально-теоретических и философских концепций. В ходе проведенного исследования показано, что метапоэтика музыки, ориентируясь на соответствующие установки в области литературоведения, обладает спецификой, определяемой невербальным, неизобразительным и процессуальным характером музыки. Специфика эта состоит в более явной, нежели в других искусствах, значимости метатекста - подвижной, открытой системы метаэлементов в самом произведении. Отсюда определяющая роль имплицитного подхода к метапоэтике музыки - необходимость концентрации внимания, прежде всего, на музыкальной форме как разворачивающегося смысла, сопряженного со значительной обобщенностью, абстрагированностью репрезентируемых в музыке образов и событий, которые допускают несравнимую с другими видами искусства многозначность и вариативность. В связи с этим наиболее правомерным, обоснованным и перспективным подходом к метапоэтическим разработкам в области музыки является философия поэзиса как диалектика порождения, становления, или восхождения, дополняемая методом трансрефлексии, или трансференции, который выявляет эмерджентный и транспарентный характер музыкального целого. Указанный подход в наибольшей степени отвечает специфике музыки, не противоречит ни одному из методов, декларируемых в метапоэтических исследованиях, обладает необходимой эвристичностью, этикой взаимонуждаемости и открыт для получения нового знания. Положения и выводы работы могут быть использованы в культурфилософских, эстетических, музыкально-теоретических, культурологических исследованиях, в научно-исследовательской и учебной работе со студентами вузов, магистрантами, аспирантами, молодыми учеными. Основной метод исследования – интегративно-дискурсивный подход, нацеленный на широкий охват различных мнений, на уважительное отношение к авторам, на поиск истины в моментах пересечения множества точек зрения Новизна работы состоит в следующем: 1) объединение различных точек зрения в рамках метапоэтического дискурса позволило выявить специфику метапоэтики музыки и определить наиболее перспективные пути её развития; 2) показано, что отечественные авторы, несмотря на значительное влияние западноевропейских теорий, в частности, взглядов М. Хайдеггера, в своих трудах нередко преодолевают антропоцентрический уклон и в хронотопе музыки как поэзисе со-бытия усматривают важную роль не только «горизонтали», но и «вертикали»; 3) обоснована необходимость и в эксплицитной метапоэтике – литературном наследии композитора и его эпохи – не столько с целью уточнения авторского метода, сколько для определения философских и художественных позиций композитора, позволяющих судить о следовании его идеям, культурным традициям его времени, о степени нуждаемости в них; 4) имлицитный и эксплицитный подходы к метапоэтике музыки с использованием метода трансференции апробируются автором в учебной и научно-исследовательской работе со студентами музыкальных специальностей вуза и молодыми учеными, доказывая свою эффективность. Выводы. Раскрываемые в статье методологический и методический аспекты метапоэтики музыки подтверждают актуальность, теоретическую и практическую значимость проведенного исследования. Однако затронутые в работе вопросы метапоэтики лишь намечают пути, по которым может идти дальнейшее развитие этой интересной и плодотворной области знания.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.7.19481

Аннотация: Объектом исследования в статье является придворная живопись эпохи Цин. Предмет исследования – изображения животных и растений в придворной живописи династии Цин. Автор достаточно подробно анализирует с искусствоведческой точки зрения некоторые наиболее интересные в художественном и историческом аспектах картины этого рода. Особое внимание он уделяет демонстрации того, каким образом в них сочетаются европейские и китайские элементы изобразительного искусства, образуя сино-европейский стиль живописи при сохранении древнего китайского символизма образов. Методами исследования являются общенаучные, а также частнонаучные методы и принципы: сравнительный принцип, принципы историзма, системного анализа, анализ и синтез, индукция и дедукция; искусствоведческий и семиотический подходы к анализу произведений изобразительного искусства. Основной вывод – утверждение, что рецепция некоторых приемов западного изобразительного искусства не была простым заимствованием, а сформировала специфический цинский дворцовый стиль в живописи, который органично сочетал в себе китайскую традицию и западные техники. Новизна исследования заключается в доказательстве – на примере нескольких жанров – тезиса о том, что сино-европейский стиль придворной живописи эпохи Цин имеет свои достаточно высокие художественные достоинства и является органичным для истории искусства Поднебесной эстетическим феноменом.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.7.68069

Аннотация: The object of this research is the court painting during the reign of Qing dynasty. The subject of this research is the images of animals and plants in the court painting of Qing dynasty. The author conducts a reasonably detailed analysis of the most interesting in historical and creative aspects paintings from the perspective of art history. Special attention is given to the demonstration of how they combine the European and Chinese elements of graphic arts, form a Sino-European style of painting while preserving the ancient Chinese symbolism of imagery. The main conclusion consists in the statement that the reception of some techniques of the Western pictorial art was not just borrowing; it has established a specific Qing royal style in painting, which seamlessly combined Chinese tradition and Western techniques. The novelty of this study is lies in the thesis that the Sino-European style of court painting of Qing era has its own remarkable artistic merits and is an organic aesthetic phenomenon of the Tianxia (All-Under-Heaven) history of art.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.7.14692

Аннотация: Предметом исследования является процесс создания произведения искусства как игровое взаимодействие художника с художественным материалом. Обращение к этой проблеме - попытка отыскать эффективные методологические средства исследования художественных идей, опредмеченных в произведении изобразительного искусства. Автор рассматривает понятия «отношение» и «игра», определяет онтологический статус игры и отношения как нематериальное бытие; анализирует «искусственность», «искусность», «искус» художника и художественного материала в период их игры-отношения. Утверждается, что игровому взаимодействию художника с художественным материалом свойственен «анимизм» - ритуально-игровое «приписывание» неодушевленным предметам сверхъестественных душевных свойств. Предмет исследования потребовал философского анализа комплекса взаимосвязанных проблем. Среди них - проблема идеального, природа языка, визуальное мышление, смысложизненные фазы мироотношения индивида. Научная новизна исследования связана с тем, что творческий диалог (игра-отношение) художника с материалом искусства рассматривается сквозь призму языкового общения и схемы действий – операций, обусловленных как особенностями материала, так и художнической «искусностью» владения «субъект-языком». Автор приходит к выводу, что овеществленное произведение, будучи плодом отношения художника и художественного материала, в запечатленном виде представляет собой интеграл свойств конечного и бесконечного полюсов взаимодействия. А художник, участвуя в игровом процессе создания идеального отношения с материалом искусства, порождает своей деятельностью новый чувственный мир, который способствует созданию из небытия в присутствие произведений искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.7.66792

Аннотация: Предметом исследования является процесс создания произведения искусства как игровое взаимодействие художника с художественным материалом. Обращение к этой проблеме - попытка отыскать эффективные методологические средства исследования художественных идей, опредмеченных в произведении изобразительного искусства. Автор рассматривает понятия «отношение» и «игра», определяет онтологический статус игры и отношения как нематериальное бытие; анализирует «искусственность», «искусность», «искус» художника и художественного материала в период их игры-отношения. Утверждается, что игровому взаимодействию художника с художественным материалом свойственен «анимизм» - ритуально-игровое «приписывание» неодушевленным предметам сверхъестественных душевных свойств. Предмет исследования потребовал философского анализа комплекса взаимосвязанных проблем. Среди них - проблема идеального, природа языка, визуальное мышление, смысложизненные фазы мироотношения индивида. Научная новизна исследования связана с тем, что творческий диалог (игра-отношение) художника с материалом искусства рассматривается сквозь призму языкового общения и схемы действий – операций, обусловленных как особенностями материала, так и художнической «искусностью» владения «субъект-языком». Автор приходит к выводу, что овеществленное произведение, будучи плодом отношения художника и художественного материала, в запечатленном виде представляет собой интеграл свойств конечного и бесконечного полюсов взаимодействия. А художник, участвуя в игровом процессе создания идеального отношения с материалом искусства, порождает своей деятельностью новый чувственный мир, который способствует созданию из небытия в присутствие произведений искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.8.4873

Аннотация: Статья рассматривает элементы субъективного идеализма в творчестве японского аниме-режиссера Синкая Макото. Рассматривается ряд произведений последнего с последующим вычленением субъективно-идеалистической составляющей. Производится анализ художественной ценности отдельных произведений и творчества С. Макото в целом.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.8.63108

Аннотация: Статья рассматривает элементы субъективного идеализма в творчестве японского аниме-режиссера Синкая Макото. Рассматривается ряд произведений последнего с последующим вычленением субъективно-идеалистической составляющей. Производится анализ художественной ценности отдельных произведений и творчества С. Макото в целом.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.8.12022

Аннотация: Статья представляет собой анализ неовизантийской живописи в связи с философско-религиозным характером эпохи рубежа XIX–XX вв. Основной целью работы является обнаружение параллелей и противоречий в трудах ведущих мыслителей этого периода (В. С. Соловьева, В. И. Иванова, С. Н. Булгакова, П. А. Флоренского, Н. А.Бердяева) и сопоставление этих взглядов с религиозно- национальной направленновтью живописи их современников В. М. Васнецова, М. В. Нестерова, М. А. Врубеля. Предметом исследования является обнаружение причин падения религиозности в обществе на фоне бурного всплеска философско-религиозной мысли и идейно-художественного движения. Метод сравнительного анализа трудов религиозных философов рубежа XIX–XX вв в контексте исследования ими вопросов религиозной живописи рассматривается через призму церковных догматов и выражающих их представителей подлинного исторического христианства. Рассмотрев различные взгляды религиозных философов на суть и предназначение теургического творчества, автором статьи был сделан вывод, что терминологически более оправданным будет если понятие теургии станет рассматриваться в плоскости богословско-философской средневековой идеи синергии. Применительно к художественному творчеству в этой идее равнозначно станут важны как элемент человеческого восхождения, так и элемент Божественного нисхождения; при таком соработничестве с наибольшей ясностью проявляется духовная сущность иконописи, и представляется возможность более универсальной формулировки свободного высокодуховного художественного творчества на все времена.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.8.66938

Аннотация: Статья представляет собой анализ неовизантийской живописи в связи с философско-религиозным характером эпохи рубежа XIX–XX вв. Основной целью работы является обнаружение параллелей и противоречий в трудах ведущих мыслителей этого периода (В. С. Соловьева, В. И. Иванова, С. Н. Булгакова, П. А. Флоренского, Н. А.Бердяева) и сопоставление этих взглядов с религиозно- национальной направленновтью живописи их современников В. М. Васнецова, М. В. Нестерова, М. А. Врубеля. Предметом исследования является обнаружение причин падения религиозности в обществе на фоне бурного всплеска философско-религиозной мысли и идейно-художественного движения. Метод сравнительного анализа трудов религиозных философов рубежа XIX–XX вв в контексте исследования ими вопросов религиозной живописи рассматривается через призму церковных догматов и выражающих их представителей подлинного исторического христианства. Рассмотрев различные взгляды религиозных философов на суть и предназначение теургического творчества, автором статьи был сделан вывод, что терминологически более оправданным будет если понятие теургии станет рассматриваться в плоскости богословско-философской средневековой идеи синергии. Применительно к художественному творчеству в этой идее равнозначно станут важны как элемент человеческого восхождения, так и элемент Божественного нисхождения; при таком соработничестве с наибольшей ясностью проявляется духовная сущность иконописи, и представляется возможность более универсальной формулировки свободного высокодуховного художественного творчества на все времена.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.9.9046

Аннотация: Статья посвящена актуальной проблеме различения статуса правового преступления и нарушений традиционных способов восприятия представителями современного актуального искусства. Для обоснования различия трансгрессии и преступления нами привлечены теория театрализации жизни Николая Евреинова, методологические подходы Мишеля Фуко и понимание соотношения желания и закона у Жиля Делеза и Феликса Гваттари. Основной тезис статьи состоит в том, что искусство не должно имитировать преступление, переступая лишь некие иллюзорные границы, устанавливаемые законом. Потому что закон запрещает нечто большее, чем можно нарушить в таком «преступлении» (Ж. Делез, Ф. Гваттари). Он навязывает понимание желания как чего-то запретного, которое якобы можно удовлетворить только в режиме преступления – нарушения закона. Одновременно власть закона запрещает нам действовать иначе, чем постоянно действует сама – то есть противозаконно. Статья посвящена соответствующему анализу акций современных российских художников 90-х гг.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.9.63156

Аннотация: Статья посвящена актуальной проблеме различения статуса правового преступления и нарушений традиционных способов восприятия представителями современного актуального искусства. Для обоснования различия трансгрессии и преступления нами привлечены теория театрализации жизни Николая Евреинова, методологические подходы Мишеля Фуко и понимание соотношения желания и закона у Жиля Делёза и Феликса Гваттари. Основной тезис статьи состоит в том, что искусство не должно имитировать преступление, переступая лишь некие иллюзорные границы, устанавливаемые законом. Потому что закон запрещает нечто большее, чем можно нарушить в таком «преступлении» (Ж. Делёз, Ф. Гваттари). Он навязывает понимание желания как чего-то запретного, которое якобы можно удовлетворить только в режиме преступления — нарушения закона. Одновременно власть закона запрещает нам действовать иначе, чем постоянно действует сама — то есть противозаконно. Статья посвящена соответствующему анализу акций современных российских художников 90-х гг.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.9.12824

Аннотация: Писатели, сценаристы, кинорежиссёры и создатели компьютерных игр в поисках свежих идей обращаются к новейшим научным концепциям. В этом отношении мультиверсному подходу повезло — он нашёл отражение в большом количестве произведений массовой культуры. Однако в этих произведениях изображаются мультиверсы (мультивселенные) в основном иных типов, чем те, которые используются космологами и физиками. В данной работе исследуется: какие типы мультиверсов и с какой целью изображаются в современной массовой культуре. Вначале из общих философских соображений выделяются два логических типа мультиверсов — истинные мультиверсы и парамультиверсы. Далее применяется сравнительно-типологический метод. На основании структурных сходств и различий выделяются четыре типа истинных мультиверсов — с расходящимися универсами, с путешествиями назад во времени, с параллельными универсами, с фантомными универсами. В основу типологии парамультиверсов предлагается положить типологию пропозициональных установок. Рассматриваются четыре типа парамультиверсов, порождённых, соответственно, иллюзиями, сновидениями, бредом и воображением.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.9.65498

Аннотация: Писатели, сценаристы, кинорежиссёры и создатели компьютерных игр в поисках свежих идей обращаются к новейшим научным концепциям. В этом отношении мультиверсному подходу повезло — он нашёл отражение в большом количестве произведений массовой культуры. Однако в этих произведениях изображаются мультиверсы (мультивселенные) в основном иных типов, чем те, которые используются космологами и физиками. В данной работе исследуется: какие типы мультиверсов и с какой целью изображаются в современной массовой культуре. Вначале из общих философских соображений выделяются два логических типа мультиверсов — истинные мультиверсы и парамультиверсы. Далее применяется сравнительно-типологический метод. На основании структурных сходств и различий выделяются четыре типа истинных мультиверсов — с расходящимися универсами, с путешествиями назад во времени, с параллельными универсами, с фантомными универсами. В основу типологии парамультиверсов предлагается положить типологию пропозициональных установок. Рассматриваются четыре типа парамультиверсов, порождённых, соответственно, иллюзиями, сновидениями, бредом и воображением.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.11.17831

Аннотация: Данная научная статья представляет собой философское исследование понятий пространства и искусства. Экспликацию феномена пространства и его отношения к искусству автор совершает путем истолкования ряда работ Мартина Хайдеггера, но, главным образом, одной из его поздних работ «Искусство и пространство», в которой внимание обращено к искусству скульптуры. В статье автор представляет новый метод толкования данной работы Хайдеггера. При реконструкции идей Хайдеггера выявлен герменевтический круг, который очерчен отсылками к поэтическим высказываниям Гёте. Благодаря движению по этому кругу пространство искусства постигается как пространство творения (место), пространство встречи (область) и пространство бытия. Для ясного усмотрения сущности пространства искусства Хайдеггер проводит пошаговую деструкцию привычного явления до искомого феномена. В исследовании автор следует этому выявленному пути хайдеггеровской мысли. Подлинная сущность пространства открывается в «праязыке» поэзии, мыслимой Хайдеггером как искусство в целом. В слове Хайдеггер соприкасается с самим сущем, ибо в слове выглядывает сущее, оно предстает в нем в своем виде. В слове пространство говорит простирание (Räumen). Хайдеггер подчеркивает событийный характер простирания как сущности пространства. Благодаря раскрытию таких значимых понятий, как например, искусство, пространство, творение, место, истина, исследование обладает теоретической значимостью.

DOI: 10.7256/2454-0757.2016.11.68367

Аннотация: Данная научная статья представляет собой философское исследование понятий пространства и искусства. Экспликацию феномена пространства и его отношения к искусству автор совершает путем истолкования ряда работ Мартина Хайдеггера, но, главным образом, одной из его поздних работ «Искусство и пространство», в которой внимание обращено к искусству скульптуры. В статье автор представляет новый метод толкования данной работы Хайдеггера. При реконструкции идей Хайдеггера выявлен герменевтический круг, который очерчен отсылками к поэтическим высказываниям Гёте. Благодаря движению по этому кругу пространство искусства постигается как пространство творения (место), пространство встречи (область) и пространство бытия. Для ясного усмотрения сущности пространства искусства Хайдеггер проводит пошаговую деструкцию привычного явления до искомого феномена. В исследовании автор следует этому выявленному пути хайдеггеровской мысли. Подлинная сущность пространства открывается в «праязыке» поэзии, мыслимой Хайдеггером как искусство в целом. В слове Хайдеггер соприкасается с самим сущем, ибо в слове выглядывает сущее, оно предстает в нем в своем виде. В слове пространство говорит простирание (Räumen). Хайдеггер подчеркивает событийный характер простирания как сущности пространства. Благодаря раскрытию таких значимых понятий, как например, искусство, пространство, творение, место, истина, исследование обладает теоретической значимостью.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.11.9845

Аннотация: В статье рассматриваются вопросы, связанные с особенностями понятий «культура», «художественная культура», «произведение искусства». Культура определяется как человеческая деятельность по культивированию идеалов; идеалообразование - как процесс сохранения и изменения почитаемых за идеалы образцов воспроизводства общественной жизни и уникальной культуры индивидуального человека. Утверждается, что художественная культура – это подсистема культуры, способная порождать равновесные идеалы. Выделяются и анализируются модели, согласно которым формируются базовые идеалы культуры. Статья раскрывает сущностный характер произведения искусства как центрального звена художественной культуры, определяет понятия «произведение изобразительного искусства», «художественный образ» в контексте исследования актуальных проблем художественного творчества. Произведение изобразительного искусства исследуется как искусственный и искусно произведенный идеал, искус которого направлен на идеальное (репрезентативное) отношение конечного с конечным и конечного с бесконечным. Рассмотрен творческий процесс диалога художника с художественным материалом, взаимодействие произведения изобразительного искусства со зрителем, сформулирован операционный подход к взаимодействию зрителя с произведением изобразительного искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2013.11.63556

Аннотация: В статье рассматриваются вопросы, связанные с особенностями понятий «культура», «художественная культура», «произведение искусства». Культура определяется как человеческая деятельность по культивированию идеалов; идеалообразование - как процесс сохранения и изменения почитаемых за идеалы образцов воспроизводства общественной жизни и уникальной культуры индивидуального человека. Утверждается, что художественная культура – это подсистема культуры, способная порождать равновесные идеалы. Выделяются и анализируются модели, согласно которым формируются базовые идеалы культуры. Статья раскрывает сущностный характер произведения искусства как центрального звена художественной культуры, определяет понятия «произведение изобразительного искусства», «художественный образ» в контексте исследования актуальных проблем художественного творчества. Произведение изобразительного искусства исследуется как искусственный и искусно произведенный идеал, искус которого направлен на идеальное (репрезентативное) отношение конечного с конечным и конечного с бесконечным. Рассмотрен творческий процесс диалога художника с художественным материалом, взаимодействие произведения изобразительного искусства со зрителем, сформулирован операционный подход к взаимодействию зрителя с произведением изобразительного искусства.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.11.10617

Аннотация: Предмет исследования в статье - музыкальные стилизации в кинематографе на примере знаковых российских кинофильмов 1960-х – 1980-х гг. Прослеживается эволюция способов, форм и смыслов применения музыкальных стилизаций на протяжении истории кинематографа в ХХ в. На основе герменевтического понятия игры выявляются особенности стилизаций Дмитрия Шостаковича, Альфреда Шнитке, Сергея Курехина и других кинокомпозиторов, не только характеризующие авторский стиль композитора и режиссерскую концепцию кинофильма, но и отражающие идейно-художественные тенденции своего времени. Исследуются стилизации в контексте аудиовизуального контрапункта, в полисемантической структуре кадра, в эстетике визуального абсурда. Автором применялись: герменевтический метод интерпретации и понимания художественного произведения, историко-культурный подход, метод компаративистского анализа жанров и стилей музыкального искусства и кинематографа. Музыкальные стилизации в кинематографе впервые исследуются на основе герменевтического понятия игры, а также герменевтических понятий эстетического вчувствования, эстетического переживания, интерпретации, понимания, создания теоретической модели художественного произведения. Обосновывается понимание музыкальных стилизаций в кинофильме как игры в игровом пространстве. Делается вывод о наступлении этапа глобализации в мировом художественном процессе, выражающемся в частности в многокультурном характере современных музыкальных стилизаций в кинематографе.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.11.65733

Аннотация: Предмет исследования в статье - музыкальные стилизации в кинематографе на примере знаковых российских кинофильмов 1960-х – 1980-х гг. Прослеживается эволюция способов, форм и смыслов применения музыкальных стилизаций на протяжении истории кинематографа в ХХ в. На основе герменевтического понятия игры выявляются особенности стилизаций Дмитрия Шостаковича, Альфреда Шнитке, Сергея Курехина и других кинокомпозиторов, не только характеризующие авторский стиль композитора и режиссерскую концепцию кинофильма, но и отражающие идейно-художественные тенденции своего времени. Исследуются стилизации в контексте аудиовизуального контрапункта, в полисемантической структуре кадра, в эстетике визуального абсурда. Автором применялись: герменевтический метод интерпретации и понимания художественного произведения, историко-культурный подход, метод компаративистского анализа жанров и стилей музыкального искусства и кинематографа. Музыкальные стилизации в кинематографе впервые исследуются на основе герменевтического понятия игры, а также герменевтических понятий эстетического вчувствования, эстетического переживания, интерпретации, понимания, создания теоретической модели художественного произведения. Обосновывается понимание музыкальных стилизаций в кинофильме как игры в игровом пространстве. Делается вывод о наступлении этапа глобализации в мировом художественном процессе, выражающемся в частности в многокультурном характере современных музыкальных стилизаций в кинематографе.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.12.65977

Аннотация: Предметом исследования является понимание и интерпретация визуального художественного образа. Художественный образ рассматривается как наделенный смысловыми характеристиками, которые изменяются в зависимости от многих условий и культурно-исторических факторов. Показано что смысл одного и того же художественного образа воспринимается по-разному в разных культурах и у разных народов. Рассмотрены такие традиционные символы и знаки, которые наиболее характерны для древнейших цивилизаций (рука, ладонь) и показано, как эволюционировало представление о характере и адресате знака в исторической парадигме. Изменение символического смысла такого рода образов предполагает использование определенных подходов к пониманию феномена изменения смысла. Это влечет за собой использование такой методологии и таких конкретных методов, которые адекватны объекту нашего исследования (художественного образа). Одним из аспектов исследования является соотношение символа и знака, образа и смысла, рассмотрение эпистемологических условий указанного соотношения (треугольник Ричардсона). Исследование опирается на герменевтический подход к анализу смысла художественного образа и при этом сочетает в себе традиционный культурно-исторический анализ с эпистемологическим взглядом на конкретные, исторические сложившиеся образы культуры разных народов. Наряду с этим в статье используется оценка символов с точки зрения конкретного вероучения. Тем самым прослеживается связь между мифологическим и религиозным понимаем тех или иных конкретных образов. Анализируется древнерусская икона, выделяются ее параметры и определяется ее принадлежность к конкретной художественной школе иконописи (Новгородская школа). Рассматривая особенности творчества в сфере искусства, автор приходит к выводу, что объекты культуры, в особенности такие, где обнаруживается множественность смыслов, предполагает участие эпистемологического анализа, применяемого непосредственно к творчеству. Показано, что существует взаимосвязь между символом и художественным образом, между содержанием визуального образа и тем смыслом, который этот образ передает, транслируя как «скрытые» смыслы, так и элементы того знания, которое характерно для данного художника и конкретного исторического времени. Смысловая характеристика художественных образов предполагает участие герменевтического подхода, благодаря которому мы различаем истинный смысл в буквально воспринимаемом сюжете картины (в образе, тексте), обнаруживая то эпистемологическое содержание, которое «скрыто» или слабо проявлено. Автор приходит к выводу, что понимание смысла конкретных образов, знаков, символов, контекстов связано с задачей их интерпретации, что, как раз и создает целостный визуальный образ самого произведения искусства. Поскольку художественное творчество, так или иначе, связано с созданием художественных образов, то и сам художественный образ всегда является носителем определенного смысла (исторического, традиционно-культурного, семантического, мистического, символического и т.д.).

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.12.17293

Аннотация: Предметом исследования является проблема изучения концептуализации искусства в эстетике французского символизма, выявление её объективно-существующих противоречий. Раскрывается эта тема в систематизации и исследовании степени разработанности проблемы в трудах отечественных и зарубежных ученых и практиков в разных сферах научного знания, которые, с одной стороны, взаимодополняют друг друга, а с другой – выявляют особенные специфические ее аспекты. Осуществляется анализ разных подходов к исследованию искусства символизма, а также выявление неразработанных участков данного вопроса на сегодняшний момент времени. Основной метод анализа в исследовании – рестроспективный. Он используется для того, чтобы увидеть и понять логику развития французского символизма, причину его обширного влияния и изучения в разных сферах науки. В работе выявлена многогранность и сложность анализа проблемы в составлении единой концепции искусства французского символизма. Благодаря этому происходит обоснование в необходимости исследования, синтезируя разные научные подходы. Выявив, определив, систематизировав и проанализировав основные труды отечественных и зарубежных ученых, лежащие в сфере научного знания, определяемых темой исследования, проводится и представляется процедура разработки методологической базы исследования в контексте как методологических, методических, так и прогностических оснований. Новизна исследования заключается в том, что в ней представлена причинно-следственная связь актуализации некоторых характерных черт и тем французского символизма в перспективе конца XIX и XX века, а также - комплексность изложения категориального аппарата эстетики французского символизма.

DOI: 10.7256/2454-0757.2015.12.67268

Аннотация: Предметом исследования является проблема изучения концептуализации искусства в эстетике французского символизма, выявление её объективно-существующих противоречий. Раскрывается эта тема в систематизации и исследовании степени разработанности проблемы в трудах отечественных и зарубежных ученых и практиков в разных сферах научного знания, которые, с одной стороны, взаимодополняют друг друга, а с другой – выявляют особенные специфические ее аспекты. Осуществляется анализ разных подходов к исследованию искусства символизма, а также выявление неразработанных участков данного вопроса на сегодняшний момент времени. Основной метод анализа в исследовании – рестроспективный. Он используется для того, чтобы увидеть и понять логику развития французского символизма, причину его обширного влияния и изучения в разных сферах науки. В работе выявлена многогранность и сложность анализа проблемы в составлении единой концепции искусства французского символизма. Благодаря этому происходит обоснование в необходимости исследования, синтезируя разные научные подходы. Выявив, определив, систематизировав и проанализировав основные труды отечественных и зарубежных ученых, лежащие в сфере научного знания, определяемых темой исследования, проводится и представляется процедура разработки методологической базы исследования в контексте как методологических, методических, так и прогностических оснований. Новизна исследования заключается в том, что в ней представлена причинно-следственная связь актуализации некоторых характерных черт и тем французского символизма в перспективе конца XIX и XX века, а также - комплексность изложения категориального аппарата эстетики французского символизма.

DOI: 10.7256/2454-0757.2014.12.11374

Аннотация: Предметом исследования является понимание и интерпретация визуального художественного образа. Художественный образ рассматривается как наделенный смысловыми характеристиками, которые изменяются в зависимости от многих условий и культурно-исторических факторов. Показано что смысл одного и того же художественного образа воспринимается по-разному в разных культурах и у разных народов. Рассмотрены такие традиционные символы и знаки, которые наиболее характерны для древнейших цивилизаций (рука, ладонь) и показано, как эволюционировало представление о характере и адресате знака в исторической парадигме. Изменение символического смысла такого рода образов предполагает использование определенных подходов к пониманию феномена изменения смысла. Это влечет за собой использование такой методологии и таких конкретных методов, которые адекватны объекту нашего исследования (художественного образа). Одним из аспектов исследования является соотношение символа и знака, образа и смысла, рассмотрение эпистемологических условий указанного соотношения (треугольник Ричардсона). Исследование опирается на герменевтический подход к анализу смысла художественного образа и при этом сочетает в себе традиционный культурно-исторический анализ с эпистемологическим взглядом на конкретные, исторические сложившиеся образы культуры разных народов. Наряду с этим в статье используется оценка символов с точки зрения конкретного вероучения. Тем самым прослеживается связь между мифологическим и религиозным понимаем тех или иных конкретных образов. Анализируется древнерусская икона, выделяются ее параметры и определяется ее принадлежность к конкретной художественной школе иконописи (Новгородская школа). Рассматривая особенности творчества в сфере искусства, автор приходит к выводу, что объекты культуры, в особенности такие, где обнаруживается множественность смыслов, предполагает участие эпистемологического анализа, применяемого непосредственно к творчеству. Показано, что существует взаимосвязь между символом и художественным образом, между содержанием визуального образа и тем смыслом, который этот образ передает, транслируя как «скрытые» смыслы, так и элементы того знания, которое характерно для данного художника и конкретного исторического времени. Смысловая характеристика художественных образов предполагает участие герменевтического подхода, благодаря которому мы различаем истинный смысл в буквально воспринимаемом сюжете картины (в образе, тексте), обнаруживая то эпистемологическое содержание, которое «скрыто» или слабо проявлено. Автор приходит к выводу, что понимание смысла конкретных образов, знаков, символов, контекстов связано с задачей их интерпретации, что, как раз и создает целостный визуальный образ самого произведения искусства. Поскольку художественное творчество, так или иначе, связано с созданием художественных образов, то и сам художественный образ всегда является носителем определенного смысла (исторического, традиционно-культурного, семантического, мистического, символического и т.д.).