Аннотация: В статье рассматривается уникальный музыкальный жанр ХХ века – инструментальная композиция со словом, неизученный в искусствоведении как самобытный феномен. При всем многообразии концепций, используемых композиторами в рамках данного жанра, основное его содержание составляют произведения трагические в своей основе. Цель статьи заключается не только в рассмотрении специфики использования литературных текстов в трагических по характеру инструментальных сочинениях, но и в выявлении констант их взаимоотношения с музыкальным материалом, в анализе смыслового присутствия текстов в музыкальном контексте.

Аннотация: Статья представляет собой проблемный разговор об интерпретации драматургии Чехова в современном мировом театре и фестивальной практике последних лет. Она анализирует конкретные спектакли прошедшего в 2010 г. в Москве Международного театрального фестиваля имени Чехова. Автор задается вопросом: а действительно ли показанное в Москве в год юбилея писателя отражает главные тенденции мирового чеховского театра и представляет собой художественно-достойное зрелище. Если это так, то продемонстрированное на фестивале создает обширное поле для полемики - не только в сфере интерпретации данного автора в господствующей режиссерской практике, но и, главное, в области сложившихся в нашей стране принципов театрально-фестивальной политики

Аннотация: В статье анализируются предпосылки античного искусства, а также рациональная составляющая античного искусства, сформулированная Аристотелем в "Поэтике". В качестве предпосылок рассматриваются: с одной стороны, становление античной личности и личностно ориентированных практик,обусловивших формирование античной драмы, живописи и других новых жанров, с другой - формирование античной философии и науки. Более подробно анализируются программы Платона и Аристотеля: вызовы времени, на которые отвечали их произведения, конструирование норм познания,заявленные ими идеалы философии и науки.Автор старается показать, что философское осмысление и нормирование античного искусства в "Поэтике" Аристотеля представляло построение Стагиритом "науки об искусстве". Анализируются особенности такой науки и влияние, которое она оказала на развитие античного и не только античного искусства.

Аннотация: ускоряющийся научно-технический прогресс, стимулирующий социокультурные изменения, радикальным образом влияет на социокультурную атмосферу и картину мира как художников (создателей художественных ценностей), так и на воспринимающую их аудиторию. В этой связи возникает необходимость определить границы между искусством и созданием неких артефактов. Этому и посвящена статья.

Аннотация: Цель работы – анализ организующих принципов, лежащих в основе музыкальной пародии как художественного приема. Задачи – рассмотреть общие механизмы действия пародии, конкретные музыкальные средства, приводящие к ее образованию, а также показать общие функции пародии в музыкальном искусстве. Основной принцип пародии заключается в структурно-семантической инверсии исходного текста, формирующей его перевернутый в смысловом отношении образ. Пародийное переосмысление оригинала обычно происходит за счет параллельного действия внутритекстовых и межтекстовых отношений: определенной взаимной координации элементов текста пародии, а также «сравнения» этого текста с пародируемым оригиналом. При этом конкретное воплощение инверсии может быть связано, во-первых, с определенной имманентной организацией интонационной структуры музыкального текста, во-вторых – с его внемузыкальной смысловой сферой (в музыкально-театральных произведениях, вокальной музыке). На конкретных примерах рассматриваются основные приемы пародии в музыке – деформация и агглютинация. Наконец, отдельно показано положение и функции музыкальной пародии в историко-культурном контексте. В частности, сам принцип пародийной инверсии противопоставляется явлениям идеализации и мифологизации, сопутствующим друг другу в процессе развития культуры. Работа может быть интересна культурологам, искусствоведам, а также всем, интересующимся проблемами эстетики творчества.

Аннотация: В начале ХХ столетия царила творческая атмосфера, сделавшая идею подвижности и неопределенности некогда стабильной и четко фиксированной художественной формы актуальной в разных сферах интеллектуальной деятельности человека. Феномен «открытой формы» художественного произведения изучали Адорно и Эко. Оригинальные методы Малларме, Джойса и других определили один из главных путей развития музыкального искусства второй половины ХХ века, а именно – создание музыкального мобиля и разработку алеаторики, в которых эстетическая концепция Эко получила яркое воплощение. Они широко использовали вышеописанные методы писателя-модерниста в своих музыкальных опусах и ссылались на Джойса как на художника, за которым должна следовать и музыка. Синтаксическая непоследовательность и смысловая разобщенность в сочинениях Джойса вдохновили Кейджа и Берио на создание условий неопределенности сочинения или исполнения, которой они стремились воплотить джойсовскую игру слов и звуков. Открытая форма-лабиринт воспроизведена в нескольких сочинениях Булеза и многих других авторов. Прежде меняющие очертания формы в музыке были редки и связаны с теми или иными обстоятельствами и традициями исполнения произведений. Музыкальные же мобили и алеаторика отвечали характерной для искусства ХХ века тенденции индивидуализации звукового материала и структуры, в каждом исполнении единичной и неповторимой по своему строению и последовательности изложения авторской мысли. Подвижность формы вследствие воздействия случайности не только на сам материал, но и способ его организации, привела к самым далеко идущим последствиям, поскольку мобильность формы означает допуск случайного уже на более высокий, композиционный, уровень, ранее считавшийся неприкосновенным. Открытая форма музыкальных произведений-в-движении способствовала поиску структурных решений и разработке новаторских стратегий формообразования, еще не устоявшихся, не откристаллизовавшихся и не закрепленных в композиторской практике и не ставших определенными типами.

Аннотация: Статья раскрывает специфику образа революционера народника в русской живописи конца 19 - начала. 20 вв., его трансформацию под влиянием происходивших в России исторических событий от интеллигента-разночинца до боевика-пролетария. Основное внимание в работе автор акцентирует на творчестве художников-передвижников И.Е.Репина, его ученика Н.И. Верхотурова, а также Н.А.Касаткина

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.6.29880

Аннотация: Статья посвящена изучению «Поэмы семи сказок» (1901-1926), единственного в творчестве В. М. Васнецова живописного цикла. Целью исследования стало определение и анализ биографического контекста, способного выявить личностный аспект творческого замысла, что особенно важно в условиях практически полного отсутствия архивных документов, связанных с интересующими нас сказочными произведениями. История создания "Поэмы семи сказок" исследуется в контексте мировоззрения художника, его творческой и общественной деятельности первой четверти XX века, предопределивших вектор развития творческого замысла. В качестве методологический базы были выбраны биографический метод и метод реконструкции, позволяющие достигнуть поставленных целей. В статье воссоздана история создания «Поэмы семи сказок» и выявлены этапы работы художника над картинами. Впервые предложена идея о том, что отправной точкой к сложению замысла «Поэмы семи сказок» стало неудачное выступление Васнецова на Всемирной выставке в Париже в 1900 году, побудившее его создать масштабное и истинно национальное произведение. В истории создания "Поэмы семи сказок" выделяются три этапа: картины середины 1910-х годов — «Спящая царевна», «Царевна-Несмеяна» и «Кащей Бессмертный» — посвящены реконструкции древнерусского мира, а также религиозно-философским размышлениям художника; произведения 1917-1918 годов — «Баба-Яга» и «Царевна-Лягушка» — стали своеобразной рефлексией художника на современные события; в заключительных полотнах 1920-х годов — «Ковер-самолет» и «Сивка-бурка» — отразилось мироощущение Васнецова, на закате жизни отрешившегося от тягот и погрузившегося в мир сказочных грез.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.4.32188

Аннотация: Объектом исследования в данной статье является феномен сибирской идентичности через анализ изобразительного искусства сибирских авторов ХХ и XXI веков. Сибирская идентичность в творчестве художников обусловлена во-первых, многонациональностью Сибири, во-вторых богатой историей сибирского региона. Ведущим направлением, в котором, сибирская идентичность проявилась особенно ярко, стало увлечение художников 1980-2000-х годов мотивами "неоархаики" - обращения к древним и традиционным этническим культурам Сибири через призму современного прочтения. Но это не первый опыт обращения искусства к мотивам сибирской этнической архаики, мастера конца XIX - середины XX веков тоже обращались к мотивам искусства коренных сибирских этносов и древних культур, но это выражалось в совершенно иных формах эстетики. Основной метод, применяемый автором статьи – сравнительный анализ художественных произведений сибирских мастеров изобразительного и декоративного искусства на двух этапах его становления (конец XIX - середина XX веков и вторая половина XX - XXI-й века), творчество которых отразило процесс поиска сибирской идентичности. Новизна данного материала заключается в том, что понятие «сибирская идентичность» разрабатывается социологами, философами и культурологами, которые трактуют его в контексте социологических и культурологических построений. Но искусствоведческого анализа этой проблемы не проводилось, хотя через образы изобразительного и декоративно-прикладного искусства наиболее ярко выражается процесс поиска идентичности в современном мире.

DOI: 10.7256/2454-0625.2024.5.70259

EDN: OULVWB

Аннотация: Статья рассматривает эстетические и символические аспекты древнекитайских снежных пейзажей, охватывая период с IV по XX век. В фокусе исследования — живопись гохуа, представляющая классические снежные ландшафты, композиции с птицами и цветами, а также снежные портреты. Проведён глубокий анализ символики и значения элементов, таких как "четыре времени года", "снег", "снежные горы", "три друга холодного времени" и "холодные звери", а также изучены нарративные характеристики снежных пейзажей. Выявлено, что снежные сцены отражают жизненную силу и устойчивость человека, вызывая размышления о жизненных трудностях. Работа подчёркивает, как снежные пейзажи стали средством выражения эмоций, отражая печаль и грусть, но также демонстрируя силу, благополучие, моральность и возвышенность культурных ценностей.  В исследовании используется методология анализа символики и иконологии для изучения эстетики древнекитайских снежных пейзажей. Применяется сравнительный подход к различным эпохам и техникам, включая тушевую живопись и гравюру, для оценки культурных и эмоциональных значений снега в китайском искусстве. Исследование затрагивает редко освещаемую тему в истории искусства — эстетическую и символическую глубину древнекитайских снежных пейзажей, от IV до XX века. Вводя в научный дискурс глубокий анализ изменений восприятия и изображения снега, работа представляет комплексное исследование с использованием иконологии и семиотики для раскрытия скрытых значений в китайской живописи гохуа. Она раскрывает, как художники отразили эмоциональные и философские аспекты жизни через снежные пейзажи, демонстрируя их влияние на культурные представления о природе, человеке и обществе. Новаторство исследования заключается в том, что оно связывает эстетические элементы снега с культурными и историческими изменениями в Китае, показывая их значение для понимания китайской идентичности и эстетического восприятия. Это исследование не только обогащает академическое понимание китайской живописи, но и подчёркивает многослойность символов и метафор в традиционном искусстве, отражая уникальное сочетание природных явлений и культурных значений.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.21616

Аннотация: В качестве объекта исследования выступают произведения М.С. Рукавишникова, созданные в период 1920-1930-х годов. Предметом исследования явилась реализация творческой судьбы мастера в контексте отечественной художественной культуры в указанный период. Особое внимание уделено реакции со стороны критики тех лет на станковое творчество М.С. Рукавишникова, участию созданных мастером работ в различных, в том числе, знаковых для того времени, выставочных проектах, а также тематике выполненных в этот период произведений. Автор не просто рассматривает встраиваемость М.С. Рукавишникова в современный ему художественный процесс, но выявляет степень его востребованности в качестве скульптора-станковиста в период 1920-1930-х годов наряду со знаменитыми современниками. Основными методами исследования явились историографический и источниковедческий методы, необходимые при изучении архивных документов, анализа откликов на творчество М.С. Рукавишникова прессы соответствующего периода, каталогов выставок, справочных изданий; историко-культурный метод, позволяющий проанализировать и выявить место М.С. Рукавишникова в художественной культуре эпохи. Результатом исследования является вывод о том, что М.С. Рукавишникову удалось достаточно ярко и убедительно проявить себя в качестве скульптора-станковиста, заслужив достойную оценку своего творчества в художественных кругах. Новизна исследования определяется тем, что извлекая из небытия многочисленные факты жизни и творчества М.С. Рукавишникова, используя многочисленные архивные данные, публикуемые впервые, мы тем самым раскрываем и дополняем новыми гранями представление об эпохе, выстраивая представление об ее художественном процессе наиболее полноценно.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.68426

Аннотация: В качестве объекта исследования выступают произведения М.С. Рукавишникова, созданные в период 1920-1930-х годов. Предметом исследования явилась реализация творческой судьбы мастера в контексте отечественной художественной культуры в указанный период. Особое внимание уделено реакции со стороны критики тех лет на станковое творчество М.С. Рукавишникова, участию созданных мастером работ в различных, в том числе, знаковых для того времени, выставочных проектах, а также тематике выполненных в этот период произведений. Автор не просто рассматривает встраиваемость М.С. Рукавишникова в современный ему художественный процесс, но выявляет степень его востребованности в качестве скульптора-станковиста в период 1920-1930-х годов наряду со знаменитыми современниками. Основными методами исследования явились историографический и источниковедческий методы, необходимые при изучении архивных документов, анализа откликов на творчество М.С. Рукавишникова прессы соответствующего периода, каталогов выставок, справочных изданий; историко-культурный метод, позволяющий проанализировать и выявить место М.С. Рукавишникова в художественной культуре эпохи. Результатом исследования является вывод о том, что М.С. Рукавишникову удалось достаточно ярко и убедительно проявить себя в качестве скульптора-станковиста, заслужив достойную оценку своего творчества в художественных кругах. Новизна исследования определяется тем, что извлекая из небытия многочисленные факты жизни и творчества М.С. Рукавишникова, используя многочисленные архивные данные, публикуемые впервые, мы тем самым раскрываем и дополняем новыми гранями представление об эпохе, выстраивая представление об ее художественном процессе наиболее полноценно.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.16679

Аннотация: Объектом исследования является живописное произведение В. В. Кандинского «Синий всадник» 1903 г. картон, масло, 55.0 × 65.0 см. Цюрих, частная коллекция. Предметом исследования являются композиционное и цветовое решение картины, иллюстрирующие теорию движения цвета в пространстве В. В. Кандинского. Подробно рассмотрены такие аспекты теории, как взаимосвязь композиционного расположения элементов картины и их цвета. На примере произведения показано, как расположение краскоформ на плоскости картины формируют восприятие зрителя. Приведено соответствующее описание живописных приемов из теории Кандинского. Целью работы было выявить, как неоформленные еще теоретически положения теории движения цвета в пространстве проявились в раннем живописном произведении художника. Методология исследования главным образом основана на философско-искусствоведческом анализе. При анализе применялся семиотико-герменевтический метод интерпретации. Помимо этого, были применены библиографический анализ и контент-анализ. Исследование является единственным русскоязычным анализом произведения В. В. Кандинского «Синий всадник», 1903 г. Новизна исследования заключается в том, что анализ был проведен на основе концепции самого художника, его положений о роли цвета, точки, линии, основных форм и плоскости в живописном произведении. Большое внимание уделяется значению цвета. Стиль раннего творчества Кандинского определен как «цветовой лиризм». Было выявлено, что на раннем этапе Кандинский использует те же соответствия основных форм, линий и цветов, которые позднее описывает в своих теоретических работах. Так, на картине «Синий всадник» определена композиция «холодный покой» благодаря преобладанию горизонталей и сочетанию противоположных цветов в главном персонаже - синего и желтого. Сюжет произведения обозначен как иллюстрация процесса творчества. Художественная идея заключается в обозначении миссии художника, как пророка, предвидящего будущие изменения и создающего новые эстетические идеалы. Произведение «Синий всадник», в итоге, определено, как программное в творчестве В. В. Кандинского, так как показано, что оно содержит подтверждение основным его теоретическим положениям и иллюстрирует его личное отношение к миру и предназначению художника.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.68561

Аннотация: Объектом исследования является живописное произведение В. В. Кандинского «Синий всадник» 1903 г. картон, масло, 55.0 × 65.0 см. Цюрих, частная коллекция. Предметом исследования являются композиционное и цветовое решение картины, иллюстрирующие теорию движения цвета в пространстве В. В. Кандинского. Подробно рассмотрены такие аспекты теории, как взаимосвязь композиционного расположения элементов картины и их цвета. На примере произведения показано, как расположение краскоформ на плоскости картины формируют восприятие зрителя. Приведено соответствующее описание живописных приемов из теории Кандинского. Целью работы было выявить, как неоформленные еще теоретически положения теории движения цвета в пространстве проявились в раннем живописном произведении художника. Методология исследования главным образом основана на философско-искусствоведческом анализе. При анализе применялся семиотико-герменевтический метод интерпретации. Помимо этого, были применены библиографический анализ и контент-анализ. Исследование является единственным русскоязычным анализом произведения В. В. Кандинского «Синий всадник», 1903 г. Новизна исследования заключается в том, что анализ был проведен на основе концепции самого художника, его положений о роли цвета, точки, линии, основных форм и плоскости в живописном произведении. Большое внимание уделяется значению цвета. Стиль раннего творчества Кандинского определен как «цветовой лиризм». Было выявлено, что на раннем этапе Кандинский использует те же соответствия основных форм, линий и цветов, которые позднее описывает в своих теоретических работах. Так, на картине «Синий всадник» определена композиция «холодный покой» благодаря преобладанию горизонталей и сочетанию противоположных цветов в главном персонаже - синего и желтого. Сюжет произведения обозначен как иллюстрация процесса творчества. Художественная идея заключается в обозначении миссии художника, как пророка, предвидящего будущие изменения и создающего новые эстетические идеалы. Произведение «Синий всадник», в итоге, определено, как программное в творчестве В. В. Кандинского, так как показано, что оно содержит подтверждение основным его теоретическим положениям и иллюстрирует его личное отношение к миру и предназначению художника.

DOI: 10.7256/2454-0625.2023.10.44221

EDN: ZKBPJB

Аннотация: Объектом исследования статьи является процесс развития художественного образования китайского города Шанхая начала XX столетия. Предметом исследования стал вклад в культурную жизнь города образовательных учреждений, деятельность которых была направлена на подготовку мастеров в области изобразительного искусства. Целью статьи стало выявление уникального сценария развития художественного образования китайского мегаполиса, в формирование которого были включены творческие традиции не только Поднебесной, но и европейских стран, в том числе России. Для достижения данной цели были использованы научные методы таких дисциплин, как культурология, история, искусствоведение, определивших междисциплинарный характер исследования. В статье особое внимание уделено художественным обществам, деятельность которых в первой четверти XX столетия отличалась особенной активностью и направленностью как на развитие художественного образования, так и проведение творческих экспозиций. Для объективности полученных результатов в исследовании использовались уникальные документы, в том числе архивные источники и ретроспективная литература, что определяет научную новизну работы. Шанхай в первой четверти XX века стал «пионером» в становлении современной системы художественного образования страны. Под влиянием западной культуры творческое образование Шанхая за очень короткий срок претерпело глубокие трансформации, изменив художественную жизнь страны, внеся в нее жанровое, тематическое, технологическое.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.17886

Аннотация: Предмет исследования - стереотипные решения, возникающие в музыкальном тексте. Их конкретные проявления - мелодические и фактурные формулы, внешние отличительные признаки - высокая степень типизированности и низкая вариативность, повторяемость во множестве произведений, устойчивое положение в коллективной памяти. Цель работы – анализ общих механизмов, лежащих в основе формирования и восприятия стереотипов. Задачи – установление основополагающих принципов, обуславливающих их возникновение, выявление общей типологии ситуаций, связанных с их конкретными проявлениями, а также корреляции между ними и историческим контекстом их функционирования. В основе работы лежат традиционные методы теоретического и исторического музыкознания, а также феноменологический, морфологический и историко-типологический подходы. Установлено, что ситуации, связанные с проявлением стереотипов в музыкальном искусстве образуют следующие группы: в структурной плоскости (на уровне грамматики и лексики) и в семантической. Общий механизм восприятия стереотипности/нестереотипности решения основан на принципе следования/нарушения в произведении инерции модели восприятия, сложившейся в коллективной памяти. В работе также показана историческая изменчивость в интерпретации стереотипов в разные периоды, а также их связь с глубинными принципами, лежащими в основе организации музыкального текста.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.68562

Аннотация: Предмет исследования - стереотипные решения, возникающие в музыкальном тексте. Их конкретные проявления - мелодические и фактурные формулы, внешние отличительные признаки - высокая степень типизированности и низкая вариативность, повторяемость во множестве произведений, устойчивое положение в коллективной памяти. Цель работы – анализ общих механизмов, лежащих в основе формирования и восприятия стереотипов. Задачи – установление основополагающих принципов, обуславливающих их возникновение, выявление общей типологии ситуаций, связанных с их конкретными проявлениями, а также корреляции между ними и историческим контекстом их функционирования. В основе работы лежат традиционные методы теоретического и исторического музыкознания, а также феноменологический, морфологический и историко-типологический подходы. Установлено, что ситуации, связанные с проявлением стереотипов в музыкальном искусстве образуют следующие группы: в структурной плоскости (на уровне грамматики и лексики) и в семантической. Общий механизм восприятия стереотипности/нестереотипности решения основан на принципе следования/нарушения в произведении инерции модели восприятия, сложившейся в коллективной памяти. В работе также показана историческая изменчивость в интерпретации стереотипов в разные периоды, а также их связь с глубинными принципами, лежащими в основе организации музыкального текста.

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.2.28825

Аннотация: Предметом исследования в настоящей статье является обобщение существующих представлений о судьбе художественных промыслов в социально-экономических реалиях конца XIX-XX вв. В исследовании ряд промыслов, существовавших ранее, но претерпевших значительные изменения в новых условиях, получили статус «новых». Художественные промыслы представляют собой культурное ядро этнических общностей, позволяют более глубоко осмыслить культуру этих народов, содержат возможность возрождения их культурной идентичности. Все это в контексте стремительно распространяющихся тенденций к культурной унификации приобретает особую актуальность. Методологической основой исследования служит культурологический подход, позволяющий проводить изучение художественных промыслов в междисциплинарном ключе. Кроме этого, представляется перспективными сравнительно-исторический и аналитико-синтетический методы. Научная новизна исследования состоит в том, что развитие художественных промыслов на современном этапе осмыслено как противоречивый процесс, заключающий в себе как деструктивную (унифицирующую) тенденцию, так и противоположный (консолидирующий) тренд. В новых социально-экономических условиях художественные промыслы почти полностью утратили утилитарную составляющую, перейдя в разряд элементов визуальной культуры.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.6.26460

Аннотация: В статье рассматривается концентрирование искусств вокруг литературы, производимое культурной политикой СССР в 1930-х годах. Ключевую роль в этом процессе играла литературная критика. На материале литературы она пыталась выработать универсальные критерии, которые впоследствии могли служить оценке любых искусств. Некоторые авторы пытались отстаивать своеобразие подходов к разным искусствам, но унификация по литературному образцу была более влиятельна. В этом контексте показателен пример кинематографа – молодого и институционально не устоявшегося искусства, еще не выработавшего собственную теоретическую базу. Основной метод работы – компаративный анализ редко изучаемых материалов периодики. Широта привлекаемых данных требовала системного подхода. Новизна исследования заключается в детализации известные культурные процессы сталинского СССР: замыкание любых искусств на литературе и, в то же время, расширение панорамы литературной критики и саморефлексии. Если в 1920-х годах режиссеры активно занимались теорией кино, то в 1930-х годах это осталось прерогативой критиков.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.1.25151

Аннотация: В статье предпринята попытка проанализировать сходства и различия костюмов балета «Красный мак» с традиционными образцами китайской одежды. Объектом исследования стал сценический костюм артистов, исполняющих партии китайцев в балете «Красный мак» в постановках Государственного академического Большого театра России (ГАБТ) в 1927, 1949 и 1957 годах, Государственного академического театра оперы и балета (ГАТОБ) им. Кирова в Ленинграде в 1929, 1949 и 1958 годах и постановке Красноярского государственного театра оперы и балета в 2010 году. На базе собранных материалов, представленных фотографиями артистов балета «Красный мак» исследуемых редакций, был проведен сопоставительный анализ, который и позволил найти параллели между сценическим костюмом балета «Красный мак» и традиционной формой одежды и аксессуаров Китая. Выявлены элементы китайской одежды, которые для создателей балета были основными в передачи образа Китая через сценический костюм китайцев: традиционный запах одежды в правую сторону; стилизация одежды под традиционные ханьфу, ципао, юанлиншань, даопао и т.д.; использование стилизации под вышивку буфан с изображениями традиционных форм и знаков (круг, квадрат, птицы и т.д.); стилизация под украшения головы женщин фацан и мужчин – цан; использование символа дракона как прямое указание на Китай.

DOI: 10.7256/2454-0625.2024.3.70121

EDN: IKUSPS

Аннотация: Статья "Духовная сущность китайского морского пейзажного искусства" исследует эволюцию и специфику морского пейзажа в китайской живописи, в контексте духовной и культурной жизни Китая. Жанр морского пейзажа в китайском искусстве начал формироваться относительно поздно, в конце 20 века, и стал значимым для современной пейзажной живописи. Особое внимание в статье уделяется редкости изображения моря и океана в традиционной китайской живописи, обусловленной философскими и эстетическими основаниями. Анализируются изменения в восприятии морской стихии, которые отражают коренные трансформации в мышлении китайского общества. Исследование охватывает исторический период с конца XX века до начала XXI века, выявляя вклад отдельных авторов и влияние западного искусства на развитие жанра. Представленный анализ демонстрирует, как через изучение морской живописи раскрывается уникальное сочетание традиционной китайской и западной эстетики, формируя новый художественный язык и подход к восприятию природы и морской стихии.  В статье используется комплексный подход, включающий историко-сравнительный анализ, стилистическую интерпретацию, чтобы исследовать эволюцию морского пейзажа в китайской живописи и его духовное и философско-эстетическое содержание. Статья исследует духовную сущность китайского морского пейзажного искусства, описывая его развитие как позднее явление в сравнении с западным искусством и как важный элемент в современной живописи Китая. Особое внимание уделяется переосмыслению традиционных художественных методов и подходов к изображению моря, рассматривая это как свидетельство кардинальных изменений в духовной жизни китайского общества. Статья обсуждает, как морской пейзаж отражает философско-эстетические изменения, особенно в последней трети XX и начале XXI веков. Авторы анализируют работы китайских художников, стремящихся найти уникальные художественные языки, интегрируя традиционные и западные элементы. Новизна исследования заключается в глубоком анализе влияния социокультурных изменений на становление и развитие морского пейзажа в китайской живописи, что позволяет лучше понять уникальность и динамику этого жанра в контексте глобальных художественных и культурных течений.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.3.25918

Аннотация: Предметом исследования являются теоретические взгляды австрийского историка искусств Ханса Зедльмайра об интерпретации произведения искусства. Ключевую роль в его подходе играет идея целого. Произведение искусства, как целое, это не просто система внешних взаимосвязей, формальная структура, а органическое единство, которое можно созерцать как интеллектуально, так и чувственно. Важнейшим качеством целостности является наглядный характер произведения, который Х. Зедльмайр, следуя традициям немецкой классической философии, понимает как единство чувственного и духовного, абстрактного и конкретного, субъективного и объективного. Методом данного исследования является системный подход, позволяющий рассмотреть различные идеи Х. Зедльмайра в их взаимосвязи. Новизна исследования заключается в рассмотрении идей Х. Зедльмайра в контексте идей немецкой классической философии, а не только среди воззрений других представителей Венской школы искусствознания. Данный подход позволяет по новому понять смысл основных категорий, используемых Х. Зедльмайром при анализе произведений искусств, таких как середина и наглядность.

DOI: 10.7256/2454-0625.2023.3.40113

EDN: LQPCLR

Аннотация: Александр Николаевич Волков (1886–1957) является одним из основоположников изобразительного искусства советского Узбекистана. Активно занимаясь преподавательской деятельностью в Ташкенте, он оказал значительное влияние на молодое поколение художников. Состоял в объединении «Мастера нового Востока», возглавлял неформальную группу «Бригада Волкова», решавшую задачи монументальной живописи. В творчестве художника можно проследить влияния символизма и импрессионизма, кубизма и искусства примитива. Данная статья посвящена картине Волкова «Чайхана с портретом В.И. Ленина», написанной в 1928 году и хранящейся в Государственном музее искусств Республики Каракалпакстан имени И.В. Савицкого. Созданное в тот период, когда мастер, по его собственному выражению, вновь обратился к человеку, это произведение соответствовало запросу на оформление нового советского быта, героями которого стали рабочие и дехкане (крестьяне). Однако за односложной, на первый взгляд, трактовкой «Чайханы», скрывается глубокий символизм, благодаря которому созданные художником образы выходят за рамки идеологического высказывания, превращаясь в своего рода мифологему. Новизна исследования заключается в постановке проблемы, связанной с символической трактовкой произведений А.Н. Волкова «соцреалистического» периода. Этот символический пласт в работах художника представляется дополнительным свидетельством его искреннего, а не вынужденного увлечения идеями культурной революции и социалистического строительства в Средней Азии. Кроме того, картины Волкова, относящиеся к концу 1920-х – 1930-м годам, зачастую оказываются в тени его более ранних творческих экспериментов. Цель данного исследования – рассмотреть и проанализировать одно из наиболее показательных произведений художника этого периода, выявить стоящую за «осязаемым дыханием плоти» смысловую многослойность.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.1.30247

Аннотация: Предметом исследования является генезис и эволюция иконографии исторических образов в иллюминации средневековых монастырских карт мира типа mappa mundi. Через данные образы на картах происходила визуальная фиксация процесса священной христианской истории. Отображение священной истории было необходимо для внесения в модель мира, который представляла собой карта типа mappa mundi, временной составляющей. Данный момент был важен в свете представлений о существующей неразрывности мира и его истории, в связи с неизбежностью осуществления относительно него божественного плана. В целях анализа иконографии исторических образов карт, к их конкретным примерам были применены средства формального, иконологического, иконографического и сравнительного анализа. Средневековая иллюминированная карта мира рассматривается как комплексная информационная матрица, а также методологический инструмент ведения историографии священной истории. Роль средневековых карт типа mappa mundi для сложения мировоззренческих представлений эпохи до сих пор остается недостаточно разработанной не только в отечественной, но и в зарубежной науке.

DOI: 10.7256/2454-0625.2023.2.37826

EDN: DJEYQC

Аннотация: В данной статье рассматриваются академические и массовые жанры в творчестве легендарного певца советской эстрады Муслима Магомаева. Предмет изучения – музыкальное творчество М. Магомаева. Цель исследования – роль творческого наследия одаренного певца, а также, понимание ценности его концертной и артистической деятельности, в процессе становления музыкально-художественного пласта второй половины ХХ века, выявление особенностей его музыкального языка. Теоретической базой исследования явились труды М. Магомаева [16, 17, 22, 23], В. И. Антонова, А. Н. Гусейнова, В. В. Дубовского, И. И. Назарова, И. Ф. Соколовой, Н. Надежина, Р. Рамазанова, С. Бэлза и др. Методологическую основу работы составили исследования: М. Арановского [1], Б. Асафьева [2], А. Искандеровой [7], Л. Казанцевой [9], Т. Левой [12], М. Лобановой [13], И. Маевской [18], М. Михайлова [19, 20, 21], Е. Назайкинского [26, 27, 28, 29], С. Скребкова [38], А. Соколова [39], А. Сохор [41, 42, 43], А. Цукер [47, 48], В. Цуккермана [49]; труды по проблемам музыкальной драматургии Ю. Келдыша [10,11], А. Селицуого [36], И. Соллертинского [40], Т. Черновой [50, 51]. Научная новизна исследования определяется тем, что в нем впервые выявлена роль исполнительской интерпретации музыкального наследия М. Магомаева, выявлены стилевые черты исполнителя, музыкальный язык его песен и индивидуальная манера. Выводы данной статьи, могут быть полезны при создании учебно-методической базы для подготовки квалифицированных специалистов в области музыкального искусства. Также, при изучении истории отечественной эстрадной музыки, и при подготовке преподавательских кадров в сфере музыкального образования. Данная проблематика может быть введена в консерваторские дисциплины исторического, теоретического и методического цикла для специальностей: музыковедение, музыкальное искусство, эстрадно-джазовое пение.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.2.29690

Аннотация: Предметом исследования явилось искусство Цай Гоцяна (родился в 1957) — современного китайского художника, живущего и работающего в КНР и США (Нью-Йорк). Объектом исследования выступают сюжетные фейерверки Цая и его новаторская технология «пороховой живописи». Первыми произведениями художника были холсты в технике масляной живописи, но уже в 1980-х он создал принципиально новую «пороховую» технику, которая применялась поначалу в сочетании с маслом на холсте, а с 1990-х — с тушью на бумаге, как версия современной традиционной живописи гохуа. Его творчество эволюционировало от соцреализма к своеобразному варианту современного экспрессионизма, как показала первая в России ретроспективная выставка работ Цай Гоцяна, проходившая в ГМИИ им. А.С. Пушкина («Октябрь», Москва, 2017). Авторы каталога выставки обоснованно отмечают «космополитическую миссию» его искусства, но упускают из виду традиционный контекст. Предложенная ниже методология исследования, сочетающая искусствоведческий и культурологический анализ, позволяет увидеть в творчестве этого выдающегося современного художника вариант массового искусства, сохраняющий ментальную и образную связь с китайской традицией. Научная новизна статьи определяется следующими выводами: искусство Цай Гоцяна обращено к международной зрительской аудитории, однако оно согласуется с традиционной культурной парадигмой благодаря глубоко укоренённой в сознании художника буддийской ментальности; традиционным является и характерное для него стремление к гармонизации социальной среды. Это массовое искусство, обладающее формальной и содержательной новизной, связано как с международным художественным рынком наших дней, так и с рыночной версией «китайского стиля» (шинуазри) XVIII века.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.6.31742

Аннотация: Предметом исследования являются такие художественные практики немецкого дадаистского искусства, как фотография и фотомонтаж. Актуальность данной темы связана не только с увеличением интереса среди искусствоведов, культурологов, историков и литераторов к культуре Веймарской Германии, но и с активным изучением современными исследователями особенностей функционирования разнообразных изобразительных практик, чье появление обусловлено постоянной сменой и взаимной интеграцией различных художественных медиумов, среди которых фотография и основанные на ней фототехники занимают особое место. Методология исследования носит комплексный характер и предполагает единство культурно-аналитического, философско-антропологического и источниковедческого приемов: путем изучения первоисточников, к которым относятся литературные тексты, эссе и манифесты основных представителей немецкого дадаизма, автор приходит к выводу о существенной роли категории «реальное» в идейно-содержательной составляющей рассматриваемого течения, апелляция к которой и обусловила обращение дадаистов к фотомонтажной технике. Итогом исследования является выявление основополагающих философского-методологических и идейно-содержательных аспектов фотомонтажных практик немецких дадаистов. Кроме того, в статье кратко обозначены пути дальнейшего развития дада-фотомонтажа в Веймарской Германии. Результаты данной работы могут послужить отправной точкой для дальнейших исследований дада-искусства, немецкого искусства «нового реализма», представленного в работах художников «новой вещественности» и «магического реализма», а также многих последующих художественных течений ХХ века, для которых свойственно использование фотографических и фотомонтажных техник.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.3.32778

Аннотация: В статье рассмотрены и проанализированы ключевые произведения станковой графики А.П. Остроумовой-Лебедевой из Санкт-Петербургского цикла гравюр созданные в период с 1900-х по 1920-е гг., т. к. в этих работах больше всего прослеживается влияние укиё-э. Предметом исследования является проблема художественного своеобразия творческого языка и средства его выражения в произведениях художницы, поскольку А.П. Остроумова-Лебедева, как и многие русские художники рубежа XIX – XX вв. испытала влияние укиё-э на свое творчество. Но в отличие от большинства из них, она восприняла японскую ксилографию на более глубоком уровне. В связи с этим были рассмотрены работы обозначенного периода и проведен сравнительный анализ с гравюрами японских мастеров, посредством применения формально-стилистического метода. Такой подход является существенным, потому что только так можно понять, какую именно роль сыграли японские гравюры в становлении авторского художественного языка А.П. Остроумовой-Лебедевой. Новизна исследования заключается в том, что это одна из немногих попыток в российском искусствознании дать сравнительный анализ гравюр А.П. Остроумовой-Лебедевой и работ японских мастеров. В результате, можно заключить, что влияние укиё-э прослеживается как в композиционном решении, так и в использовании определенных «японских» мотивов в своих произведениях. Так же художница способствовала становлению гравюры как самостоятельного вида графического искусства, обогатив ее независимыми от живописи образами и цветом, во многом ориентируясь на опыт японских мастеров.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.4.37861

Аннотация: Глобализация – это фактор, который способствует объединению, интеграции национальных культур разных стран мира. Это явление, безусловно, оказывает значительное влияние на ход развития современной живописи. Статья посвящена анализу творчества современных художников с целью выявления особенностей процесса их трансформации в контексте развития глобального искусства. Определяются границы понятий «мировое искусство» и «глобальное искусство». Выявляются характерные черты современной глобальной арт-среды, а также формы их восприятия и интерпретации в творчестве таких художников, как Крис Метце, Дуглас А. Кинси, Клэр Фахи, Катаржина Зволинска, Назафарин Лотфи и Дэниэл Хатчинсон. Новизна исследования заключается в том, что в статье рассматриваются произведения отдельных и наиболее известных художников-живописцев современности в контексте такого явления, как "глобальное искусство". Здесь проводится водораздел между понятием "глобальное искусство" и "мировое искусство", определяются их границы и важнейшие черты. Тем самым, вносится вклад в формирования представлений о глобальных тенденциях художественно-творческой деятельности на примере конкретных живописных произведений. Актуальность и сиюминутность обозначаются как главные особенности глобального искусства, которые сильно сказываются на художественной форме, образном языке и идейном содержании работ в искусстве современной живописи.

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.10.29321

Аннотация: Цель работы – выявить хронологию деятельности мастерской В.Д.Сверчкова и место этого жизненного и творческого этапа в биографии художника, уточнить данные по ассортименту выпускаемой продукции, охарактеризовать способы взаимодействия различных мастеров и роль владельца мастерской в процессе создании витражей, а также определить круг его заказчиков. Статья основана на большом круге источников на русском, немецком и финском языках: архивных и периодических материалах, воспоминаниях о художнике, современных исследованиях российских и зарубежных авторов. Использованы исторический и иконографический методы изучения темы. Статья основана на большом круге источников на русском, немецком и финском языках: архивных и периодических материалах, воспоминаниях о художнике, современных исследованиях. Выявленный круг витражей характеризует их как характерные образцы немецкой школы витражного искусства. Будучи привезёнными в Россию не только в качестве украшения зданий, но и как экспонаты для художественно-промышленных музеев, витражи Сверчкова являлись наглядными пособиями, образцами высочайшего уровня художественного исполнительского мастерства и тем самыми дали толчок для развития искусства витража в России и в Финляндии в 1890—1900-е годы.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.8.23593

Аннотация: Основным предметом исследования является футуризм – одно из знаковых стилистических направлений первой половины ХХ века, сыгравшее важную роль в развитии искусства в целом. Выявляются его основные нормативы, сформулированные в манифестах итальянских и русских футуристов, в частности, – Ф. Маринетти и К. Малевичем. Производится их сопоставление. Главный акцент делается на трактовке футуристических нормативов известным художником Казимиром Малевичем. В качестве объектов анализа избраны его статьи и иллюстративно-декорационный материал к постановке оперы «Победа над солнцем» М. Матюшина. Исследование футуристических исканий Малевича рассматривается в контексте общих идей данного направления, для чего привлечен терминологический и аналитический материал (аппарат) разных видов искусства. Новизна работы заключена в охвате широких явлений, связанных общим понятием футуризма – текстов представителей футуризма, партитур, исследовательской литературы, рассматривающей футуризм как стилистическое направление. Указывается значение Малевича в эстетической трактовке футуризма, его роль в становлении русского футуризма, столь популярного во второй половине ХХ столетия акционизма как феномена культуры.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.9.23713

Аннотация: В статье затрагиваются такие аспекты актуальной на сегодняшний день темы частного художественного заказа как взаимоотношения мастера и заказчика, степень участия владельца в художественном процессе, эволюция частного заказа на протяжении XVIII - первой половины XIX, регулирование государством частного строительства, воспитание художественного вкуса заказчика на протяжении указанного временного отрезка. Все эти важные для истории искусства вопросы рассматриваются на примере деятельности богатого и знатного рода Апраксиных. Объектом исследования стали памятники зодчества и произведения изобразительного искусства, принадлежавшие их семье. Сопоставление с культурным наследием других таких же высокопоставленных династий позволило выявить как характерные признаки частного заказа, так и особенности, отличающие представителей рода Апраксиных от других знатных собирателей произведений искусства. Изучение личности заказчика и его влияния на художественный процесс справедливо и общепризнанно относят к сфере социологии искусства, поэтому основной использованный в статье метод исследования - социологический. Однако приходится обращаться и к реконструкции, и к иконологическому подходу, и к стилистическому анализу произведений. Новизна исследования заключается, в первую очередь, в том, что впервые было собран и обобщен вклад представителей семьи Апраксиных в историю искусства. Многие принадлежавшие им памятники культурного наследия не сохранились, и, реконструированные на основе архивных документов, они впервые вводятся в научный оборот. Аналитическое осмысление собранного материала позволило по-новому взглянуть на уже известные памятники, попытаться понять то содержание, которое вкладывал в них заказчик. В процессе исследования был сделан ряд обобщающих выводов по теме частного заказа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.1.30512

Аннотация: В данной статье рассматривается явление «просвещенных балетоманов» в русской балетной критике (XIX век), характерные особенности, основные черты их критической деятельности. Балетная критика, так же, как и современная ей театральная критика, рекрутировала в свои авторы образованных и литературно одаренных любителей балета. Регулярно наблюдая за балетом, театральные завсегдатаи становились его знатоками, начинали разбираться в танцевальной технике, в содержании балетов, в его слабых и сильных сторонах, могли описать сценическое действие и танец, сформулировать свои впечатления и оценки. Таких знатоков, хорошо к тому же владевших пером, по аналогии с «просвещенными театралами» стали называть «просвещенными балетоманами». Кто-то из них начинал жизнь актером, кто-то журналистом или драматургом, кто-то был военным или государственным деятелем, но, находясь в постоянном контакте с балетным театром, они врастали в профессию рецензентов и обозревателей балета, способствуя становлению профессиональной балетной критики своего времени.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.12.35628

Аннотация: Объект исследования: графический дизайн в стиле деконструктивизм. Предмет исследования: влияние деконструктивизма на шрифтовую графику XXI века. Цель исследования – определить влияние деконструктивизма на шрифтовую графику XXI века. В научной статье рассмотрено понятие «деконструктивизм», исследовано влияние этого феномена на графический дизайн и типографику. Материальную форму идеи деконструктивизма первоначально обрели в архитектуре, в связи с чем были рассмотрены сооружения, авторы которых вдохновились новыми философскими идеями и воплотили их в своих проектах. После знакомства с архитектурными памятниками, были перечислены основные характерные особенности деконструктивистской архитектуры, которая, в свою очередь, повлияла на различные виды дизайна. Проанализировав проектную ситуацию в сфере визуальных коммуникаций были выявлены и описаны отличительные характеристики объектов графического дизайна проектируемых под влиянием направления деконструктивизм. Научная новизна исследования заключается в комплексном анализе влияния деконструктивизма на шрифтовую графику. В результате проведённого исследования обозначены основные стилевые особенности современной шрифтовой графики созданной под влиянием деконструктивизма. Практическая значимость исследования. Материалы и результаты исследования транслируются в сферу графического дизайна и могут быть использованы в подготовке специалистов по графическому дизайну, а также в профессиональной и творческой деятельности дизайнера-графика, типографа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.10.23490

Аннотация: Предметом исследования являются основные проблемные ситуации, с которыми может столкнуться искусствовед, реализующий свою исследовательскую активность в условиях дисциплинарной познавательной ситуации. Специфика рассматриваемых проблем обусловлена как исходным материалом актуальных искусствоведческих исследований, обновление которого связано с трансформацией предметной области искусствоведения, так и со спецификой исследовательской деятельности искусствоведа, которая, балансируя между академизмом и дискурсивностью, порой сама оказывается компонентом исследуемого – в том или ином качестве включается в предметную область искусствоведения. В качестве функционального, но специфического для искусствоведения методологического инструментария используется деятельностный подход, рассматриваемый в традиции методологического движения одним из родоначальников которого являлся Г.П. Щедровицкий. Новизна исследования связана с тем, что в результате проведённой проблематизации чётко обозначаются основные вопросы, от адекватного решения которых зависит не только удовлетворение искусствоведением актуальных познавательных запросов, но и целостность самого искусствоведения как специфической дисциплинарной предметности. В то же время описанные проблемы позволяют сделать вывод о возможности и функциональности их комплексного решения с использованием деятельностного подхода.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.9.27366

Аннотация: Появление «турфановедения» сопровождалось началом исследований и раскопок древних культурных реликвий в каменных пещерах великого Шелкового пути. Раскопки древних культурных ценностей в каменых пещерах Великого Шелкового пути в разные периоды привлекали внимание ученых разных стран , в том числе и России .Международная исследовательская деятельность, в том числе и российских экспедиций, в области изучения археологических находок и документов Турфана, позволила добиться значительных научных результатов. В настоящее время многие культурные ценности Турфана представлены в экспозиции Государственного Эрмитажа. Автор статьи убедительно обосновывает актуальность этой проблематики, показывает, опираясь на конкретный исторический материал, степень участия российской научной общественности (начиная с конца Х1Х века) в раскопках района Турфанской впадины. Многочисленные фото культурных памятников и древних руин Турфана, зарисовки планов целого ряда построек и сооружений, топографическая съемка, настенные рисунки и т.д. – вот далеко неполный перечень результатов научной деятельности российских экспедиций, о которых сообщается в предлагаемом материале. Знаменательно, что эти художественные реликвии сегодня составили часть художественной коллекции Государственного Эрмитажа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.2.19072

Аннотация: Предметом исследования является синестезийный аспект художественного сознания композиторов-романтиков. Детальное изучение автором литературного наследия Р. Шумана, Ф. Шопена, И. Брамса и др. композиторов эпохи романтизма позволил рассмотреть феномен синестезии в историко-культурном контексте. Проанализированы вопросы, связанные с пониманием процессов формирования художественного образа и его интерпретации, в ходе которых актуализируются не только когнитивные способности человека, но и его перцептивно-эмоциональный опыт. Детально рассмотрены вопросы взаимосвязи и взаимообусловленности перцептивных и эмоционально-оценочных характеристик музыкальных произведений. Основой исследования является системный метод, а также метод теоретического обобщения и сравнения. Автором применяются конкретно-междисциплинарный и исторический подходы. В статье выявлены синестезийные основы художественно-эстетического сознания композиторов-романтиков XIX века. На основе анализа эпистолярного и критического наследия композиторов-романтиков определены особенности проявления синестезии в их творческом мышлении. Обосновано значение визуальных, осязательных, вкусовых, кинестетических ощущений в процессах смыслопорождения и образотворчества.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.8.23893

Аннотация: Место и роль живописи периода СССР в истории мирового искусства прошлого века остаются актуальными и малоизученными. Именно они и являются предметом анализа в настоящей статье. Целью исследования выступает необходимость проверить предположение, что катастрофические события начала и середины ХХ века в истории мировой культуры разрушили много систем ценностей, размыли разницу между добром и злом. Поэтому в этот период уделялось меньше внимания разнице между жанрами живописи и не придавался особый статус истории живописи, в том числе и в Советском Союзе. Тем не менее, этот вид изобразительного искусства рассматривался как ресурс, с помощью которого художники хотели продемонстрировать актуальность темы своей работы. Место и роль живописи периода СССР в истории мирового искусства прошлого века остаются актуальными и малоизученными. Именно они и являются предметом анализа в настоящей статье. Целью исследования выступает необходимость проверить предположение, что катастрофические события начала и середины ХХ века в истории мировой культуры разрушили много систем ценностей, размыли разницу между добром и злом. Поэтому в этот период уделялось меньше внимания разнице между жанрами живописи и не придавался особый статус истории живописи, в том числе и в Советском Союзе. Тем не менее, этот вид изобразительного искусства рассматривался как ресурс, с помощью которого художники хотели продемонстрировать актуальность темы своей работы. Новизна статьи заключается в расширении взгляда на художественную культуру ХХ, добиваясь всеобъемлющего обзора мирового искусства и места советской живописи в нем. А также новизна работы заключается в фрагментарном анализе произведений искусства советскими художниками с точки зрения культурных ценностей (культурного релятивизма) не только отечественной критики, но изападноевропейской истории искусства. В выводах подчеркивается тот факт, что социалистический реализм - это стиль реалистического искусства, который был разработан в Советском Союзе и стал доминирующим стилем в этой стране, а также в других социалистических странах. Социалистический реализм характеризуется прославленным изображением коммунистических ценностей, таких как эмансипация пролетариата, посредством реалистических образов. Констатируется, что в мировом искусстве ХХ векаособое место заняло проведение первой выставки, организованной Ленинградским союзом художников, которая состоялась в 1935 году. М. Авилов, И. Бродский, П. Бучкин, Н. Дормидонтов, Р. Френтц, К. Малевич, К. Петров-Водкин иА. Самохвалов стали отцами-основоположниками ленинградской школы, а их работы составили один из самых богатых слоев и основу крупнейших музейных собраний советской живописи 1930-х - 1950-х годов.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.6.35993

EDN: EKSCFP

Аннотация: Предметом исследования является существующая классификация графического искусства анархистской периодики рубежа XIX–XX вв. Объектом исследования служат публикации, посвященные проблеме составления классификации произведений графического искусства анархизма. Это работы Р. и Е. Гербертов, А. Дардел, Л. Литвак, Ж. Годар-Даванта, К. Фергюсон - зарубежных специалистов в области графики анархизма. Отечественных публикаций по данной теме не имеется. Особое внимание автор статьи обращает на сходство в подходах к классификации разных авторов и существующие лакуны в данной области искусствоведения с целью определения дальнейших перспектив исследования рассматриваемой проблематики.   Научная новизна работы заключается в выяснении не систематизированных в российской историографии тенденций классификации, предлагаемых в литературе на английском, французском и испанском языках, на основе которых разрабатывается методологическая база для анализа темы. Методы, использованные в работе, следующие: анализ историографии с целью выявления существующих подходов к изучению графики анархистской периодики; компаративистский анализ, позволяющий сопоставить две основные тенденции (по тематико-иконографическому и образно-тематическому принципу) между собой, найдя дальнейшие перспективы интерпретации и существующие лакуны. Результаты исследования раскрывают существующую традицию классификации, авторы которой продвигают свои методы, препятствуя появлению других подходов и типов классификации, могущих пролить свет не только на образ анархиста, но и на особенности диалога между анархистской графикой и художественным авангардом.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.12.37449

EDN: PNOEPZ

Аннотация: Атрибуция и изучение живописи ставят перед исследователями два важных вопроса: выбора методологии и терминологии, используемой при описании и выделении характеристик произведения искусства. «Визуальные исследования» как комплексный подход к проблемам рецепции и творчества формирует систему устойчивых принципов анализа памятника, ориентированных на изучение видения и комплекса вневербальных аспектов бытования предмета в историко-культурном пространстве. Анализ живописи предполагает комплексный подход, основанный на изучении техники и материала, особенностей формообразования и средств художественной выразительности, иконографии и семантики, творческого метода мастера и реакции потребителя, роли в контексте культуры повседневности и принципов рецепции в синхронном и диахронном срезе. В 19 веке итальянский искусствовед Джованни Морелли внес значительный вклад в теорию и практику живописи выдающихся мастеров эпохи Возрождения. Методы, основанные на глубоких знаниях в области анатомии человека и анализе профессионального мастерства художника, повлияли не только на историю искусства, но и на развитие криминалистики, криминалистики, психоаналитической теории и психотерапевтической практики. В данной статье анализируется метод Джованни Морелли, который приспособлен не только под нужды атрибуции, но применим и к криминалистическим задачам, требующими анализа человеческих навыков и привычек, а также идентификации или атрибутирования произведений искусства.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.7.22314

Аннотация: В настоящей работе анализируются свойства образной модели интерпретации исторической реальности. История, исторический факт, историческая реальность в рамках данной модели воспринимается как динамическое единство событий прошлого и настоящего. Таким образом, появляется понятие исторического опыта, в том числе и личного исторического опыта. События прошлого в образной модели интерпретации исторической реальности не абстрактны, но наделены национальным и историческим (временным) содержанием. Следствием этого можно считать возможность исследования специфики конкретного исторического материала в новом аспекте – в создании достоверных и наглядных образов прошлого. Методология исследования строится на генетическом подходе к осмыслению концепта «историческая реальность». Рассматривается историческая последовательность эволюции научных представлений о природе исторической реальности, предопределяющая культурологические интерпретации феноменов культуры. Основной вывод проведенного исследования – подтверждение гипотезы о двойном смысле концепта «историческая реальность», включающем знание и понимание прошлого, с одной стороны, и непрерывное созидание настоящего – с другой. Историческая реальность в рамках образной модели интерпретации рассматривается как сформированная знаково-символическая система , обладающая статусом "реальности" только в процессе познания и понимания настоящего. Анализ образной модели истории не менее важен, чем другие научные подходы и методы.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.7.36139

EDN: AEZRGC

Аннотация: Предметом исследования в статье является творчество американского композитора Джон Милтона Кейджа (1912-1992), который считается одним из самых известных и влиятельных авангардистских музыкантов ХХ века. Идеи композитора о звуке, «открытой форме музыки», «случайных операциях», «расширенных» музыкальных инструментах и мн. др. были разработаны в сложных технических, дискурсивных, институциональных, культурных и политических условиях жизни в США, постоянно изменяющихся в процессе его долгой и продуктивной карьеры. В статье в философско-эстетическом ключе анализируется «художественно-теоретическое» наследие композитора Джона Кейджа и показывается, каким образом его творчество проблематизировало художественные изобретения в музыке, размыв границы между художественными выразительными формами, а его наследие стало не только междисциплинарным, но и трансдисциплинарным, вследствие чего музыкальные эксперименты композитора нашли свое отражение в творчестве таких американских художников, как Билл Чайлдс, Фриц Райнер, Дэвид Тюдор, Кристиан Вольф, Мортон Фельдман, Эрл Браун, Ла Монте Янг, Полина Оливерос, Корнелиус Кардью и др. Научная новизна статьи состоит в том, что автор предпринимает попытку осмысления творческого пути композитора, как одного из радикальных новаторов в музыке, музыкальные новации которого в течение 50-х, 60-х гг. ХХ в. привели к парадигматическим изменениям во всех областях американского искусства. Кейдж фундаментально перестроил представления о том, чем была и чем может быть музыка, став со временем одним из самых влиятельных авангардных композиторов своего времени, в значительной степени предопределившим тенденции движения американской музыкальной культуры ХХ в. Экспериментальное новаторство Кейджа, способность композитора уловить дух времени и предвосхищение многих творческих идей, связанных с природой звука, сделали его произведения неотъемлемой частью мировой культуры, важной вехой в современном развитии музыки

DOI: 10.7256/2454-0625.2023.7.43628

EDN: TJPOKT

Аннотация: В статье рассматриваются особенности изображения темы семьи в ксилографии Китая и СССР 1930–1950-х гг. Предметом исследования являются советские и китайские произведения ксилографии 1930–1950-х гг. В фокусе находится анализ процессов взаимодействия и взаимовлияния графического искусства двух стран, особое внимание уделяется изучению выразительных средств и приемов, используемых художниками для передачи образов людей в рамках темы семьи. Выявляются причины обращения мастеров гравюры рассматриваемого времени к теме семьи, воплощения в произведениях вечных общечеловеческих ценностей, что стало общей чертой и тенденцией графического искусства двух стран в середине ХХ века. Научная новизна заключается во введении в научный оборот и анализе произведений ксилографии России и Китая, выявлении общих и различных черт в тематике китайской ксилографии и советской гравюры 1930–1950-х гг. В ходе исследования показано и обосновано значительное влияние советского реалистического искусства на творчество китайских мастеров, выявлены закономерности развития искусства ксилографии Китая в рассматриваемый период. В заключении отмечено постепенное обращение китайских художников к собственному национальному наследию и усиление национальной идентичности китайского искусства в середине ХХ века, выявлены причины данных процессов в художественной жизни страны.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.9.24071

Аннотация: Предметом исследования является трюковое исполнительское мастерство, которое становится составной частью языка киноискусства. В дозвуковом кино четко прослеживается этапность начального внедрения, адаптации и становления трюка, средствами кинематографа трансформированного в кинотрюк. Комбинация актерского мастерства, операторского и монтажного искусства сделали кинотрюк самой эффектной частью киноязыка. В начале своего творческого пути, являясь одной из составных частей пластической партитуры роли киноперсонажа, трюковое исполнительское мастерство наполняет сюжетно-действенную структуру кинокартины яркими эмоциональными красками. «Монтаж аттракционов» С.М.Эйзенштейна подразумевал и кинотрюковую аттракционность в том числе - трюковое исполнительское мастерство фильма «Броненосец "Потемкин"» явное тому подтверждение. Основные выводы проведенного исследования, являющегося дифференциированным изучением трюкового исполнительского мастерства эпохи дозвукового кино можно представить следующими основными позициями: а) исследование трюкового исполнительского мастерства в контексте пластической партитуры роли киноперсонажей дозвукового кино; б) изучение трансформационных преобразований трюка в кинотрюк; в) особенности киноязыковой идентификации кинотрюка в структуре кинематографической фразы, как элемента формирующего смыслообразующий контент сюжетно-действенного киноповествования.

Аннотация: в начале ХХ в. актуальной в разных сферах интеллектуальной деятельности стала идея подвижности и неопределенности некогда стабильной и четко фиксированной художественной формы. Во второй половине ХХ в. эстетическая концепция У. Эко получила яркое воплощение в музыкальном мобиле и разработке алеаторики; синтаксическая непоследовательность и смысловая разобщенность в сочинениях Джойса вдохновили Кейджа и Берио на создание условий неопределенности сочинения или исполнения; форма-лабиринт воспроизведена в нескольких сочинениях Булеза и многих других авторов. Прежде меняющие очертания формы в музыке были редки и связаны с теми или иными обстоятельствами и традициями исполнения произведений. Музыкальные же мобили и алеаторика отвечали характерной для искусства ХХ в. тенденции индивидуализации звукового материала и структуры, в каждом исполнении единичной и неповторимой по строению и последовательности изложения авторской мысли. Подвижность формы вследствие воздействия случайности на сам материал и на способ его организации привела к далеко идущим последствиям, а открытая форма музыкальных произведений-в-движении способствовала поиску структурных решений и разработке новаторских стратегий формообразования. Этим сюжетам и посвящена данная статья.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.5.19691

Аннотация: Предметом исследования является путь развития символического языка голландского художника Яна Тооропа (1858-1928), современника Ван Гога и Густава Климта, сыгравшего большую роль в формировании и становление символизма на европейской арене конца XIX-начала XX века. Ян Тоороп предстает, как сейчас, так и для 1890-1900-ых годов, деятелем и куратором значительных для истории выставок и в меньшей степени художником, ставшим главной фигурой «северного» варианта символизма. Впитав индонезийскую среду и европейские традиции французского символизма, английской школы, Ян Тоороп провозгласил новый мистицизм. Анализируя личность художника, его творческий путь и ключевые работы, статья открывает стилистику произведений мастера и его значение для развития отдельных направлений. Основой исследования является сравнительно-исторический анализ произведений художника, а также биографический метод, который позволяет определить поиски культурной самоидентификации мастера. Актуальность данного исследования основана на том, что, не смотря на возросший интерес к этой фигуре в художественной среде за последние десять лет, персональные выставки художника во Франции и Голландии, сегодня не совсем озвучены и определены его шаги не только к формированию национального варианта символизма и признания на европейской арене, но и выход к абстрактным формам живописи, отказу от естественных форм через линеарный язык. Поэтому в этой статье мы постараемся определить главные шаги мастера к символизму и поиски внутри него орнаментального поля мышления.

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.12.29887

Аннотация: Китайская каллиграфия рассматривается в качестве ключа к более глубокому пониманию китайского культурного кода, поэтому цель исследования заключается в выявлении культурных смыслов, заложенных в пространственную структуру и визуальный образ иероглифа. В ходе работы авторы развивают идею отечественного синолога В. В. Малявина о том, что художественное пространство произведения китайской каллиграфии представляет собой пространство «срединности», в котором взаимодействуют два не совпадающих друг с другом измерения бытия – сокрытое и явленное («прежненебесное» и «посленебесное»). В исследовании применяется культурологический метод интерпретации художественного пространства иероглифа в контексте традиционных для китайской культуры моделей пространства. Формирование пространства «срединности» через написание иероглифа является свидетельством умения каллиграфа находить равновесие «в потоке перемен». Иероглиф представляет собой визуальную метафору движущегося человеческого тела, находящегося в состоянии внутреннего покоя (что отражается в чёткости внутренних связей знака, его соотнесённости с физическим центром и ощущении «твёрдости» пустоты).

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.4.18459

Аннотация: Статья посвящена исследованию образа собора св. Марка в Венеции – центрального памятника культуры и искусства Венеции. В историческом контексте анализируется проблема архитектурного прототипа Сан Марко. Специально рассматриваются те особенности его внешнего и внутреннего убранства, которые возникают в результате массового вывоза сполий (spolia – добыча, лат.) из Константинополя, захваченного в ходе Четвертого крестового похода (1202-1204 гг.), и их использования в украшении фасадов и интерьера собора. Специфическая природа целостности Сан Марко раскрывается посредством выхода за пределы архитектурно-конструктивных характеристик памятника и обращения к идеологически-репрезентативной (триумфальной) и декоративно-живописной сторонам его образности. Облик и убранство собора св. Марка – это симбиоз разного, естественность исторических наслоений, органичность их совмещения. При этом облик этот - не архитектурно-конструктивный, а по преимуществу живописный, созданный не только в предметном родстве с прикладным искусством, но и с характерной пейзажной средой Венеции. На основе предпринятого исследования представляется возможным выделить значимые черты венецианского художественного мышления, которые сформировались уже на раннем этапе становления венецианской культуры и нашли впервые свое явное выражение в комплексе собора св. Марка, а затем были восприняты и развиты, как художественные принципы, живописной и архитектурной школой Венеции эпохи Возрождения.

Аннотация: в статье рассматривается развитие эротической темы в живописи и графике московского и ленинградского художественного андеграунда 1960–1980-х гг. Называются ключевые этапы развития андеграунда и выделяются основные направления в эротическом искусстве в указанные годы.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.5.21360

Аннотация: Предметом исследования является восприятие национальных особенностей испанской живописи в испанской литературе по искусству XVII-XVIII веков. Известно, что в Европе XVII-XVIII вв. испанскую живопись воспринимали исключительно как вариант итальянской. В статье ставится задача проследить, была ли в самой Испании в это время национальная специфика испанского искусства доступной пониманию теоретиков и историков искусства. Если иностранцам часто испанское искусство оставалось мало известным в силу его отсутствия в европейских коллекциях, то сами испанцы жили в окружении памятников национальной живописи. Понимали ли они ее? Методом исследования является источниковедческий анализ текстов испанских трактатов по искусству, сравнение оценки разными авторами на протяжении XVII-XVIII вв. испанской живописи. Основным выводом автора статьи является вывод о скрытом присутствии понимания самобытности испанского искусства в текстах испанских авторов исследуемого времени, но испанские историки искусства еще не пытаются определить эту самобытность на теоретическом уровне. Таким образом, несмотря на потенциальную возможность понимания своего искусства, оно воспринимается и самими испанцами с позиций общеевропейского академического классицизма, закрывающих пути к переоценке его национальной самобытности.

Аннотация: рассматриваются проблемы цирковой конфликтологии. Возникновение, построение, разрешение конфликтов в условиях циркового пространства. Зависимость выразительности трюкa от степени воздействия окружения артиста: реквизит, партнер, зритель, животное на развитие конфликта.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.4.18489

Аннотация: Предметом исследования является поэтика спектакля «Кабала святош» Севастопольского академического русского драматического театра имени А. В. Луначарского, созданного в 2013 г. Владимиром Владимировичем Магаром — ведущим севастопольским режиссером и художественным руководителем театра в 2000-2014 гг. Ставшая его наиболее значительной работой, постановка анализируется с точки зрения использованных в ней приемов и методов режиссерской методологии Магара. Речь идет о трансформации литературно-драматургического материала в режиссерский сюжет с помощью монтажа сюжетных тем и мотивов, построения действия по законам музыкального произведения. Исследуется роль сценографии, пластики, музыки и прочих составляющих драматического действия. Статья основана на использовании сравнительно-исторического метода, личном зрительском опыте ее автора и анализе прессы, посвященной спектаклю. Изучение творчества В. Магара предпринимается впервые. Исследование его режиссерской манеры может стать показательным для выявления закономерностей, характерных для региональной театральной жизни, и восстановить страницы истории русского театра, выпавшие из контекста исследовательской работы. Анализ поэтики этого спектакля важен для понимания таких принципов его режиссерской деятельности, как многосоставная литературно-драматургическая основа постановок, их монтажная композиция, игровой способ существования актера, система лейтмотивов.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.9.24228

Аннотация: Предметом исследования являются методы сочинения Джона Кейджа, применяемые им в 1940-е годы: мелодическое или ритмическое остинато, контрапунктическая техника и техника ритмических фигур. В этих, изначально традиционных методах изложения и развития материала он нашёл нечто новое и предвосхитил то, что появится в музыке позднее, а именно - приемы репетитивной техники минималистов. Особое внимание уделяется таким произведениям Кейджа, как циклы "Метаморфоза" и "Аморес", а также ансамблю "Верую в нас", в которых сложились черты стиля композитора. Метод исследования техники письма включает анализ звукового материала, его свойств, принципов организации мелких и крупных структурных единиц и формы в целом. Новизна исследования заключается в том, что техники письма Кейджа (остинато, контрапункт, техника ритмических фигур и др.) впервые на русском языке изучаются подробно на примере конкретных произведений, причем раннего периода творчества композитора, более известного как экспериментатора и авангардиста. При этом в использовании этих методов сочинения выявляются индивидуальные черты, характеризующие композиторский стиль Кейджа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.1.28350

Аннотация: Статья содержит рассуждения о «влиянии и отсутствии» В. Кандинского в искусстве 1920-х гг., попытки найти те грани, где есть возможные пересечения с Кандинским и размышления о том, были ли какие-либо идеи художника и теоретика искусства хотя бы отчасти реализованы на практике и связано ли это с его влиянием или нет. Казалось бы, один из самых прославленных мастеров ХХ века, В. Кандинский, расцвет творчества которого приходится на 1900-10-е гг., практически не оказал влияния на развитие российского искусства первого послереволюционного десятилетия. И всё-таки, творческие принципы и уроки художника, стоявшего у истоков реформирования художественного образования в Советской России, для вхутемасовской молодежи не прошли бесследно. И прежде всего, речь идет о культивируемом им чувстве внутренней свободы – маргинальном понятии для искусства советской эпохи. В написании статьи использованы методы искусствоведческого и историко-культурного анализа. Привлекаются и исследуются неопубликованные архивные материалы. Новизна исследования заключается в том, что до сих пор не изучалась проблема влияния В. Кандинского на искусство/художников 1920-х гг. После его отъезда из Советской России в 1921 году след Кандинского теряется, имя художника фактически забывается. Таким образом, в данной статье впервые предпринимается попытка осмыслить феномен отсутствия влияния при очевидных предпосылках обратного. Окончательных результатов в этой ситуации достигнуть сложно, выводы балансируют на грани обнаружения влияния и невлияния художника на искусство 1920-х годов.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.9.24405

Аннотация: Объектом исследования является творчество китайского каллиграфа Чжан Цяна (род. 1962, КНР) - создателя направления «каллиграфической трасологии» (середина 1990-х гг. - по настоящее время). Чжан Цян имеет репутацию авторитетного исследователя эстетики традиционной каллиграфии, знатока истории западного искусства, видного теоретика авангардной каллиграфии. Предметом исследования являются поиски современной выразительности каллиграфической пластики. Чжан Цян усматривает будущее каллиграфии в ее истоках, каковыми являются линеарные росчерки туши, фиксирующие глубинные акты сознания. В состоянии транса Чжан Цян, не глядя, совершает спонтанные взмахи кистью, которая оставляет тушевые следы на длинных полосах бумаги, геометрических фигурах или непосредственно на телах ассистенток, которые самостоятельно решают, где и как прикоснется к ним кисть мастера. Используя взаимодействие мужской и женской энергий, Чжан Цян созидает новые форматы каллиграфического творчества. В исследовании использованы методы культурологи, искусствознания, семиотики и компаративистики. Используются публикации самого Чжан Цяна, высказывания о нем современных китайских критиков. Творчество Чжан Цяна впервые исследуется в отечественном искусствознании и синологии. Направление каллиграфической трасологии представляет собою самый радикальный опыт китаизации западного авангардного искусства, но при этом оно не порывает внутренней связи с основами традиционной эстетики. Каллиграфические перфомансы Чжан Цяна существенно расширяют визуальный опыт современной китайской аудитории и обозначают новые горизонты развития искусства каллиграфии в КНР.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.5.33445

Аннотация: Предметом исследования статьи является современная история развития казанского ювелирного искусства. В статье рассматривается развитие казанского ювелирного искусства 2000-х годов. Рассматривается создание масштабных ювелирных произведений искусства в виде моделей известных архитектурных памятников. Рассказывается об авторах и исполнителях данных работ. Материалом для исследования послужили иконографические источники – уникальные фотографии образцов ювелирного искусства, а также свидетельства очевидцев – мастеров, выполнявших данные ювелирные произведения. Один из авторов является непосредственным участником и соавтором рассматриваемых ювелирных работ. Таким образом, в статье широко использован метод включенного наблюдения, интервьюирование, а также источниковедческий анализ.   Научная новизна связана, прежде всего, с хронологической близостью исследуемого периода. В статье приводятся новые ранее не опубликованные фотографии рассматриваемых произведений ювелирного искусства. В статье приводятся новые факты о возрождении ювелирного искусства Казани в постсоветский период. Анализируются источники возрождения казанского ювелирного искусства, рассмотрены особенности ювелирных произведений. Также приводятся неизвестные сюжеты и история произведений ювелирного искусства после их создания. Сделан вывод о том, что возрождение ювелирного искусства, отчасти утраченного в советский период, в Казани началось лишь в конце девяностых – начале двухтысячных годов. После снятия ряда законодательных ограничений ювелиры получили возможность экспериментировать и создавать настоящие произведения искусства.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.4.37819

Аннотация: Настоящая работа посвящена изучению развития и эволюции древнего китайского нефритового искусства до 3 века н. э. В древнем китайском обществе нефрит служил не просто декоративным элементом, он выполнял функцию идентификации личности и языковой коммуникации. В данном исследовании анализируются происхождение и технические характеристики нефритового искусства, а также художественные характеристики разных тем в разные периоды (С технической точки зрения наибольшей популярностью при изготовлении нефритовых изделий пользовалась глубокая гравировка инькэ, используемая для создания декоративных элементов изделий, нанесение резьбы или рельефа), развитие нефритового искусства является свидетельством исторического развития Китая, оно тесно связано с теократическим политическим режимом древнего государства. Основный вывод этого исследования заключается в том, что автор подтвердил, что китайская нефритовая культура оказывает глубокое влияние на художественный стиль нефрита, анализируя характеристики нефрита в разные периоды, а идеология является одним из важных факторов, влияющих на развитие нефрита. Новизна исследования заключается в том, что автор подчеркивает культуру «погребального нефрита» в развитии китайского нефритового искусства и «погребальное искусство» в китайской нефритовой культуре. В то же время это подчеркивает важность, придаваемую “людям”, что может представлять интерес для специалистов, занятых в соответствующей исследовательской области.

DOI: 10.7256/2454-0625.2024.3.69971

EDN: VZWISH

Аннотация: С укреплением культурных обменов с международным сообществом современное искусство волокна Китая стало быстро развиваться. В связи с этим вскрываются определенные проблемы, которые требуют исследования и решения. Таким образом, предметом исследования стал процесс развития китайского современного искусства волокна, а также уточнение роли, которую сыграло проведение Китаем Международных биеннале искусства волокна «От Лозанны до Пекина» в развитии китайского современного искусства волокна. Цель статьи заключается в следующих аспектах: во-первых, определение роли инновационных технологий в развитии художественной сферы; во-вторых, прослеживание влияния того, как развитие форм и материалов китайского современного искусства волокна влияет на формы творчества художников; наконец, в-третьих, проведение сравнения текущих ситуаций в искусстве волокна в Китае и зарубежных странах с целью выявления ближайшей перспективы развития в этой области.  Для достижения данной цели были использованы научные методы исторический анализ, сравнительный анализ, тематические исследования и контент-анализ для изучения развития современного искусства волокон в Китае и его будущих тенденций. Данное исследование представляет собой глубокий анализ влияния Международной биеннале искусства волокна от Лозанны до Пекина на развитие современного искусства волокна в Китае, исследует роль инновационных технологий в сфере искусства и то, как развитие современных форм и материалов искусства волокна повлияло на творческие формы художников. Вместе с тем, сравнивая современную ситуацию с искусством волокон в Китае и за рубежом, данное исследование раскрывает перспективы развития искусства волокон в Китае. Анализ данной области позволяет сделать вывод, что с углублением художественных обменов в стране и за рубежом рынок и коллекция китайского искусства волокна будут постепенно формироваться, предоставляя художникам больше возможностей для демонстрации и развития, а также продвигая китайское искусство волокна на мировую арену.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.12.32072

Аннотация: Предметом исследования является произведение венского художника-экспрессиониста Эгона Шиле «Левитация», 1915 г. Акцент сделан автором на феноменологическом измерении рассматриваемой работы, для чего была адаптирована и применена методика американского феноменолога Л. Ланкфорда. С помощью данной методики произведения изобразительного искусства можно анализировать используя совместно искусствоведческие и феноменологические средства. Она включает в себя пять последовательных этапов: восприятие, ориентирование, заключение в скобки (феноменологический анализ), интерпретационный анализ и синтез полученной информации. Исследование носит междисциплинарный характер, объединяя в себе как собственные методы искусствоведения, так и методы философской науки. Основной вывод данной работы – методика Ланкфорда позволяет анализировать произведения изобразительного искусства в феноменологическом ключе, будучи адаптированной под исследуемое произведение. В данном случае необходимо увеличение роли зрителя в постхудожественной коммуникации, при этом особое внимание следует уделить телу как медиуму для информации, заключенной в работе художника и информации, получаемой и расшифровываемой зрителем.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.2.13983

Аннотация: Предметом исследования в статье стал один из знаковых феноменов искусства ХХ столетия - перформанс, подразумевающий синтез искусств в одном отдельно взятом произведении, а синтез искусств, как известно, — главный признак постмодернизма, олицетворяющего современное общество. Его становление длилось на протяжении всего эволюционного пути развития искусства. Истоки перформанса можно найти, разумеется, в синкретическом ритуале, площадном театре Средневековья, а также — в отдельных образцах театральных представлений XV–XVII веков — итальянского Возрождения и барокко. Эти истоки подробно рассматриваются в статье. Исследование перформанса как целостного объекта осуществляется сквозь призму его исторической эволюции. Главным при этом предстает возможность сопоставления истоков перформанса с перформансными представлениями ХХ века, что позволяет охватить предмет исследования достаточно глобально. Новизна исследования заклюдчается в том, что впервые перформанс предстает явлением не только олицетворяющим искусство ХХ столетия, но и широко представленным в прошлых веках. Генетические прототипы современного перформанса находят свое выражение в синкретических ритуалах, в комедии dell'arte, в творчестве Л. да Винчи, Д. Бернини и других художников, музыкантов и литераторов прошлого.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.2.66075

Аннотация: Предметом исследования в статье стал один из знаковых феноменов искусства ХХ столетия - перформанс, подразумевающий синтез искусств в одном отдельно взятом произведении, а синтез искусств, как известно, — главный признак постмодернизма, олицетворяющего современное общество. Его становление длилось на протяжении всего эволюционного пути развития искусства. Истоки перформанса можно найти, разумеется, в синкретическом ритуале, площадном театре Средневековья, а также — в отдельных образцах театральных представлений XV–XVII веков — итальянского Возрождения и барокко. Эти истоки подробно рассматриваются в статье. Исследование перформанса как целостного объекта осуществляется сквозь призму его исторической эволюции. Главным при этом предстает возможность сопоставления истоков перформанса с перформансными представлениями ХХ века, что позволяет охватить предмет исследования достаточно глобально. Новизна исследования заклюдчается в том, что впервые перформанс предстает явлением не только олицетворяющим искусство ХХ столетия, но и широко представленным в прошлых веках. Генетические прототипы современного перформанса находят свое выражение в синкретических ритуалах, в комедии dell'arte, в творчестве Л. да Винчи, Д. Бернини и других художников, музыкантов и литераторов прошлого.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.2.17919

Аннотация: Предмет исследования данной работы — различия, существующие между практикой реди-мейда в творчестве М. Дюшана и апроприацией в искусстве. На сегодняшний день существующие исследования по вопросам апроприации затрагивают исключительно сходство этих практик. В статье автор выделяет различия, которые заключаются в: предпосылках появления реди-мейда и распространения апроприации; значении актуализации образов массовой культуры для искусства через текстуальное поле; значимости эстетических категорий для творчества художников; различном положении автора, которое занимает художник. В процессе исследования проведен сравнительный анализ сходных явлений в искусстве XX в., что позволяет продемонстрировать их общие черты и различия. Новизна исследования заключается в том, что автор демонстрирует особенности апроприации, как самостоятельного явления в условиях развития американского искусства исследуемого периода. Выделены следующие особенности апроприации, отличные от работы с реди-мейдом М. Дюшана, это: влияние на распространение апроприации постмодернистского дискурса, в котором искусство модернизма представлено как объект критики; работа с конвенциями и клише искусства, массовой культуры, рекламы; создание произведений, полное толкование которых неосуществимо, ни в лингвистическом поле, ни с эстетической точки зрения; а также характерная вне-субъективная позиция автора.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.2.67611

Аннотация: Предмет исследования данной работы — различия, существующие между практикой реди-мейда в творчестве М. Дюшана и апроприацией в искусстве. На сегодняшний день существующие исследования по вопросам апроприации затрагивают исключительно сходство этих практик. В статье автор выделяет различия, которые заключаются в: предпосылках появления реди-мейда и распространения апроприации; значении актуализации образов массовой культуры для искусства через текстуальное поле; значимости эстетических категорий для творчества художников; различном положении автора, которое занимает художник. В процессе исследования проведен сравнительный анализ сходных явлений в искусстве XX в., что позволяет продемонстрировать их общие черты и различия. Новизна исследования заключается в том, что автор демонстрирует особенности апроприации, как самостоятельного явления в условиях развития американского искусства исследуемого периода. Выделены следующие особенности апроприации, отличные от работы с реди-мейдом М. Дюшана, это: влияние на распространение апроприации постмодернистского дискурса, в котором искусство модернизма представлено как объект критики; работа с конвенциями и клише искусства, массовой культуры, рекламы; создание произведений, полное толкование которых неосуществимо, ни в лингвистическом поле, ни с эстетической точки зрения; а также характерная вне-субъективная позиция автора.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.3.62833

Аннотация: в статье рассматривается историография изучения восприятия русскими путешественниками второй половины XVIII века западноевропейского искусства (на примере рапортов пенсионеров Академии художеств) параллельно с обозначением этапов русского искусствознания с середины XIX века до наших дней. Дается деление всех русских путешественников второй половины XVIII века на группы по уровню осведомленности в искусстве и сословной принадлежности. Освещаются этапы знакомства с западноевропейским искусством во время путешествия: заочное знакомство дома, формирование художественного сознания, непосредственное восприятие, осмысление, подтверждение или пересмотр знаний с учетом приобретенных впечатлений. Сравнительный анализ искусствоведческих трудов по обозначенной теме и путевых журналов пенсионеров дает представление об изученности вопроса и обозначает направления дальнейших исследований.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.3.17615

Аннотация: Основной целью предлагаемой статьи является обобщение методологических нюансов в исследовании феномена искусства. Данный ракурс работы позволил представить с точки зрения научного поиска деструктивные и созидательные моменты в определении методологических оснований исследования искусства и его форм. Главная проблема кроется в непродуманном повсеместном применении так называемого комплексного подхода или анализа, с которым не все исследователи справляются и потому такие работы обнаруживают некоторые методологические изъяны. В то же время показана роль междисциплинарного подхода в изучении феномена искусства, который имеет непреложную ценность для получения нового знания. Методология исследования определяется системностью в анализе бытования искусства и его форм в жизни человека и общества. Основные выводы исследования определяются следующими положениями: 1) при изучении феномена искусства имеет значение продуманное и обоснованное использование комплексного подхода или анализа; понимание данного ракурса изучения феномена искусства как простой совокупности методов или приемов исследования существенно опрощает работу; 2) междисциплинарный подход имеет явные преимущества при исследовании искусства, однако требует соблюдения важных правил, игнорирование которых способно привести к рискам получения декларативных и неубедительных с научной точки зрения результатов

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.3.67826

Аннотация: Основной целью предлагаемой статьи является обобщение методологических нюансов в исследовании феномена искусства. Данный ракурс работы позволил представить с точки зрения научного поиска деструктивные и созидательные моменты в определении методологических оснований исследования искусства и его форм. Главная проблема кроется в непродуманном повсеместном применении так называемого комплексного подхода или анализа, с которым не все исследователи справляются и потому такие работы обнаруживают некоторые методологические изъяны. В то же время показана роль междисциплинарного подхода в изучении феномена искусства, который имеет непреложную ценность для получения нового знания. Методология исследования определяется системностью в анализе бытования искусства и его форм в жизни человека и общества. Основные выводы исследования определяются следующими положениями: 1) при изучении феномена искусства имеет значение продуманное и обоснованное использование комплексного подхода или анализа; понимание данного ракурса изучения феномена искусства как простой совокупности методов или приемов исследования существенно опрощает работу; 2) междисциплинарный подход имеет явные преимущества при исследовании искусства, однако требует соблюдения важных правил, игнорирование которых способно привести к рискам получения декларативных и неубедительных с научной точки зрения результатов

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.3.19081

Аннотация: Способность апелляции к подсознанию путем создания действенно-пластических мизансцен позволяющих режиссеру-постановщику вызывать в воображении зрителей необходимый ассоциативный ряд, способный преобразовать статичность миросозерцания наяву, в смысловую действенно-ассоциационную динамику в воображении, - вот основной постулат предмета исследования. Духовно-философская основа театрально-постановочного мышления Клемана Марти и актеров его труппы – это видоизменение, своеобразное преображение трансформирующее реальность бытия в сакрально-мистериальное действо. В нем не существует личности, как таковой. Но, это отнюдь и не обезличивание. Скорее всего, это – собирательный архетипический образ, выражающийся в форме интуитивного воплощения. Его бессознательные проявления – это сублимированная интеграция образно-художественного видения, в пластическое действо, обличенное в оригинальную театрально-постановочную форму. Статья рассматривает художественно-эстетические особенности постановок французского конного театра «Зингаро» Бартабаса. Предпринимается попытка аналитического осмысления произведений театрального искусства, созданных Клеманом Марти (Бартабасом), через призму антропоморфизма аудиовизуального философско-психологического восприятия культурно-исторического опыта человечества, инициированного благороднейшим животным – Лошадью. В изучении исследуемой проблематики используется системный подход, анализ и обобщение. Новая форма метафорического действенно-пластического изъяснения оформленного надлежащим музыкальным сопровождением и интересной световой партитурой, во многом способствует качественной передаче информации на вневербальном уровне. Этот постановочный прием пластического театра, вызывающий определенную эмоционально-действенную аудиовизуализацию образов в подсознании зрителей, помогает воплотить режиссерскую задачу именно таким нетривиальным способом.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.3.67827

Аннотация: Способность апелляции к подсознанию путем создания действенно-пластических мизансцен позволяющих режиссеру-постановщику вызывать в воображении зрителей необходимый ассоциативный ряд, способный преобразовать статичность миросозерцания наяву, в смысловую действенно-ассоциационную динамику в воображении, - вот основной постулат предмета исследования. Духовно-философская основа театрально-постановочного мышления Клемана Марти и актеров его труппы – это видоизменение, своеобразное преображение трансформирующее реальность бытия в сакрально-мистериальное действо. В нем не существует личности, как таковой. Но, это отнюдь и не обезличивание. Скорее всего, это – собирательный архетипический образ, выражающийся в форме интуитивного воплощения. Его бессознательные проявления – это сублимированная интеграция образно-художественного видения, в пластическое действо, обличенное в оригинальную театрально-постановочную форму. Статья рассматривает художественно-эстетические особенности постановок французского конного театра «Зингаро» Бартабаса. Предпринимается попытка аналитического осмысления произведений театрального искусства, созданных Клеманом Марти (Бартабасом), через призму антропоморфизма аудиовизуального философско-психологического восприятия культурно-исторического опыта человечества, инициированного благороднейшим животным – Лошадью. В изучении исследуемой проблематики используется системный подход, анализ и обобщение. Новая форма метафорического действенно-пластического изъяснения оформленного надлежащим музыкальным сопровождением и интересной световой партитурой, во многом способствует качественной передаче информации на вневербальном уровне. Этот постановочный прием пластического театра, вызывающий определенную эмоционально-действенную аудиовизуализацию образов в подсознании зрителей, помогает воплотить режиссерскую задачу именно таким нетривиальным способом.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.3.19130

Аннотация: Предметом исследования в данной статье является театральное образование в Корее и его проблемы. Наибольшей проблемой современного корейского театра являются взаимоотношения между актером и режиссером, которые продолжают жить на сцене, опираясь на традиционные конфуцианские традции поведения. Актеры для современного корейского театра готовятся в университетах, однако корейская система высшего театрального образования до сих пор находится в процессе становления. За исключением некоторых университетов, в Корее нет разделения на актерский, режиссерский и театроведческий факультеты, а есть только театральные или кино-театральные факультеты в общем. В исследовании используется сравнительный метод, когда система театрального образования в Корее сравнивается с российской системой, основанной на методе Станиславского. Основным выводом приведенного исследования является утверждение о том, что дополнение уже привычной корейцам системы Станиславского методом Мейерхольда сможет способствовать формированию национального театра, так как условность, присущая этому методу является основой национального театра Кореи. Обогащение метода К.С. Станиславского педагогическими приемами В.Э. Мейерхольда может быть полезным для корейской актерской школы и оказаться тем путем, которым корейский студент может пройти в театральный мир.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.3.67828

Аннотация: Предметом исследования в данной статье является театральное образование в Корее и его проблемы. Наибольшей проблемой современного корейского театра являются взаимоотношения между актером и режиссером, которые продолжают жить на сцене, опираясь на традиционные конфуцианские традции поведения. Актеры для современного корейского театра готовятся в университетах, однако корейская система высшего театрального образования до сих пор находится в процессе становления. За исключением некоторых университетов, в Корее нет разделения на актерский, режиссерский и театроведческий факультеты, а есть только театральные или кино-театральные факультеты в общем. В исследовании используется сравнительный метод, когда система театрального образования в Корее сравнивается с российской системой, основанной на методе Станиславского. Основным выводом приведенного исследования является утверждение о том, что дополнение уже привычной корейцам системы Станиславского методом Мейерхольда сможет способствовать формированию национального театра, так как условность, присущая этому методу является основой национального театра Кореи. Обогащение метода К.С. Станиславского педагогическими приемами В.Э. Мейерхольда может быть полезным для корейской актерской школы и оказаться тем путем, которым корейский студент может пройти в театральный мир.

DOI: 10.7256/2454-0625.2014.4.12916

Аннотация: Статья посвящена анализу важной проблемы "открытой формы", которая находит выражение в незавершенных работах как авторов прошлого, так и современности, в том числе постмодернизма, где открытая форма становится принципом производства текста. Другой проблемой является соотношение различных пластов литературной основы музыкального произведения. На примере оперного искусства (в данном случае оперы Пуччини "Турандот") показано, что в оперном произведении, как новой сущности, обладающей эмерджентными свойствами, невозможно без ущерба для целостности этой сущности выделить никакого якобы исходного литературного текста, который можно было рассматривать изолированно от итогового результата – партитуры. В работе использован семантический анализ литературных текстов, в частности текстов либретто, сравнительный анализ различных произведений литературы и искусства, составляющий дискурсивный универсум выбранного произведения, а также критико-аналитический анализ источников. Исследование носит междисциплинарный характер, в нем применены искусствоведческий, литературоведческий, музыковедческий подходы, которые в комплексе помещают рассматриваемое произведение в пространство культуры во всей ее сложности. На примере оперы Пуччини "Турандот" автор выявляет разницу между неоконченным (не по своей воле) сочинением и продуманным художественным принципом non finito, связанным с сознательной и самодостаточной незавершенностью формы, которая рассматривается как принципиальная. Автор показывает, что этот прием получил свое эстетическое обоснование в середине 20 века и утвердился, преимущественно, в практике авангардизма и еще более постмодерна, который размыкает художественную форму, делая ее открытой.

DOI: 10.7256/2454-0625.2014.4.65426

Аннотация: Статья посвящена анализу важной проблемы "открытой формы", которая находит выражение в незавершенных работах как авторов прошлого, так и современности, в том числе постмодернизма, где открытая форма становится принципом производства текста. Другой проблемой является соотношение различных пластов литературной основы музыкального произведения. На примере оперного искусства (в данном случае оперы Пуччини "Турандот") показано, что в оперном произведении, как новой сущности, обладающей эмерджентными свойствами, невозможно без ущерба для целостности этой сущности выделить никакого якобы исходного литературного текста, который можно было рассматривать изолированно от итогового результата – партитуры. В работе использован семантический анализ литературных текстов, в частности текстов либретто, сравнительный анализ различных произведений литературы и искусства, составляющий дискурсивный универсум выбранного произведения, а также критико-аналитический анализ источников. Исследование носит междисциплинарный характер, в нем применены искусствоведческий, литературоведческий, музыковедческий подходы, которые в комплексе помещают рассматриваемое произведение в пространство культуры во всей ее сложности. На примере оперы Пуччини "Турандот" автор выявляет разницу между неоконченным (не по своей воле) сочинением и продуманным художественным принципом non finito, связанным с сознательной и самодостаточной незавершенностью формы, которая рассматривается как принципиальная. Автор показывает, что этот прием получил свое эстетическое обоснование в середине 20 века и утвердился, преимущественно, в практике авангардизма и еще более постмодерна, который размыкает художественную форму, делая ее открытой.

DOI: 10.7256/2454-0625.2014.4.65427

Аннотация: Предметом исследования является эстетическое воспитание как важнейший фактор в формировании эстетических представлений и системы ценностей современного человека. В настоящее время эстетическое воспитание находится в ситуации кризиса, обусловленного сменой ценностных ориентаций в современном обществе и фрагментацией культурного пространства, находящегося под влиянием как постмодернистских тенденций, так и тотальной информатизации. Необходимость эстетического аспект в становлении человека ХХ1 века не вызывает сомнений. Авторы данной работы предлагают свое видение и пути решения этой проблемы. В работе использованы такие подходы как анализ источников, диахронический подход к анализу развития различных систем эстетического воспитания, философско-культурологический подход к ряду культурных практик современности. Работа представлена в форме диалога, что дает возможность выразить различные точки зрения на проблему эстетического воспитания, на место эстетических представлений в системе ценностей современного человека. Диалог является важной формой философского дискурса, дающей возможности не только сопоставления точек зрения его участников, но и открытой дискурсивной формой, приглашающей к участию в обсуждению заявленных проблем заинтересованную аудиторию, создавая тем самым пространство полилога. Авторы предлагают создание новой модели эстетического воспитания, которая сочетала бы в себе как традиционные подходы и методики, разработанные в отечественной и мировой теории и практике, так и те культурные практики, которые востребованы в молодежной среде, но не получили институционального статуса.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.4.15062

Аннотация: Предметом исследования является творчество известного американского композитора, музыкального теоретика, художника, пионера в области алеаторики (случайности) в электроакустической музыке Дж. М. Кейджу (5.09.1912 - 12.08.1992), автора знаменитого «подготовленного фортепиано» и не менее известной композиции «4,33» - пьесе музыкального молчания. Задуманное композитором в 1947-1948 гг., произведение, ставшее для Кейджа воплощением идеи о том, что любые звуки могут представлять и составлять музыку. Композитор развивал идею расширения пространства исполнения академических концертов за счёт использования природных звуков как элементов музыки, изменившей не только само понятие музыки, но и понятие музыкального материала. Музыкальные критики оценивали Дж. Кейджа как одного из самых влиятельных американских композиторов ХХ в. и как одну из ведущих фигур послевоенного авангарда. В работе используется философско - эстетический метод исследования многообразного творчества композитора, предоставляющий основание для оценки пьесы «4'33'» по звуковому материалу одновременно и как образец музыки тишины и как пример музыки шумов и как алеаторическое произведение, поскольку её текст образует случайные элементы шумовой среды. Основным вкладом автора в исследование темы является то, что статья восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе по музыкальному искусству и эстетике музыки в отношении многообразного творчества и личности композитора, являясь, в то же время, первой наиболее полной теоретико - эстетической работой, посвящённой основному музыкальному произведению Дж. Кейджа – пьесе «4.33». Композиции, заполняющей важную нишу в истории музыки между обычным музыкальным производством и звуками природы. Музыкой у композитора стала и имитация природных звуков и человеческих голосов, где Кейдж блестяще приводит музыкальный процесс в полный круг, преодолевая культурную дистанцию, сложившуюся в классической музыке.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.4.66547

Аннотация: Предметом исследования является творчество известного американского композитора, музыкального теоретика, художника, пионера в области алеаторики (случайности) в электроакустической музыке Дж. М. Кейджу (5.09.1912 - 12.08.1992), автора знаменитого «подготовленного фортепиано» и не менее известной композиции «4,33» - пьесе музыкального молчания. Задуманное композитором в 1947-1948 гг., произведение, ставшее для Кейджа воплощением идеи о том, что любые звуки могут представлять и составлять музыку. Композитор развивал идею расширения пространства исполнения академических концертов за счёт использования природных звуков как элементов музыки, изменившей не только само понятие музыки, но и понятие музыкального материала. Музыкальные критики оценивали Дж. Кейджа как одного из самых влиятельных американских композиторов ХХ в. и как одну из ведущих фигур послевоенного авангарда. В работе используется философско - эстетический метод исследования многообразного творчества композитора, предоставляющий основание для оценки пьесы «4'33'» по звуковому материалу одновременно и как образец музыки тишины и как пример музыки шумов и как алеаторическое произведение, поскольку её текст образует случайные элементы шумовой среды. Основным вкладом автора в исследование темы является то, что статья восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе по музыкальному искусству и эстетике музыки в отношении многообразного творчества и личности композитора, являясь, в то же время, первой наиболее полной теоретико - эстетической работой, посвящённой основному музыкальному произведению Дж. Кейджа – пьесе «4.33». Композиции, заполняющей важную нишу в истории музыки между обычным музыкальным производством и звуками природы. Музыкой у композитора стала и имитация природных звуков и человеческих голосов, где Кейдж блестяще приводит музыкальный процесс в полный круг, преодолевая культурную дистанцию, сложившуюся в классической музыке.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.4.19296

Аннотация: Данная статья посвящена одной из важных и малоисследованных проблем инструментовки – трактовке инструментов семейства саксофонов в качестве оркестровых инструментов – и отражает основные научные выводы одноимённого диссертационного исследования. Основываясь на результатах анализа авторских партитур произведений композиторов разных стран и культурно-исторических эпох, а также научных трудов по вопросам теории и практики инструментовки, в статье раскрываются способы, особенности и тенденции применения инструментов семейства саксофонов в сочинениях для симфонического оркестра. Исследование проводилось путём изучения авторских партитур музыкальных произведений как прикладного, так и автономного направления. Для исследования использовались партитуры только тех произведений, в состав которых авторами включалась одна или несколько партий саксофонов. В ходе изучения партитур отслеживались и выявлялись особенности, способы и тенденции трактовки саксофона в оркестре, характерные как для индивидуального авторского стиля, так и для стиля конкретной культурно-исторической эпохи. В результате проведённых исследований произошла систематизация сведений, посвящённых трактовке саксофона как оркестрового инструмента. Установлено распространение саксофона по странам и музыкальным жанрам. Изначально использовавшийся во французской преимущественно оперной музыке, к началу XX века саксофон вошёл в творческую практику композиторов других стран и направлений. Также в ходе исследования выявлены особенности, способы и тенденции трактовки саксофона как инструмента симфонического оркестра.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.4.68085

Аннотация: Данная статья посвящена одной из важных и малоисследованных проблем инструментовки – трактовке инструментов семейства саксофонов в качестве оркестровых инструментов – и отражает основные научные выводы одноимённого диссертационного исследования. Основываясь на результатах анализа авторских партитур произведений композиторов разных стран и культурно-исторических эпох, а также научных трудов по вопросам теории и практики инструментовки, в статье раскрываются способы, особенности и тенденции применения инструментов семейства саксофонов в сочинениях для симфонического оркестра. Исследование проводилось путём изучения авторских партитур музыкальных произведений как прикладного, так и автономного направления. Для исследования использовались партитуры только тех произведений, в состав которых авторами включалась одна или несколько партий саксофонов. В ходе изучения партитур отслеживались и выявлялись особенности, способы и тенденции трактовки саксофона в оркестре, характерные как для индивидуального авторского стиля, так и для стиля конкретной культурно-исторической эпохи. В результате проведённых исследований произошла систематизация сведений, посвящённых трактовке саксофона как оркестрового инструмента. Установлено распространение саксофона по странам и музыкальным жанрам. Изначально использовавшийся во французской преимущественно оперной музыке, к началу XX века саксофон вошёл в творческую практику композиторов других стран и направлений. Также в ходе исследования выявлены особенности, способы и тенденции трактовки саксофона как инструмента симфонического оркестра.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.4.19309

Аннотация: Предметом исследования являются этологические аспекты кинесики Ч.Дарвина и их роль в искусствознании Г.Вельфлина, А.Варбурга и Э.Гомбриха. Особое внимание в статье уделено анализу использования кинесики как невербальной универсалии в истории искусства. Коммуникативные и эстетические функции кинесики в искусстве прослеживаются во взаимосвязи с механизмом эмпатии, основанном на подражательной функции образного языка пространственных искусств. Воззрения Г. Вельфлина, А. Варбурга и Э. Гомбриха на роль кинесики прослеживаются во взаимосвязи с их представлениями о роли кинесики в формировании эмоциональной памяти . На этом основании прослеживается связь кинесики с коллективным бессознательным и культурным архетипом. Методология исследования построена на рассмотрении роли сенсуалистических идей в формирование эволюционных , психоаналитических, семиотических методов изучения истории и теории искусства Научная новизна статьи заключается в исследовании роли кинесики в формировании образного языка пространственных искусств. В статье впервые прослеживаются влияния сенсуализма, эволюционизма и психоанализа на искусствознание ХIX-XX вв., впервые прослеживается ряд параллелей между этологией и искусствознанием относительно коммуникативной функции кинесики как невербальной универсалии образного языка пластических искусств.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.4.68086

Аннотация: Предметом исследования являются этологические аспекты кинесики Ч.Дарвина и их роль в искусствознании Г.Вельфлина, А.Варбурга и Э.Гомбриха. Особое внимание в статье уделено анализу использования кинесики как невербальной универсалии в истории искусства. Коммуникативные и эстетические функции кинесики в искусстве прослеживаются во взаимосвязи с механизмом эмпатии, основанном на подражательной функции образного языка пространственных искусств. Воззрения Г. Вельфлина, А. Варбурга и Э. Гомбриха на роль кинесики прослеживаются во взаимосвязи с их представлениями о роли кинесики в формировании эмоциональной памяти . На этом основании прослеживается связь кинесики с коллективным бессознательным и культурным архетипом. Методология исследования построена на рассмотрении роли сенсуалистических идей в формирование эволюционных , психоаналитических, семиотических методов изучения истории и теории искусства Научная новизна статьи заключается в исследовании роли кинесики в формировании образного языка пространственных искусств. В статье впервые прослеживаются влияния сенсуализма, эволюционизма и психоанализа на искусствознание ХIX-XX вв., впервые прослеживается ряд параллелей между этологией и искусствознанием относительно коммуникативной функции кинесики как невербальной универсалии образного языка пластических искусств.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.4.19484

Аннотация: Объектом рассмотрения в статье является предыстория формирования сино-европейского стиля живописи при дворе династии Цин. Ее предмет – социальные, исторические и культурные предпосылки появления нового стиля. Маньчжурская династия Цин, будучи пришельцами и завоевателями, была менее скована китайскими канонами в искусстве и более восприимчива к европейским влияниям. Но уже в предшествовавшую эпоху в изобразительном искусстве, в том числе и в живописи, проявляются элементы западных влияний, которые также анализируются автором в данной статье. Методами исследования являются общенаучные, а также частнонаучные методы и принципы: сравнительный принцип, принципы историзма, системного анализа, анализ и синтез, индукция и дедукция; социологический, искусствоведческий и семиотический подходы к анализу произведений изобразительного искусства. Основные выводы работы: маньчжуры, покорившие Китай, достаточно быстро «китаизировались» в области искусства. Существовали и предпосылки для формирования сино-европейского стиля в живописи уже при династии Мин. Завоеватели, как это ни парадоксально, во времена династии Цин создали условия для возникновения нового придворного китайского изобразительного искусства. Новизна исследования заключается в утверждении: при встрече двух культур возможно прогрессивное развитие изобразительного искусства высокого художественного значения даже покоренной страны, как это произошло в данном случае, хотя до недавнего времени живопись сино-европейского стиля считалась многими искусствоведами «некитайской», не обладающей оригинальными эстетическими качествами и оставалась практически не исследованной.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.4.68087

Аннотация: Объектом рассмотрения в статье является предыстория формирования сино-европейского стиля живописи при дворе династии Цин. Ее предмет – социальные, исторические и культурные предпосылки появления нового стиля. Маньчжурская династия Цин, будучи пришельцами и завоевателями, была менее скована китайскими канонами в искусстве и более восприимчива к европейским влияниям. Но уже в предшествовавшую эпоху в изобразительном искусстве, в том числе и в живописи, проявляются элементы западных влияний, которые также анализируются автором в данной статье. Методами исследования являются общенаучные, а также частнонаучные методы и принципы: сравнительный принцип, принципы историзма, системного анализа, анализ и синтез, индукция и дедукция; социологический, искусствоведческий и семиотический подходы к анализу произведений изобразительного искусства. Основные выводы работы: маньчжуры, покорившие Китай, достаточно быстро «китаизировались» в области искусства. Существовали и предпосылки для формирования сино-европейского стиля в живописи уже при династии Мин. Завоеватели, как это ни парадоксально, во времена династии Цин создали условия для возникновения нового придворного китайского изобразительного искусства. Новизна исследования заключается в утверждении: при встрече двух культур возможно прогрессивное развитие изобразительного искусства высокого художественного значения даже покоренной страны, как это произошло в данном случае, хотя до недавнего времени живопись сино-европейского стиля считалась многими искусствоведами «некитайской», не обладающей оригинальными эстетическими качествами и оставалась практически не исследованной.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.5.9151

Аннотация: Известно, что в образной системе искусства ХХ столетия наблюдается тотализация проблем современного мира. В статье рассмотрены принципиально новые образы искусства ХХ века, возникшие в результате стремления многих художников, музыкантов, литераторов к эпатажу, оригинальности своих идей. Среди таковых – образ Ничто (тишина в музыке, одноцветные полотна без образной конкретики в живописи, нуля в литературе), гиперболизация неэстетичных на первый взгляд бытовых предметов и аксессуаров, господствующая в веризме, натурализме, дадаизме, реди-мейде, повышенная экспрессивность, спонтанность, возведенная в статус образа в таком знаковом жанре, как хэппенинг и т.д. Отмечается обязательное наличие художественного концепта в подобных произведениях, несмотря на факт их неоднозначной эстетической значимости и ценности. Рассмотрены примеры из наследия М. Дюшана, К. Малевича, А. Капроу, Р. Раушенберга, Э. Уорхолла, Д. Поллока, Д. Кейджа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.5.63371

Аннотация: Известно, что в образной системе искусства ХХ столетия наблюдается тотализация проблем современного мира. В статье рассмотрены принципиально новые образы искусства ХХ века, возникшие в результате стремления многих художников, музыкантов, литераторов к эпатажу, оригинальности своих идей. Среди таковых – образ Ничто (тишина в музыке, одноцветные полотна без образной конкретики в живописи, нуля в литературе), гиперболизация неэстетичных на первый взгляд бытовых предметов и аксессуаров, господствующая в веризме, натурализме, дадаизме, реди-мейде, повышенная экспрессивность, спонтанность, возведенная в статус образа в таком знаковом жанре, как хэппенинг и т.д. Отмечается обязательное наличие художественного концепта в подобных произведениях, несмотря на факт их неоднозначной эстетической значимости и ценности. Рассмотрены примеры из наследия М. Дюшана, К. Малевича, А. Капроу, Р. Раушенберга, Э. Уорхолла, Д. Поллока, Д. Кейджа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.6.10561

Аннотация: Эпатаж в искусстве ХХ века — явление повсеместное, противоречивое, заявленное в произведениях огромного числа художников, композиторов, поэтов и писателей, но не поддающееся, как правило, четкой классификации в связи с многообразием своих проявлений. В данной статье мы попробуем выявить типологию эпатажных в своей основе произведений искусства ХХ столетия с точки зрения соблюдения и отрицания языковых средств выражения, свойственных тому искусству, которому это произведение, собственно, и принадлежит. Основным методом статьи становится аналитическое рассмотрение закономерностей эпатажных произведений искусства ХХ века и синтез полученных результатов в виде представленной типологии. Эпатаж в искусстве ХХ века - проблема, до сих пор не получившая в искусствоведении комплексного осмысления. В статье предпринята попытка сопоставить ряд крупных образцов эпатирующего искусства в единой смыслообразующей типологии, то есть классифицировать их. Впервые в этом ракурсе анализируется ряд произведений В. Екимовского, С. Загния, Э. Брауна, Р. Хаубенщтока-Рамати, Д. Крама.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.6.64024

Аннотация: Эпатаж в искусстве ХХ века — явление повсеместное, противоречивое, заявленное в произведениях огромного числа художников, композиторов, поэтов и писателей, но не поддающееся, как правило, четкой классификации в связи с многообразием своих проявлений. В данной статье мы попробуем выявить типологию эпатажных в своей основе произведений искусства ХХ столетия с точки зрения соблюдения и отрицания языковых средств выражения, свойственных тому искусству, которому это произведение, собственно, и принадлежит. Основным методом статьи становится аналитическое рассмотрение закономерностей эпатажных произведений искусства ХХ века и синтез полученных результатов в виде представленной типологии. Эпатаж в искусстве ХХ века - проблема, до сих пор не получившая в искусствоведении комплексного осмысления. В статье предпринята попытка сопоставить ряд крупных образцов эпатирующего искусства в единой смыслообразующей типологии, то есть классифицировать их. Впервые в этом ракурсе анализируется ряд произведений В. Екимовского, С. Загния, Э. Брауна, Р. Хаубенщтока-Рамати, Д. Крама.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.18404

Аннотация: Статья посвящена творчеству одного из наиболее влиятельных и противоречивых личностей в истории музыки - американскому экспериментальному композитору ХХ века, музыкальному теоретику, писателю, художнику, пионеру в области алеаторики (случайности) в электроакустической музыке, нестандартном использовании музыкальных инструментов и первопроходцу в области электронной музыки, рассматривавшего фактор случайности и неопределённости как существенный и формообразующий элемент её сочинения, Джону Милтону Кейджу (5 09.1912- 12.08.1992). Одной из первых инструментальных акцией с использованием алеаторики и природных шумовых эффектов в его творчестве становится композиция «Water Music» («Музыка воды», 1952) для двух «препарированных» фортепиано с использованием радио, контейнеров для воды, колоды карт, палки, секундомера включающей звук воды как основной элемент её музыкальной составляющей и ставшей одной из тех композиций, которые принесли композитору мировую славу. Отвергая наиболее глубоко укоренившиеся композиционные принципы прошлого Кейдж переосмыслил и в существенной степени радикально предопределил экспериментальную практику музыкального состава, изменив ход современной музыки и сформировав новый концептуальный горизонт послевоенного искусства ХХ в. Автор рассматривает экспериментальное творчество композитора в качестве одной из наиболее радикальных попыток в истории музыки преобразования музыкальной ткани, расширения границ искусства музыки и использование нового звучащего материала для её создания. В работе используется философско – эстетический метод исследования, а методология я базируется на междисциплинарном понимании таких понятий как: принцип неопределённости, теория хаоса, стохастические (вероятностные) процедуры, «случайные операции» и др. Статья является первой наиболее полной исследовательской работой, посвящённой одной из наиболее оригинальных экспериментальных композиций Кейджа «Музыка на воде» и восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе посвящённой музыкальному искусству относительно многообразного творчества и личности композитора. В работе обосновывается тезис о том, создание Кейджем творческого метода, основанного на принципе управляемой случайности, идее единства жизни, природы и искусства, изобретение новых материалов и инструментов для создания и исполнения музыки, наряду с другими многочисленными теоретическими и инструментальными новациями, привело композитора к радикальному расширение звукового пространства и, по существу, к изменению самого предмета музыки.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.68266

Аннотация: Статья посвящена творчеству одного из наиболее влиятельных и противоречивых личностей в истории музыки - американскому экспериментальному композитору ХХ века, музыкальному теоретику, писателю, художнику, пионеру в области алеаторики (случайности) в электроакустической музыке, нестандартном использовании музыкальных инструментов и первопроходцу в области электронной музыки, рассматривавшего фактор случайности и неопределённости как существенный и формообразующий элемент её сочинения, Джону Милтону Кейджу (5 09.1912- 12.08.1992). Одной из первых инструментальных акцией с использованием алеаторики и природных шумовых эффектов в его творчестве становится композиция «Water Music» («Музыка воды», 1952) для двух «препарированных» фортепиано с использованием радио, контейнеров для воды, колоды карт, палки, секундомера включающей звук воды как основной элемент её музыкальной составляющей и ставшей одной из тех композиций, которые принесли композитору мировую славу. Отвергая наиболее глубоко укоренившиеся композиционные принципы прошлого Кейдж переосмыслил и в существенной степени радикально предопределил экспериментальную практику музыкального состава, изменив ход современной музыки и сформировав новый концептуальный горизонт послевоенного искусства ХХ в. Автор рассматривает экспериментальное творчество композитора в качестве одной из наиболее радикальных попыток в истории музыки преобразования музыкальной ткани, расширения границ искусства музыки и использование нового звучащего материала для её создания. В работе используется философско – эстетический метод исследования, а методология я базируется на междисциплинарном понимании таких понятий как: принцип неопределённости, теория хаоса, стохастические (вероятностные) процедуры, «случайные операции» и др. Статья является первой наиболее полной исследовательской работой, посвящённой одной из наиболее оригинальных экспериментальных композиций Кейджа «Музыка на воде» и восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе посвящённой музыкальному искусству относительно многообразного творчества и личности композитора. В работе обосновывается тезис о том, создание Кейджем творческого метода, основанного на принципе управляемой случайности, идее единства жизни, природы и искусства, изобретение новых материалов и инструментов для создания и исполнения музыки, наряду с другими многочисленными теоретическими и инструментальными новациями, привело композитора к радикальному расширение звукового пространства и, по существу, к изменению самого предмета музыки.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.20397

Аннотация: Исследовательский фокус направлен на анализ двух малоизученных портретов священнослужителя, игумена новгородского Антониева монастыря 20-х гг. ХХ века, Виссариона кисти лауреата Сталинской премии Петра Петровича Кончаловского. Целью является не только глубокое рассмотрение портретных произведений, но и расширение понимания творчества Кончаловского, не столько как художника цвета и формы, а как мастера цельных портретных образов, созданных в слиянии индивидуальной авторской живописи и русской национальной традиции в приверженности христианским духовным идеалам. Указываются особенности прочтения портретов представителями советского искусствоведения. Начиная с описания исторических данных создания, автор обращается к стилистическому, колористическому, технико-технологическому и композиционному анализу, результаты которого приводятся в параллельном сравнении картин. Особым вкладом автора представляется определение главенствующей роли мотива действия в построении образа духовного лица. Проводится параллель с триптихом М.Нестерова «Труды Преподобного Сергия», благодаря чему обнаруживается разница в поиске духовного идеала художниками-современниками. В результате исследователь приходит к выводу о замысле единого образа в изображении двух взаимодополняющих сюжетных действий, позволяющих через картинность решить портретные задачи. Представитель духовенства, по Кончаловскому , реальный человек, несущий в себе вневременные истины христианского служения независимо от трагического перелома 20-х годов. В заключении приводится уникальный феномен смелого экспонирования живописцем портретов настоятеля монастыря на собственных и международных выставках работ советских художников.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.68267

Аннотация: Исследовательский фокус направлен на анализ двух малоизученных портретов священнослужителя, игумена новгородского Антониева монастыря 20-х гг. ХХ века, Виссариона кисти лауреата Сталинской премии Петра Петровича Кончаловского. Целью является не только глубокое рассмотрение портретных произведений, но и расширение понимания творчества Кончаловского, не столько как художника цвета и формы, а как мастера цельных портретных образов, созданных в слиянии индивидуальной авторской живописи и русской национальной традиции в приверженности христианским духовным идеалам. Указываются особенности прочтения портретов представителями советского искусствоведения. Начиная с описания исторических данных создания, автор обращается к стилистическому, колористическому, технико-технологическому и композиционному анализу, результаты которого приводятся в параллельном сравнении картин. Особым вкладом автора представляется определение главенствующей роли мотива действия в построении образа духовного лица. Проводится параллель с триптихом М.Нестерова «Труды Преподобного Сергия», благодаря чему обнаруживается разница в поиске духовного идеала художниками-современниками. В результате исследователь приходит к выводу о замысле единого образа в изображении двух взаимодополняющих сюжетных действий, позволяющих через картинность решить портретные задачи. Представитель духовенства, по Кончаловскому , реальный человек, несущий в себе вневременные истины христианского служения независимо от трагического перелома 20-х годов. В заключении приводится уникальный феномен смелого экспонирования живописцем портретов настоятеля монастыря на собственных и международных выставках работ советских художников.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.6.16411

Аннотация: Предметом исследования является творчество известного американского композитора, музыкального теоретика, художника, пионера в области алеаторики (случайности) в электроакустической музыке Дж. М. Кейджа (5.09.1912 - 12.08.1992), автора знаменитого «подготовленного фортепиано» и не менее известной композиции «4'33» - пьесы музыкального молчания. Задуманное композитором в 1947-1948 гг., произведение и ставшее для Кейджа воплощением идеи о том, что любые звуки могут представлять и составлять музыку. Композитор развивал идею расширения пространства исполнения академических концертов за счёт использования природных звуков как элементов музыки, изменившей не только само понятие музыки, но и понятие музыкального материала. Музыкальные критики оценивали Дж. Кейджа как одного из самых влиятельных американских композиторов ХХ в. и как одну из ведущих фигур послевоенного авангарда. В работе используется философско - эстетический метод исследования многообразного творчества композитора, предоставляющий основание для оценки пьесы «4'33» по звуковому материалу одновременно и как образец музыки тишины и как пример музыки шумов и как алеаторическое произведение, поскольку её музыкальный контекст образует случайные элементы шумовой среды. Автор рассматривает экспериментальное творчество композитора в качестве одной из наиболее радикальных попыток в истории музыки преобразования музыкальной ткани, расширения границ искусства музыки и использование нового звучащего материала для её создания. Основным вкладом автора в исследование темы является то, что статья восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе посвящённой музыкальному искусству и эстетике музыки в отношении многообразного творчества и личности композитора.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.6.67062

Аннотация: Предметом исследования является творчество известного американского композитора, музыкального теоретика, художника, пионера в области алеаторики (случайности) в электроакустической музыке Дж. М. Кейджа (5.09.1912 - 12.08.1992), автора знаменитого «подготовленного фортепиано» и не менее известной композиции «4'33» - пьесы музыкального молчания. Задуманное композитором в 1947-1948 гг., произведение и ставшее для Кейджа воплощением идеи о том, что любые звуки могут представлять и составлять музыку. Композитор развивал идею расширения пространства исполнения академических концертов за счёт использования природных звуков как элементов музыки, изменившей не только само понятие музыки, но и понятие музыкального материала. Музыкальные критики оценивали Дж. Кейджа как одного из самых влиятельных американских композиторов ХХ в. и как одну из ведущих фигур послевоенного авангарда. В работе используется философско - эстетический метод исследования многообразного творчества композитора, предоставляющий основание для оценки пьесы «4'33» по звуковому материалу одновременно и как образец музыки тишины и как пример музыки шумов и как алеаторическое произведение, поскольку её музыкальный контекст образует случайные элементы шумовой среды. Автор рассматривает экспериментальное творчество композитора в качестве одной из наиболее радикальных попыток в истории музыки преобразования музыкальной ткани, расширения границ искусства музыки и использование нового звучащего материала для её создания. Основным вкладом автора в исследование темы является то, что статья восполняет всё ещё существующий теоретический пробел в русскоязычной научной литературе посвящённой музыкальному искусству и эстетике музыки в отношении многообразного творчества и личности композитора.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.6.20702

Аннотация: Предметом исследования являются теория и практика садового искусства Китая эпохи династии Мин (1368-1644), когда традиции садов достигла апогея своего развития. Объектом изучения служит трактат выдающегося практика и теоретика садового искусства Цзи Чэна (1582-1642?) «Юань е» («Устроение садов»), а так же сочинение прославленного литератора Вэнь Чжэньхэна (1585-1645) «Чжан у чжи» («О вещах, радующих взор»). Цель работы систематизация художественных приемов и анализ эстетических принципов, предопределивших национальное своеобразие феномена китайских садов. Искусствоведческая методология дополняется методами семиотики, герменевтики и культурологического анализа материала. Фрагменты трактатов даются в авторском переводе, предлагаются новые трактовки ключевых терминов. Исследование садовой традиции подтверждает характерное для китайского искусства единство теории и практики. Новизна полученных результатов заключается в уточнении содержания теоретических постулатов, наделяющих Человека правом активно преобразовывать Природу средствами ландшафтного искусства, что открывает перспективы для последующей корректировки понимания статуса Человека в китайской традиционной культуре в целом.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.6.68504

Аннотация: Предметом исследования являются теория и практика садового искусства Китая эпохи династии Мин (1368-1644), когда традиции садов достигла апогея своего развития. Объектом изучения служит трактат выдающегося практика и теоретика садового искусства Цзи Чэна (1582-1642?) «Юань е» («Устроение садов»), а так же сочинение прославленного литератора Вэнь Чжэньхэна (1585-1645) «Чжан у чжи» («О вещах, радующих взор»). Цель работы систематизация художественных приемов и анализ эстетических принципов, предопределивших национальное своеобразие феномена китайских садов. Искусствоведческая методология дополняется методами семиотики, герменевтики и культурологического анализа материала. Фрагменты трактатов даются в авторском переводе, предлагаются новые трактовки ключевых терминов. Исследование садовой традиции подтверждает характерное для китайского искусства единство теории и практики. Новизна полученных результатов заключается в уточнении содержания теоретических постулатов, наделяющих Человека правом активно преобразовывать Природу средствами ландшафтного искусства, что открывает перспективы для последующей корректировки понимания статуса Человека в китайской традиционной культуре в целом.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.6.21356

Аннотация: Предметом исследования является приходящийся на первую половину – середину XIX в. начальный этап активного знакомства русских зрителей с испанским искусством. Этот этап очень важен, так как именно тогда закладывались основные подходы к испанской живописи в формирующемся российском искусствознании. Автор анализирует оценки и восприятие испанского искусства со стороны литераторов, художников и первых ученых-искусствоведов. Из литераторов выбран В. П. Боткин, из художников К. П. Брюллов, из ученых - А. И. Сомов. Метод исследования состоит в сравнении оценок старой испанской живописи у разных авторов: представителей литературных кругов, художников и первых представителей формирующегося российского искусствознания. Основным выводом проведенного исследования является вывод о дискретности в изучении образов испанского искусства и его стилистики. В трудах такого крупного исследователя искусства, каким являлся А. И. Сомов, соединивший в своих исследованиях образно-эстетический и художественный подходы, чувствуется восхищение образной стороной испанской живописи и неудовлетворенность ее стилистическими особенностями. Понимания неразрывной связи одного с другим еще не было в русской науке об испанском искусстве этого времени.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.6.68505

Аннотация: Предметом исследования является приходящийся на первую половину – середину XIX в. начальный этап активного знакомства русских зрителей с испанским искусством. Этот этап очень важен, так как именно тогда закладывались основные подходы к испанской живописи в формирующемся российском искусствознании. Автор анализирует оценки и восприятие испанского искусства со стороны литераторов, художников и первых ученых-искусствоведов. Из литераторов выбран В. П. Боткин, из художников К. П. Брюллов, из ученых - А. И. Сомов. Метод исследования состоит в сравнении оценок старой испанской живописи у разных авторов: представителей литературных кругов, художников и первых представителей формирующегося российского искусствознания. Основным выводом проведенного исследования является вывод о дискретности в изучении образов испанского искусства и его стилистики. В трудах такого крупного исследователя искусства, каким являлся А. И. Сомов, соединивший в своих исследованиях образно-эстетический и художественный подходы, чувствуется восхищение образной стороной испанской живописи и неудовлетворенность ее стилистическими особенностями. Понимания неразрывной связи одного с другим еще не было в русской науке об испанском искусстве этого времени.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.6.21448

Аннотация: Предметом данной статьи являются Compagnie della Calza и их место в жизни Венецианской республики XV-XVI веков. Информация об Обществах Чулка практически отсутствует в отечественной научной литературе, между тем сведения о союзах молодых нобилей существенно дополняют картину культурной жизни Венеции эпохи Возрождения. Закономерность существования подобных объединений в Венеции XV—XVI веков объясняется тем, что они полностью вписываются в программу внутренней и внешней политики, направленной правительством Республики на поддержание венецианского мифа. В связи с малой изученностью венецианских Обществ Чулка статья носит междисциплинарный характер. Проведен анализ историографии, посвященной феномену Обществ Чулка. Впервые на русском языке автор рассматривает причины появления и характер деятельности данных «клубов по интересам «золотой молодежи». На основании изученных автором архивных документов, имеющих отношение к Обществам Чулка, выявлены новые направления для исследования сюжетов программных произведений искусства таких венецианских живописцев как Джентиле Беллини, Витторе Карпаччо, Джорджоне, Тициана и др.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.6.68506

Аннотация: Предметом данной статьи являются Compagnie della Calza и их место в жизни Венецианской республики XV-XVI веков. Информация об Обществах Чулка практически отсутствует в отечественной научной литературе, между тем сведения о союзах молодых нобилей существенно дополняют картину культурной жизни Венеции эпохи Возрождения. Закономерность существования подобных объединений в Венеции XV—XVI веков объясняется тем, что они полностью вписываются в программу внутренней и внешней политики, направленной правительством Республики на поддержание венецианского мифа. В связи с малой изученностью венецианских Обществ Чулка статья носит междисциплинарный характер. Проведен анализ историографии, посвященной феномену Обществ Чулка. Впервые на русском языке автор рассматривает причины появления и характер деятельности данных «клубов по интересам «золотой молодежи». На основании изученных автором архивных документов, имеющих отношение к Обществам Чулка, выявлены новые направления для исследования сюжетов программных произведений искусства таких венецианских живописцев как Джентиле Беллини, Витторе Карпаччо, Джорджоне, Тициана и др.

DOI: 10.7256/2454-0625.2014.4.12885

Аннотация: Предметом исследования является эстетическое воспитание как важнейший фактор в формировании эстетических представлений и системы ценностей современного человека. В настоящее время эстетическое воспитание находится в ситуации кризиса, обусловленного сменой ценностных ориентаций в современном обществе и фрагментацией культурного пространства, находящегося под влиянием как постмодернистских тенденций, так и тотальной информатизации. Необходимость эстетического аспект в становлении человека ХХ1 века не вызывает сомнений. Авторы данной работы предлагают свое видение и пути решения этой проблемы. В работе использованы такие подходы как анализ источников, диахронический подход к анализу развития различных систем эстетического воспитания, философско-культурологический подход к ряду культурных практик современности. Работа представлена в форме диалога, что дает возможность выразить различные точки зрения на проблему эстетического воспитания, на место эстетических представлений в системе ценностей современного человека. Диалог является важной формой философского дискурса, дающей возможности не только сопоставления точек зрения его участников, но и открытой дискурсивной формой, приглашающей к участию в обсуждению заявленных проблем заинтересованную аудиторию, создавая тем самым пространство полилога. Авторы предлагают создание новой модели эстетического воспитания, которая сочетала бы в себе как традиционные подходы и методики, разработанные в отечественной и мировой теории и практике, так и те культурные практики, которые востребованы в молодежной среде, но не получили институционального статуса.