Культура и искусство - рубрика История искусств

Аннотация: Статья посвящена анализу аллегорического портрета герцога Козимо I Медичи в виде Орфея, написанного художником Аньоло Бронзино. Выступая как образец влюбленного и как основатель орфизма, Орфей стал для Марсилио Фичино и его последователей символом мудреца, приобщающего людей к добродетельной и полезной для общества жизни. В статье высказывается предположение о воздействии на программу создания портрета диалога Платона «Пир». Флорентийский гуманист Козимо Бартоли рассматривается как возможный автор иконографии произведения.

Аннотация: Анализируется проблема чешской разновидности европейской сецессии. В статье рассмотрены особенности чешского искусства рубежа XIX- XX веков. Изучены особенности процесса сецессии в архитектуре, литературе, скульптуре и живописи . Проанализированы социальные, исторические и национальные факторы обусловившие особенности чешского искусства. Были исследованы основные этапы деятельности художественного общества «Манес» Problem of Czech variety of European secession is being analyzed. In article peculiarities of czech art of 19-20 century were described. Studied features of the process of secession in architecture literature, sculpture and painting. Social, historical and national factors which caused specials of Czech art were also analyzed.Main stages of “Manes company”activity were examined

Аннотация: Рассмотрены особенности развития эклектики как особого архитектурного стиля конца XIX – начала ХХ века. Особое внимание уделено проявлениям архитектуры эклектики в российской провинции, прежде всего, выявлению региональных различий в проявлении этого стиля. Выявлены общие тенденции стиля и достаточно четкие различия между отдельными губерниями, которые зависят главным образом от архитектурной ситуации, сложившейся в регионах к середине XIX века. Дана характеристика проявления подобных региональных различий для разных типов зданий и сооружений.

Аннотация: 2012 год – 100-летний юбилей одного из авангардных направлений в искусстве ХХ века, у истоков которого стоял Робер Делоне. Симультанеизм, родившийся на стыке искусства и науки, основанный на теории света и цвета французского химика Мишеля Эжена Шеврёля, вооружил людей искусства принципиально новыми выразительными средствами художественного языка и способами воздействия на зрителя. Эксперименты с симультанными контрастами и формами позволили передать иллюзию движения на картинной плоскости. Искусство фигуративное меняется на искусство трансформативное. Фернан Леже доказал своим фильмом «Механический балет», что принципы симультанеизма возможно использовать и в чёрно-белом кино. Он использовал такой тип монтажа, строящийся на быстром соединении неподвижных фрагментов, который в кинематографе получил название «симультанный монтаж». Данная статья имеет целью конкретизировать понятие симультанеизм и показать некоторые области его применения в искусстве.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.3.8677

Аннотация: Статья посвящена такому художественному направлению, имевшему место в первых десятилетиях ХХ века, как экспрессионизм. Ретроспекции в историю этого направления связаны с конференцией, посвященной одному из представителей экспрессионистского движения в Германии – Х. Вальдену и организованной Институтом искусствознания. Основной акцент в статье ставится на судьбе экспрессионизма в Советской Союзе. Несомненно, немецкий экспрессионизм здесь имел широкий резонанс и на некоторых художников оказал значительное влияние. Однако нельзя утверждать, что он получил здесь такой же широкий творческий размах, как в Германии. Автор пытается понять, почему экспрессионизм явился в большей степени выражением немецкого и в меньшей степени русского духа. Такая постановка вопроса позволяет поставить вопрос о несходстве двух уникальных культур – русской и немецкой. Будучи во многом несхожими, эти культуры, однако, имеют и много общего, что и пытается выявить автор данной статьи.

Аннотация: Статья посвящена взаимоотношениям, складывающимся сегодня между бурно развивающейся наукой о культуре и искусствоведческими дисциплинами, в частности историей искусства. Констатируя кризис современной исторической науки (как и истории искусства) как субдисциплины искусствознания, автор пытается вернуться к плодотворному методологическому тезису историка искусства И. Грабаря, согласно которому история искусства является вместе с тем и историей культуры. По мнению автора, этот тезис сегодня дает ориентиры для историков, но и требует углубления в методологические вопросы.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.3.8113

Аннотация: в статье рассматривается историография изучения восприятия русскими путешественниками второй половины XVIII века западноевропейского искусства (на примере рапортов пенсионеров Академии художеств) параллельно с обозначением этапов русского искусствознания с середины XIX века до наших дней. Дается деление всех русских путешественников второй половины XVIII века на группы по уровню осведомленности в искусстве и сословной принадлежности. Освещаются этапы знакомства с западноевропейским искусством во время путешествия: заочное знакомство дома, формирование художественного сознания, непосредственное восприятие, осмысление, подтверждение или пересмотр знаний с учетом приобретенных впечатлений. Сравнительный анализ искусствоведческих трудов по обозначенной теме и путевых журналов пенсионеров дает представление об изученности вопроса и обозначает направления дальнейших исследований.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.9.24372

Аннотация: В храмовых программах романской эпохи широко распространена репрезентация композиции «Господь во славе» в порталах и апсидах соборов и маленьких приходских храмов. Композиция эта может являться частью более масштабной иконографической схемы или весьма лаконично занимать все отведенное под скульптуру или живопись пространство тимпана портала или конху апсиды. Предметом исследования данной работы являются структура и символические значения композиции «Господь во славе» в западноевропейской храмовой декорации XI-XII веков. Объектом исследования становятся репрезентации данной композиции в различных западноевропейских памятниках указанного периода. Основным методом исследования в данной работе стал метод иконографического анализа, предполагающий сопоставление программы самих памятников и связанных с ними текстов Св. Писания, текстов мессы и литургических манускриптов. Новизна работы заключается в выявлении литургического символизма данной композиции применительно к конкретным рассматриваемым объектам и включения его в общую интерпретационную картину для каждой программы. Это позволяет добиться более глубокого понимания визуального языка романской храмовой декорации в целом, и каждой конкретной программы в частности. В результате проведенного исследования сделан вывод, что использование иконографической схемы «Majestas Domini» в храмовых программах, по крайней мере, начиная с каролингской эпохи, не только символически каждый раз изображает начало евхаристической молитвы, но также становится ключом для понимания сложных иконографических программ, связанных непосредственно с визуальной репрезентацией проповеднических тем.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.4.37895

Аннотация: Обьектом настоящего исследования являются репрезентации сюжета рыцарского романа «Ивейн или Рыцарь со львом» в западноевропейском искусстве XIII-XIV вв. Предметом исследования являются особенности визуального языка светского средневекового искусства, проявившие себя в различных визуальных репрезентациях данного сюжета. Целью настоящей работы было выявить сходство и отличие в структуре различных иконографических программ, созданных на основе данного романа в рассматриваемый период, проанализировать зависимость визуальной интерпретации текста от функционального назначения памятника (иллюминированных рукописей и монументальных росписей), а также сопоставить существующие визуальные репрезентации истории Ивейна со структурой самого литературного сюжета. Основными методами исследования в данной работе стали методы иконографического и иконологического анализа, предполагающие выявление взаимосвязей между образами иконографической программы памятников и литературными сюжетами, на которых эти программы основаны. Новизна работы заключается в выявлении структурных особенностей иконографических программ рассматриваемых памятников, их сходства и отличия от программ религиозного содержания рассматриваемой эпохи, что важно для понимания общей картины развития визуального языка западноевропейского средневекового искусства XIII-XIV веков. В результате проведенного исследования сделан вывод, что рассмотренные светские программы значительно уступают по своей структурной сложности программам религиозного характера, в большинстве своем представляют визуальную интерпретацию сюжета, предназначенную для демонстрации и прославления традиционного образа жизни рыцарского сословия и развлечений, и лишь одна из рассмотренных иконографических программ указанного периода, имеет усложненную структуру, наиболее близкую к базовому литературному сюжету и может быть рассмотрена, также как и сам текст поэм Кретьена де Труа и Гартмана фон Ауэ, в контексте понимания его религиозной основы.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.9.27316

Аннотация: Предметом исследования являются художественные особенности получившей распространение во второй половине XVIII в. в России профильной портретной миниатюры в стиле античной камеи в творчестве миниатюриста Августина Христиана Ритта (1765-1799). Объектом исследования являются исполненные мастером портретные миниатюры, стилизованные под античные камеи при помощи живописных средств. Автором предпринята попытка наиболее полного изучения и анализа такого явления как миниатюра-камея в творчестве А. Х. Ритта и выявление особенностей его творческой манеры. В целях раскрытия темы автор использует многоаспектный анализ с применением формально-стилистического, сравнительно-типологического и иконографического методов. В процессе исследования автор пришел к следующим выводам. Используя правила создания изображения в камейной манере и знания, полученные во время обучения в Антверпене и Париже, мастер сформировал свой особый узнаваемый стиль, заключающийся в имитации цветов минералов, передачи их многослойности и создании иллюзии объемного изображения. Моделей художник изображает достаточно натуроподобно, а также вносит в произведения сентиментальные и предромантические черты, передавая настроение и эмоциональное состояния портретируемых, представляя их в образе героев современности. Особым вкладом автора в исследование темы является уточнение атрибуций нескольких миниатюр и их дополнения. Новизна исследования обусловлена стремлением наиболее полного рассмотрения миниатюры-камеи и манеры ее исполнения в творчестве А. Х. Ритта.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.4.35467

Аннотация: Рассматривая женский портрет эпохи рубежа XIX – XX веков, стилистически принадлежащий к «салонной» линии живописных портретов русского модерна, авторы статьи анализируют два портрета художников объединения «Мир искусства» - портрет Елены Олив работы Константина Сомова (1914, ГТГ) и Марины Маковской Александра Головина (1912, ГРМ). Оба портрета относятся к сериям женских портретов, выполненных Константином Сомовым и Александром Головиным в начале 1910-х годов. Общий круг заказчиков (заказчиц) художников, похожие форматы работ, композиционные и стилистические приёмы позволяют сравнить выбранные портреты и найти некоторое концептуальное сходство. Выявляя стилистические, формальные и концептуальные закономерности обеих работ на фоне созданных художниками серий похожих портретов, авторы обнаруживают, что общепринятый критерий «психологизма» образов в оценке этих произведений неприменим. Женский портрет эпохи модерна оказывается репрезентативным, создающим "стильные" образы современниц, отвечающим вкусам заказчиков и настроениям Belle Epoque, но практически не ориентированным на личностную характеристику и психологизм образа в традиционно понимаемом смысле. Исследователи обнаруживают однако в рассматриваемых портретах обобщения и характеристики, иным способом и в другом ракурсе раскрывающие психологию изображенных моделей и объемно конструирующие женский образ рубежной эпохи: феномен "скрытого психологизма", перспективы изучения которого в портрете модерна открывает настоящая работа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2024.4.70404

Аннотация: Предметом исследования данной статьи является изучение творчества известного китайского мастера народных ремесел Ку Шулань (1920-2004), которая демонстрирует тенденции современного развития китайского народного искусства вырезания из бумаги (цзяньчжи). Мастер является автором уникальной техники вырезания из бумаги, основанной на традиционной технологии создания изображений из бумаги. Особое внимание в исследовании уделяется анализу коллажной техники Ку Шулань, выявлению ее творческого метода, особенностей технологического процесса, формально-стилевого и образно-символического наполнения вырезанных картин. Важное место уделяется тесной взаимосвязи жизненного пути художницы и создаваемых ею образов. В работе выполнен анализ одной из самых известных работ Ку Шулань «Богиня вырезания из бумаги», который демонстрирует характерные черты ее авторского стиля. Ключевыми методами, применяемыми в данном исследовании, стали историко-культурный, историко-сравнительный и историко-биографический, позволившие показать творчество Ку Шулань в контексте традиционного искусства цзяньчжи. Также для исследования творческого метода Ку Шулань и выявления образно-символической специфики рассматриваемой работы применялись формально-стилевой и семиотический анализ. Новизна исследования заключается в том, что проведен детальный анализ технологического процесса создания произведений по методу Ку Шулань, вскрывающий специфику ее работы с техникой цзяньчжи и сам творческий метод. Выявлено образное и семиотическое пространство работы «Богиня вырезания из бумаги». В работе проясняется символическое значение китайской вырезки из бумаги, отражающее широту и глубину традиционной китайской культуры. Ку Шулань на основе традиционной техники вырезания из бумаги создала свою технологию - добавила коллаж, вырезание, склеивание и подкладку, объемность и многоуровневость композиции, обогатила цветовую палитру открыв тем самым новые возможности для развития искусства цзяньчжи. Установлена прямая взаимосвязь появления буддийской символики в работах Ку Шулань религиозными воззрениями. Основным выводом проведенного исследования является то, что в контексте современной глобализации искусство вырезания из бумаги Ку Шулань выступает в качестве богатого источника идей по сохранению, развитию и популяризации народного искусства цзяньчжи как в самом Китае, так и в мире.

DOI: 10.7256/2454-0625.2023.12.69175

Аннотация: Объектом исследования является деревянная иконостасная скульптура XVIII века из собрания Слободского музейно-выставочного центра. Предметом исследования – являются особенности резьбы иконостасной деревянной скульптуры XVIII века, выполненные мастерами Великого Устюга, а также местными ремесленниками под их влиянием. Цель работы – атрибуция и введение в научный оборот уникальных образцов иконостасной деревянной скульптуры – четыре фигуры ангелов из собрания Слободского музейно-выставочного центра. В работе сделано предположение о источнике поступления и происхождении скульптуры, а так же проведен сравнительный анализ с Великоустюжской и пермской иконостасной резьбой и деревянной пластикой. Деревянная иконостасная скульптура, сохраняя традиции русского православного искусства, вбирает в себя черты европейского искусства, при этом, соответствует народному искусству и отражает черты стиля барокко в местных локальных вариантах. Методология работы опирается на принцип стилистического и технологического анализа в искусствоведении, а также принцип историзма в изучении деревянной пластики в контексте развития искусства Русского Севера. Научная новизна исследования состоит в том, что вводится в научный оборот четыре памятника деревянной пластики XVIII века из собрания Слободского музейно-выставочного центра, сделано их подробное описание и стилистический анализ. Две парные фигуры ангелов находились в иконостасе и держали раму с Распятием, были выполнены устюжскими мастерами в первой половине XVIII века. Две другие фигуры ангелов в молении, выполнены местными мастерами в конце XVIII века, под влиянием устюжских мастеров. Исследование расширяет визуальный ряд и подтверждает мнение историков, что север Вятской губернии находился в тесном контакте с Великим Устюгом, что нашло отражение в оформлении церковных интерьеров, в том числе резном убранстве иконостасов. В дальнейшем изучение коллекции церковного искусства музея г. Слободского позволит восстановить историю развития ремесла резьбы иконостасов, выявить их стилистические особенности и сделать реконструкции интерьеров храмов для экспозиции музея.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.2.37509

Аннотация: Предметом исследования является реакция художников Колумбии на события, произошедшие в стране 9 апреля 1948 года и явившиеся одной из важнейших вех современной истории Колумбии и истории искусства этой страны. В тот день мирная Богота была вовлечена в беспрецедентное в колумбийской истории гражданское восстание, последствия которого повлияли на все сферы жизнедеятельности колумбийского общества. Для искусства это восстание также стало переломным моментом в его развитии. Изменения произошли во всех областях изобразительного искусства: появилась выраженная социальная проблематика, произошел разрыв с академизмом и, конечно же, начиная с событий Боготасо получила свое яркое выражение критическая позиция художников по отношению к явлениям социально-политической жизни Колумбии. В настоящей работе анализируются картины ключевых художников истории колумбийского искусства: Энрике Грау и Алехандро Обрегона. Рассматриваемые произведения отражают события судьбоносного для страны дня 9 апреля 1948 г., по-своему интерпретируя факты этой трагедии, и утверждают важность социально-критической позиции художника в обществе. Методологически это работа с комплексным подходом, включающим культурно-исторический, иконографический, художественно-стилистический анализ произведений. Новизна исследования заключается в изучении реакции художников на политические и социальные репрессии в Колумбии, а также в изучении головокружительных политических и социальных перемен, произошедших после событий Боготасо в 1948 г. и повлиявших на развитие «критического искусства» Колумбии вплоть до наших дней.

DOI: 10.7256/2454-0625.2023.12.41049

Аннотация: В данной статье автором проводится анализ португальской колониальной архитектуры в странах Южной Азии в период с XVI по XVIII вв. Автор рассматривает военную, гражданскую и культовую архитектуру, построенную португальцами во время своего присутствия в южно-азиатских колониях. Особенное внимание уделено португальской колониальной архитектуре Индии (в особенности Гоа) и Макао. Также рассматриваются строения в Сингапуре, Таиланде, Малайзии и пр. бывших колониях Португалии в Южной Азии. Автор изучает процесс формирования и особенности особого португальского колониального стиля в военной (фортификационной), гражданской и религиозной (культовой) архитектуре. Выявляются особенности в проектировке, отделке, а также строительных материалов зданий. Новизна исследования заключается в том, что впервые были комплексно рассмотрены образцы португальской колониальной архитектуры в Южной Азии и их архитектурные особенности. Основными выводами данного исследования являются следующие. Во-первых, с одной стороны, европейская архитектурная традиция обогатила культуру южно-азиатского региона. При этом разные типы строений показывают разную степень влияния. Во-вторых, с другой стороны, португальская колониальная архитектура в Южной Азии сама претерпела значительные изменения под влиянием локальных культурных и климатических факторов. Многие изменения, внесенные в классические европейские конструкции зданий, были продиктованы погодными и климатическими особенностями местности. Выбор материала был продиктован климатическими и геологическими особенностями. Также культура местных цивилизаций оказывала влияние и на отделку и декор португальских сооружений.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.1.24968

Аннотация: Предмет статьи образует рассмотрение иконографии и интерпретация художественного содержания фрескового цикла Джованни Антонио Фазоло на вилле Кальдоньо, близ Виченцы, выполненного после 1565 года. Его трактовка основана на сопоставлении представленного сюжетного материала с описаниями загородной жизни в сельскохозяйственных трактатах второй половины XVI века: сочинениями Агостино Галло «Десять дней истинного земледелия и радостей виллы» (Брешия, 1564), Джузеппе Фальконе «Новая, прелестная и приятная вилла» (Брешия, 1559) и Альберто Лоллио «Письмо в похвалу виллы (Венеция, 1544). Оно позволяет точнее установить значение отдельных бытовых мотивов, а также понять, каким был в глазах эпохи глубинный этический смысл загородного существования. Новизна научного метода состоит в подборе показанным у Фазоло жанровым сценам иконографических параллелей, как в текстовых, так и визуальных источниках в искусстве и литературе античности и Возрождения, которые раскрывают значение идеи загородной жизни как достойной благородного человека. Автор впервые прослеживает истоки творческого замысла цикла росписей в Кальдоньо, обнаруживающиеся в предшествующей художественной традиции венецианского искусства и проливающие свет на его семантику. Исследовательский итог работы состоит в том, что наряду с уточнением отдельных смысловых аспектов каждого отдельного сюжета удается выявить содержательную основу всего цикла, которую составляет утверждение идеи виллы как формы гармоничного устройства мироздания, высшим воплощением которой служит царящий на ней жизненный распорядок. Увиденные в таком ракурсе, сцены времяпрепровождения на вилле воспринимаются в качестве основополагающей нормы жизненного бытия, наиболее подобающей человеческой природе.

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.11.31584

Аннотация: Статья посвящена двум крупнейшим фигурам мирового искусства 1950–1960-х гг. — абстрактному экспрессионисту, представителю «живописи действия» Джексону Поллоку и художнику следующего поколения, первопроходцу энвайронмента Аллану Капроу. Исходя из того, что рубеж 1950-х и 1960-х гг. рассматривается как переломная для искусства модернизма эпоха, в статье анализируется художественный метод Поллока и Капроу, а также социальный аспект их творчества, чтобы выявить точки сходства и расхождения в их практике. Критические и теоретические тексты, привлекаемые в статье, включают труды Клемента Гринберга, Майкла Фрида, Ива-Алана Буа, а также ряд работ самого Аллана Капроу, который известен не только как художник, но и как теоретик новых художественных практик 1960-х гг. — ассамбляжа, энвайронмента, хэппенинга. Новизна исследования заключается в том, что в центре внимания находится не переведённый на русский язык и малоисследованный текст Аллана Капроу «Наследие Джексона Поллока» (1958). В рамках модернистского дискурса творчество Джексона Поллока рассматривается как вершина «самоочищения» авангардной живописи и претворения принципа медиум-специфичности. Однако некоторые аспекты творчества Поллока сыграли значительную роль для художественных практик 1960-х гг., которые стремились порвать с абстрактным экспрессионизмом. Обращение к этим аспектам — перформативности живописи Поллока, его представлению о живописной форме, формату его холстов и пространственному измерению его полотен — помогает выявить преемственность между противоборствующими тенденциями искусства 1950–1960-х гг. и раскрыть роль Джексона Поллока как важнейшей переходной фигуры на изломе модернизма.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.1.36775

Аннотация: Предметом исследования является тема насилия в колумбийском искусстве как отражение политических и социальных конфликтов в стране. Политические, экономические и социальные проблемы в истории Колумбии XX в. настолько тесно переплетаются, что в результате возникает сложная взрывоопасная ситуация государственных переворотов и террора, не могущая не повлиять на разные виды искусства страны и остаться не замеченной представителями культурной элиты. Конфликт, тянущийся с начала XX века, отражается как в колумбийской архитектуре, так и в произведениях большинства колумбийских живописцев. Причем отражается прямо противоположным образом как выражение поправения и отдаления от избирателей в архитектуре и с критической точки зрения в живописи. В качестве примера изменений в архитектуре в статье анализируются проекты Дворца Правосудия. Тенденции в изобразительном искусстве раскрыты на творчестве Беатрис Гонсалес и Дорис Сальседо. Особое место в их работах нашло одно из центральных событий политической и социальной истории Колумбии XX в. - штурм Дворца Правосудия в 1985 г. Новизна статьи заключается в использовании сравнительного метода анализа. В первый раз на русском языке проводится параллель между архитектурными изменениями в проектах Дворца правосудия в Боготе и влиянием, которое события 6 и 7 ноябре 1985 года оказали на живопись Колумбии. Для изучения этого влияния рассмотрены работы двух известных колумбийских художников, чье творчество глубоко затронули события ноября 1985. В статье показано, что разные виды искусства по-разному реагируют на политические и социальные пертурбации, происходящие в стране. Причиной чего оказываются различия, связанные с дифференциацией политико-социального заказа в разных видах искусства.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.3.33322

Аннотация: Предмет исследования – творчество в настоящее время мало известного фламандского живописца Яна Филипа ван Тилена, в XVII в. прославленного создателя картин с цветочными гирляндами. В российской историографии имя этого художника оказалось несправедливо забытым, хотя его картины входят в собрания российских музеев. Но и в западной историографии популярность этого мастера стала расти только в последние десятилетия. Особое внимание в статье обращено на произведения, выполненные Ван Тиленом в разных жанрах (религиозной картины, портрета, мифологической истории) и обрамленные цветочной гирляндой, акцентирующей и символически комментирующей и дополняющей центральные образы. Методы, использованные в работе, следующие: источниковедческий, иконографический, художественного и стилистического анализа. Научная новизна публикации заключается в ратификации искусства в свое время очень известного, а ныне практически забытого живописца Яна Филиппа ван Тилена, доказательстве того, что Ян Филип ван Тилен действительно был одним из наиболее популярных художников-цветочников во Фландрии, а его покровителями и заказчиками были такие высокопоставленные аристократы, как Диего Фелипес де Гусман, первый маркиз Леганес (1580–1655), и Леопольд Вильгельм Австрийский (1664–1662), оба любители искусства и меценаты. Результаты исследования показывают, что Ян Филип ван Тилен писал разные виды картин с цветочными гирляндами. В искусстве Фландрии XVII в. он с большим успехом продемонстрировал красоту гирлянд и возможность их использования для усиления религиозного или морализаторского смысла центральных образов. Его работы широко выставляются не только в музеях, но и в аукционных домах, что еще раз доказывает, что он занимает важное место в живописи XVII в.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.7.33907

Аннотация: Предметом исследования является фламандская живопись XVII в. в духовном и культурном контексте контрреформации, созданием ярких, декоративных и красочных религиозных образов стремящейся противостоять иконоборческим тенденциям движения реформации. Объектом изучения служат фламандские картины эпохи барокко XVII в. с цветочными гирляндами, окаймляющими центральное изображение Мадонны. Особое внимание автор обращает на разнообразие иконографических схем образа Девы Марии в цветочной гирлянде, получившего в живописи барокко особое распространение. Одни художники пользуются схемой "картины в картине", другие имитируют скульптуру, цвет которой оттеняет яркость гирлянд. В работе использованы такие методы, как иконографический, иконологический, метод художественно-стилистического анализа. Научная новизна работы заключается в доказательстве того, что Дева Мария появляется в живописи не только как самостоятельное изображение, но и в картинах цветочных гирлянд.Результаты исследования показывают, что в XVII веке художники использовали разные иконографические схемы для создания образа Девы Марии. Мастера умели сочетать друг с другом разные виды цветов, добиваясь гармонии цветочных мотивов и уравновешивая их с изображением Мадонны. Художникам удалось показать красоту цветочных гирлянд, добавив в картины различных живых существ, таких, как птицы и животные, чтобы тема выглядела более красочной, мирной и яркой. Благодаря этим произведениям мы можем убедиться в том, что в XVII в. образ Мадонны оставался необычайно почитаемым.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.12.35556

Аннотация: Предмет исследования ‒ тема насилия в Колумбии в творчестве колумбийского художника Фернандо Ботеро, главным образом в его произведениях конца XX века. Обращено внимание на выявление предпосылок к появлению темы насилия в живописи Ботеро, для чего анализируется косвенное присутствие обозначенной темы в творчестве автора с самого начала его карьеры, исследовано зрелое и позднее творчество Ботеро. Показано, что художник подходил к отражению темы насилия с разных точек зрения, изображая массовые убийства, пытки, смерть и принудительное перемещение. Для подготовки данной публикации использовался метод, основанный на иконографическом анализе произведений мастера, а также метод художественно-стилистического анализа. Научная новизна работы заключается в анализе темы, актуальной для культуры и истории латиноамериканской страны, раскрытой в творчестве художника, который на протяжении всей своей карьеры дистанцировался от понимания искусства как сопротивления. Среди сделанных выводов можно отметить мысль о том, что работы Ботеро можно назвать формой фиксации кровавой истории страны, без стремления со стороны их автора придерживаться какой-либо политической или партийной идеологии. Манера, используемая Ботеро для реализации серии "Насилие в Колумбии" - та же, к которой художник обращается на протяжении всей своей карьеры, что приводит к искажению и карикатурности художественной формы, в соединении с трагизмом сюжетов усугубляющей драматичность звучания выбранных тем. Работы Ботеро конца века имеют неоценимую культурную ценность для Колумбии.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.11.37314

Аннотация: Предметом исследования является оформление иезуитской Церкви святого Павла в Макао, построенной в 1602-1640 гг. План и конструкция храма типичны для иезуитских церквей Европы, но убранство отличается самобытностью, в чем проявилась новая стратегия иезуитов. В центре внимания публикации оказывается декор сохранившегося западного фасада, сочетающий как европейские христианские символы и образы, так и китайские и японские. В статье показано, как через привычный местному населению изобразительный ряд иезуиты внедряли в сознание жителей христианскую доктрину, добиваясь ее скорейшего распространения. Проект церкви принадлежит европейским мастерам, а над убранством работали местные скульпторы. Новизна исследования заключается в рассмотрении не только исторических аспектов расширения влияния Иезуитского ордена на территориях Дальнего Востока в целом, в Китае и в Макао в частности, но и аспектов художественных, что важно, так как искусство являлось для иезуитов важным инструментом в деле пропаганды христианства, особенно в эпоху Контрреформации, после Тридентского собора. Основной вывод исследования заключается в том, что фасад-ретабло Церкви св. Павла в Макао является своего рода доктринальным синтезом в камне: через изображения и надписи на китайском и латинском языках местным жителям передаются знания о католической доктрине и основах христианского учения.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.7.26847

Аннотация: Предметом исследования является рассмотрение современных тенденций в изучении портретной живописи XVIII века на фоне длительной истории отечественной науки о русской культуре указанного периода. В роли объекта выступают многочисленные монографии, относящиеся к различным направлениям гуманитарных наук: исследования по истории искусства, истории философии, семиотике, эстетике и антропологии, которые позволяют не только представить отдельные труды по изучению портретного искусства в широком междисциплинарном контексте, но и продемонстрировать разнообразие их методологических установок. Применение сравнительно-исторического метода и конкретного анализа историографии дает возможность как определить основные этапы отечественного искусствознания, так и выявить ключевые подходы и проблемы в трудах ученых разных поколений. Внимательное рассмотрение монографий позволяет сделать вывод о преемственности научной проблематики в искусствоведческой и философской традиции, которые отличаются особым интересом к исследованию роли и мироощущения человека в культуре. Научная новизна заключается в выявлении плодотворного взаимодействия истории философии и истории искусства в рассмотрении антропологической проблемы на современном этапе, что способствует расширению методологического аппарата в изучении портретной живописи XVIII столетия и становится перспективным направлением для будущих исследований.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.10.23314

Аннотация: Статья посвящена анализу рейографи Ман Рэя, художника американского происхождения. В 1920-х годах абстрактная изобразительность rayography (рейография, исторически известна как фотограмма) оказалась в оппозиции к «прямой фотографии», провозгласившей примат фотореалистического языка, а так же к «пикториализму», направлению, разрушавшему документальность при помощи особых манипуляций, превращающих фотографию в картину. Эксперименты Ман Рэя позволили ему занять позицию ведущего фотографа модернизма, а так же получать заказы от самых известных иллюстрируемых журналов: Vanity Fair, Vogue, Vu, Harper’s Bazaar. Рейография Ман Рэя действительно стала синонимом того, что сегодня называется медийным искусством, где медийность подразумевает проводимость субъективности художника вне зависимости сфер его деятельности. В качестве основного метода изучения материала был использован формально-стилевой анализ. Помимо этого применялся проблемно-логический метод, позволивший разделить тему на ряд более узких аспектов, которые рассматривались в логической последовательности, а затем в соответствии с общим контекстом исследования, были выведены основные концептуальные положения статьи. Новизна выводов связана ракурсом исследования: рейография рассатривается не только как оригинальное авторское произведение, но и как художественный бренд, успешно функционирующий в качестве определенной культурной политики фотографа. Изобретение рейографии Ман Рэем во многом связанно с освоением стратегий массовой культуры (что в свою очередь проистекает из дадаистического опыта художника) и, в определенной степени, с его американским происхождением, предполагающим явное преобладание прагматизма над идеализмом. Ман Рэй вывел фотографию далеко за пределы ее репрезентативных возможностей, превратив формалистические эстетические практики во вполне успешный коммерческий продукт.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.6.35754

Аннотация: Актуальность данной статьи заключается в том, что дизайн, как феномен проектной деятельности, является одной из передовых областей проектной культуры XXI в., но несмотря на это в современной художественно-проектной деятельности можно наблюдать гендерное неравенство в реализации творческих проектов. Это противоречит заявленному европейским обществом равноправию. Похожая ситуация существовала с самого зарождения дизайна, как особой сферы человеческой деятельности. Рассмотрение данного вопроса с культурологической, культурно-исторической стороны позволит выявить структурную взаимосвязь между заявленными принципами и действительностью гендерной политики в области дизайна. Целью данной работы является освещение и систематизация основного вклада женщин художников, художников — проектировщиков Баухауса в развитие дизайна в целом. Объектом исследования является гендерная политика школы Баухаус. Предметом исследования является художественная, ремесленная и художественно — проектная деятельность женщин студенток и преподавателей школы Баухаус. Авторы рассматривают Баухаус в социокультурном аспекте гендерной политики, выявляют личности женщин, анализируют и структурируют их вклад в развитие искусства. Рассмотрев школу Баухаус в социокультурном аспекте гендерной политики авторы выявили, что несмотря на заявленное гендерное равноправие женщины были ограничены в своей деятельности и правах. На основании полученных данных авторами была выявлена зависимость женского образования в Баухаусе, во — первых, от курса школы, диктуемого руководством, во — вторых, от политических и экономических процессов, происходящих в то время в стране и в мире в целом. Авторы осветили личности женщин Баухауса, таких как Гунта Штёльцль, Анни Альберс, Марианна Брандт, Гертруда Арндт, а также выявили их роль в формировании дизайна как внегендерной профессии.

Аннотация: в 2012 г. исполняется 100 лет симультанеизму — одному из авангардных направлений в искусстве ХХ в., у истоков которого стоял Р. Делоне. Родившийся на стыке искусства и науки, основанный на теории света и цвета французского химика М. Э. Шеврёля, симультанеизм вооружил людей искусства принципиально новыми выразительными средствами художественного языка и способами воздействия на зрителя. Эксперименты с симультанными контрастами и формами позволили передать иллюзию движения на живописной плоскости. Искусство фигуративное меняется на искусство трансформативное. Фильмом «Механический балет» Ф. Леже доказал, что принципы симультанеизма возможно использовать и в черно-белом кино. Он использовал такой тип монтажа, строящийся на быстром соединении неподвижных фрагментов, который в кинематографе получил название «симультанный монтаж». Данная статья имеет целью конкретизировать понятие симультанеизма и показать некоторые области его применения в искусстве.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.8.36414

Аннотация: Предметом исследования являются тематико-иконографические направления негативной трактовки образа анархиста в печатной культуре рубежа XIX-XX вв. Объектом исследования служат графические работы, опубликованные в периодике разных идеологических направлений и посвященные представлению образа анархиста. Выделяются и описываются три основные направления подобной трактовки, а именно преступник-террорист, психически больной и иммигрант, иконографические особенности которых анализируются в свете социально-политических и историко-культурных условий каждого определенного контекста. Среди рассмотренных публикаций следует упомянуть: L’Assiette au beurre, Le Petit Journal (Франция), Freie Jugend (Германия), Het Volk (Нидерланды), La Obra, El Peludo (Аргентина), Star (Новая Зеландия) и The Washington Post (США). Научная новизна работы состоит в том, что впервые в современном искусствоведении рассматривается и анализируется процесс формирования негативного архетипа анархиста на основе его графической репрезентации. Таким образом, создаётся методологическая база для изучения видов классификации образа анархиста. Методы, использованные в работе, следующие: источниковедческий, иконографический, художественный и стилистический анализ. Результаты исследования раскрывают специфику одной из трактовок образа анархиста рубежа XIX-XX вв., имеющей свои корни как в правой, так и левой политических тенденциях, чьи подходы к анархизму опираются на социально-правовые и медицинские науки, среди которых выделяется криминология. Последняя во главе с Чезаре Ломброзо играла первостепенное место в мифологизации, действующей по сей день, образа анархиста как носителя хаоса.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.4.35248

Аннотация: Аннотация: статья посвящена актуальной искусствоведческой проблеме и позволяет выявить степень влияния традиций советской академической искусствоведческой школы на художественное образование Китайской Народной Республики. Основополагающая роль в данном процессе принадлежит китайским студентам, обучавшимся в 1950-1960-е гг. в Ленинградском государственном институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина Академии художеств СССР, а также их преподавателям и научным руководителям. В статье проанализированы стенографические материалы государственной аттестации четырех китайских студентов Факультета теории и истории искусств, которые защитили работы в 1959 и 1960 гг. Новизна исследования заключается в том, что ранее не использованные в научном обороте материалы Научного архива Российской академии художеств, в частности, работа со стенографическими материалами государственной аттестации выбранных студентов, поспособствовали пониманию некоторых особенностей искусствоведения и художественного образования Китайской Народной Республики, выявлению традиции советской школы искусствоведения и ее влиянию на китайское образование на рубеже 1950-1960-х гг. Впоследствии китайские выпускники Ленинградского института имени И. Е. Репина стали продолжателями традиций советской искусствоведческой школы, и своей профессиональной деятельностью в КНР заложили основу для обучения грядущих поколений работников искусства. На основании проанализированного материала можно выделить несколько актуальных направлений советской школы, повлиявших на развитие китайской искусствоведческой науки.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.11.27984

Аннотация: Объектом рассмотрения данной статьи является один из наиболее ранних дворцов династии Насридов в Гранаде — Хенералифе (конец XIII – первая четверть XIV в.). Особое внимание уделено тем его архитектурным особенностям, что в дальнейшем повлияли на становление характерного «насридского» архитектурного стиля. Статья касается вопросов типологии комплекса (частного загородного дворца «мунии»), а также устройства и символики дворцового сада, планировочного решения дворцового здания и особенностей его декоративного убранства (в частности использования эпиграфического орнамента) на примере центрального пространства ансамбля — двора Канала и прилегающих к нему помещений. Методология исследования предполагает комплексный подход, включающий типологический, композиционный, художественно-стилистический и семантический анализ архитектурного памятника. Актуальность обращения к затронутым в статье вопросам определяется тем, что ансамбль Хенералифе остается малоизученным в контексте дворцовой архитектуры Насридов; при этом проведенный анализ демонстрирует ключевую роль данного памятника в истории развития испано-мусульманского искусства. Материалы исследования могут послужить отправной точкой в изучении процесса сложения насридского архитектурного языка, его планировочных, декоративных и символических особенностей.

DOI: 10.7256/2454-0625.2018.9.26697

Аннотация: Задачей настоящего исследования является анализ существующих в литературе представлений о происхождении и содержании русской иконографии Спаса в Силах; предметом — её отношение к западным и восточным аналогам и изображениям Видения пророка Иезекииля. В иконографии Спаса в Силах присутствуют особенности, дававшие исследователям основание видеть её источником непосредственно текст Книги Иезекииля, а её саму понимать как изображение Видения; появление её связывают со введением чтений из Иезекииля в русское богослужение. Методологическая основа статьи — междисциплинарный и комплексный подход: привлечение богослужебных рукописей, церковных описей и изображений: икон, фресок, книжных миниатюр и т.д. Новизна исследования заключается в привлечении большого числа памятников, в том числе — неопубликованных. В статье показано, что появление иконографии не синхронно введению чтений из Иезекииля в русское богослужение. Автор делает вывод, что большинство западных и восточных изображений Видения не имеет сходства с исследуемой иконографией и не может считаться её источником; прямая связь с текстом Иезекииля ставится под вопрос.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.2.17862

Аннотация: Предметом исследования является вклад в развитие отечественной испанистики А. Н. Бенуа. Объектом исследования стали характеристики испанских произведений живописи и в целом испанского искусства в написанных А. Н. Бенуа "Путеводителе по картинной галерее Эрмитажа" (1911) и "Истории живописи всех времен и народов" (192-1914). Привлекаются личные впечатления А. Н. Бенуа от его поездки в Испанию. Наибольшее внимание автора вызывают особенности восприятия и истолкования А. Н. Бенуа "старого" испанского искусства, прежде всего испанской живописи XVI-XVII веков. Автор статьи сопоставляет уровень, достигнутый в изучении старого испанского искусства до рубежа XIX-XX вв., и исследования А. Н. Бенуа, что позволяет ярче выделить роль последнего в изучении истории испанского искусства в России до 1917 г. Ранее роль А. Н. Бенуа как историка испанского искусства не затрагивалась в научной литературе. Автор статьи показывает значительность вклада в искусствоведение А. Н. Бенуа, работы которого по испанской тематике явились основой для развития отечественной испанистики в XX в. Благодаря труду А. Н. Бенуа преодолевается дихотомия между интересом к технике старых испанских мастеров и недооценкой их образного строя, между интересом русского общества к испанской культуре вообще и непониманием многих явлений этой культуры.

DOI: 10.7256/2454-0625.2019.12.31743

Аннотация: Статья посвящена особенностям организации алтарного пространства во францисканских церквях Умбрии c XIII по XVI вв. В статье подчеркивается типологическая и литургическая зависимость изначальной планировки церкви Сан Франческо в Ассизи от структуры апсид папских базилик в Риме (прежде всего Сан Пьетро и Сан Джованни ин Латерано). В свою очередь планировка главной базилики францисканцев повлияла практически на все церкви ордена в Умбрии (в Перудже, Читта ди Кастелло, Тоди, Борго Сансеполькро и др.). Хор в этих церквях располагался в заалтарном пространстве апсиды. Автор показывает, что опосредованно эта схема зависела от расположения трона папы вдоль дуги апсиды (в Сан Пьетро в Риме и в Сан Франческо в Ассизи). Сохранившиеся оригинальные алтари XIII–XIV вв. в церквях францисканцев позволяют поставить эти памятники в один стилистически-типологический ряд и выделить в отдельную категорию алтарей mensae: широкий каменный престол, окруженный стрельчатой аркадой. Анализ алтарного декора позволяет сделать определенные выводы о близости францисканских алтарей к раннехристианским саркофагам типа a colonne, подробно рассматривается казус использования саркофага в качестве гробницы блаженного Эгидия в церкви Сан Франческо аль Прато в Перудже. Показывается, что структура алтарного пространства и наличие монументальной алтарной преграды tramezzo во многом определили отсутствие в церквях францисканцев формы надалтарного кивория.

DOI: 10.7256/2454-0625.2021.4.35528

Аннотация: После поражения в Опиумной войне 1840 г. правительство китайской династии Цин осознало передовой характер западных технологий и культуры и приступило к всестороннему изучению западного опыта. Изучение китайскими художниками западной живописи стало важной частью этого процесса. Период 1900-1949 гг. был важным этапом в истории развития китайской живописи, который был связан с началом развития китайской масляной живописи. В данной работе проанализированы особенности развития китайской живописи посредством сопоставления соответствующих исторических документов, связанных с пятью культурными явлениями, возникшими в этот период, а также проведено обобщение этапов изучения западной живописи в Китае в данном историческом периоде. Проанализирован вклад и влияние китайских студентов на развитие китайской масляной живописи, изменения в живописных стилях, а также объединение китайского художественного опыта в западной масляной живописи, были рассмотрены особенности основных объединений китайских художников в этот период. Особенности развития масляной живописи в Китае включают в себя пять аспектов. Изучение западной живописи в Китае не было одобрением западной традиции масляной живописи, а скорее способом улучшения отсталой традиции Китая того времени, а также было средством повышения его международного статуса. Именно поэтому у китайского правительства стояла очень четкая цель в распространении западного искусства живописи в Китае. Политические реформы были важным фактором, способствующим этому культурному изменению. Благодаря данным реформам, происходившим в то время в Китае, развитие живописи стало одним из основных факторов развития китайской культуры и искусства.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.17793

Аннотация: Предметом анализа является картина Франсуа Фламенга, французского художника академиста, "Призыв Жирондистов". Являясь первой, и одной из самых ярких в цикле работ автора, посвященных Великой французской революции, она одновременно позволяет определить круг художественных интересов мастера в ранний период его творчества, показать, что благодаря разработке данной темы, он находился на передовой исторического жанра, чем и был во многом определен его последующий успех, выяснить, что эта работа несмотря на то, что была создана живописцем в довольно молодом возрасте, обнаруживает руку уже вполне состоявшегося мастера, задает вектор последующему творческому развитию Фламенга и намечает основные живописные направления, по которым будет двигаться в будущем художник. В статье автор идет от частного к общему и стремится на примере искусствоведческого разбора одной работы художника выявить не только основные тенденции, которые в дальнейшем будут определять его творчество и обозначить круг мастеров, оказавших влияние на развитие Фламенга как живописца, но и включить это произведение в общий культурно-исторический контекст, тем самым еще раз подчеркнув неоднозначность художественных процессов второй половины XIX в. Особое внимание автор статьи уделяет проблемам иконографии рассматриваемого полотна и влиянию новых художественных течений на живописную манеру Фламенга, с этой целью прибегая к историографическому, иконографическому и сопоставительному анализу. В результате проведенного исследования картины "Призыв жирондистов" автор приходит к выводу, что вопреки устоявшемуся мнению современных исследователей об ограниченности Франсуа Фламенга строго академическими рамками и о его следовании идеалам салонной живописи, художник не был чужд смелых иконографических решений и новых живописных тенденций.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.1.68570

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.12.24774

Аннотация: Предметом исследования статьи выступает проблема репрезентации символов и образов античной культуры в творчестве одного из наиболее значимых английских архитекторов и сценографов Иниго Джонса (1573 - 1652). Античное влияние интерпретируется не только в рамках формирования творческого метода И. Джонса, характеризующегося эклектическим взаимодействием двух разнонаправленных стилей – барокко и палладианства. Отдельным вопросом, подлежащим рассмотрению, является феномен осознанно конструируемого в его произведениях уровня символических смыслов, в котором образы античной культуры используются для трансляции государственной и властной концепции стюартовской Британии начала XVII в. Гипотеза И. Джонса о происхождении Стоунхенджа, рассматриваемая в статье, являет тому яркий пример. Методология исследования включает в себя описательную характеристику архитектурного и сценографического методов И. Джонса, историографический обзор исследовательской литературы, посвященной рассматриваемой теме, а также анализ текста трактата И. Джонса, посвященного проблеме происхождения Стоунхенджа. Научная новизна данной темы обусловлена малоисследованностью гипотезы И. Джонса о Стоунхендже в контексте аллегорической репрезентации властного мифа Стюартов. Выводы, формулируемые в статье, раскрывают малоизвестные аспекты символизации античной культуры в произведениях И. Джонса, а также значение этой гипотезы в рамках реализуемой в творчестве Джонса стратегии формирования образа государства и монарха.

DOI: 10.7256/2454-0625.2022.4.37849

Аннотация: Концентрация исследовательского внимания на построении художественной формы является необходимой частью изучения памятников изобразительного искусства. Данная статья посвящена художественному анализу иконографии Распятия на примере рассмотрения нескольких памятников древнерусской живописи конца XV – начала XVI вв. Исследуемые образы являются эталонными произведениями эпохи расцвета русского иконописного искусства. Их отличает хорошая сохранность авторского живописного слоя, что позволяет полноценно проанализировать художественную форму. Основами методологии в данном исследовании стали исторический подход, формально-стилистический и сравнительный анализы.В статье обращается внимание на отличительные свойства композиционной структуры каждого памятника, проводится поиск иконографического источника, анализируется взаимосвязь между изменением композиции и художественным содержанием. Сосредоточенность на определенной иконографии позволяет раскрыть характерность отдельного образа, выявить его художественную уникальность. При таком комплексном подходе возможным становится представить трактовку сюжета и историю создания иконного образа максимально объемно и с достаточно неожиданного ракурса. Сопоставляя памятники одной иконографии, созданные в рамках одного десятилетия, наиболее наглядно проявляется следование той или иной художественной традиции или школе в купе с индивидуальными нюансировками в прочтении сюжета иконописцем, при этом представляется широкий взгляд на развитие художественного языка в конкретный временной период. В результате исследования раскрывается специфическая особенность древнерусской живописи – следование узкой иконографической традиции нисколько не ограничивает художника в создании самостоятельного художественного образа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2017.4.19310

Аннотация: Волгоградский перформанс, да и в целом - современный художественный процесс - до сих пор не являлся предметом отдельного исследования, анализа и концептуализации, и, как результат, оказался незаслуженно нерепрезентирован в рамках крупных экспозиционных проектов и исследований регионального художественного процесса последних десятилетий. В статье рассмотрен процесс зарождения волгоградского перформанса на примере группы «Оркестрион», получившей всесоюзную известность в конце 1980-х гг. Судьба «Оркестриона» рассмотрена в тесной связи с историей серии легендарных фестивалей «Неопознанное движение», прошедших в Волгограде в 1987-1991 гг. Даная статья – это продукт двухлетнего исследования, основанного на: 1) интервью с современниками и участниками описанных событий, 2) неопубликованных рукописях, устных и письменных свидетельствах, а также 3) изучении местной периодики, позволившей восстановить фактологическую сторону объекта исследования, и представившей реакцию на описываемые события в контексте исторического момента их осуществления. На протяжении всего краткосрочного периода своего существования перформансы «Оркестриона» представляли собой целостное синкретичное действо, синтезирующее элементы новой академической музыки, нового джаза, пластики, дизайна, сценического и костюмированного действия, поэзии, кинестетической скульптуры, фотографии и видеоарта. Не смотря на то, что группа была представлена прежде всего на фестивалях новоджазовой и неоакадемической музыки, стоит признать, что на музыкальной сцене того времени «Оркестрион» стоял особняком, был совершенно оригинальным явлением, не имеющим аналогов и соответствий. Он заметно выделялся своей зрелищностью и отсутствием каких-либо джазовых стилевых примет. Именно поэтому «Оркестрион» стал одним из первых волгоградских авангардных коллективов, который сумел выйти за рамки города и получить международное признание.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.5.32829

Аннотация: В статье представлены результаты исследования изобразительных и текстовых источников, связанных с образом гиппокампуса или морского коня, в европейской культуре античности и раннего нового времени. Автор рассматривает направления использования этого образа римской культурой и усвоения этого персонажа искусствами нового времени по римским образцам. В рамках исследования используются не только изобразительные источники, но и другие случаи употребления образа гиппокампуса. Особенный акцент делается на воплощениях образа гиппокампа в предметах искусства и изображениях театрализованных представлений XVI века. В данном случае были применены семиотический и комплексный методы исследования. Также были использованы традиционные для искусствоведения методы, исторический и формальный анализ. Исследование подобных частных случаев позволяет увидеть общую картину источников формирования различных форм европейского искусства нового времени. Отдельный интерес для автора представляют воплощения образа гиппокампуса в театрализованных представлениях нового времени, как одного из атрибутов морских божества, а также случаи его использования.

DOI: 10.7256/2454-0625.2020.5.32824

Аннотация: В статье представлены результаты исследования изобразительных источников, связанных с восточными, и в частности турецкими женскими головными уборами и вариантами их рецепции европейскими художниками второй половины XVI-XVII веков. Предметом исследования является восприятие изобразительной и сценической европейской традициями некоторых форм турецких женских головных уборов XVI-XVII веков. Автор рассматривает различные изобразительные источники, описывающие, как источники европейских представлений о женских турецких головных уборов, так и сценические, аллегорические костюмы исследуемого периода. В случае с таким мульти-символьным образованием как театральный костюм неизбежно использование семиотического метода в исследовании. Также были использованы традиционные для искусствоведения методы, исторический и формальный анализ. Исследование подобных частных случаев позволяет увидеть общую картину источников формирования форм сценических европейских костюмов нового времени. В статье делается вывод о продолжительном и разнообразном применении форм турецких головных уборов в театрализованных и аллегорических изображениях исследуемого периода, их постепенном изменении и отходе от представления об этих формах, как чисто этнических.

DOI: 10.7256/2454-0625.2013.3.62834

Аннотация: статья посвящена экспрессионизму — художественному направлению, имевшему место в первых десятилетиях ХХ в. Ретроспекции в историю этого направления связаны с конференцией, посвященной Х. Вальдену — одному из представителей экспрессионистского движения в Германии — и организованной Государственным институтом искусствознания. Основной акцент в статье ставится на судьбе экспрессионизма в Советской Союзе, где немецкий экспрессионизм имел широкий резонанс и на некоторых художников оказал значительное влияние. Однако нельзя утверждать, что он получил здесь такой же широкий творческий размах, как в Германии. Автор пытается понять, почему экспрессионизм явился в большей степени выражением немецкого и в меньшей степени русского духа. Такая постановка вопроса позволяет поставить и вопрос о несходстве двух уникальных культур — русской и немецкой, имеющих и много общего.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.4.14818

Аннотация: Предметом исследования является знаменитый парижский музыкальный театр "Опера комик", которому в этом году исполнилось 300 лет. Автор прослеживает историю театра, основные этапы его развития и роль в истории музыкального и театрального искусства Франции. Большое место уделяется репертуарной политике театра на протяжении трех веков, а также знаменитым и вошедшим в историю оперы мировым премьерам - "Кармен" Бизе, "Манон" Массне, "Пеллеас и Мелизанда" Дебюсси и др. Особое место в историческом очерке занимает русская тема. Даются сведения о произведениях русских композиторов - Мусоргского, Бородина, Римского-Корсакова, ставившиеся на сцене театра, о русских оперных артистах, выступавших на этих театральных подмостках. При подготовке работы была проведена информационно-поисковая работа, изучены электронные архивы театра "Опера комик", использованы также такие первоисточники, как мемуары ряда музыкальных деятелей. Основными методами работы является текстуальный и семантический анализ источников, а также историко-культурный анализ контекста работы театра. Новизна настоящего исследования заключается в том, что оно является первым в нашей стране систематическим изложением истории парижского музыкального театра "Опера комик" от его основания и до наших дней, дающим достаточно полное представление о всех периодах и важнейших вехах его трехвековой истории. Данное исследование представляет собой инновативный метод представления эмпирических фактов как свидетельства исторической динамики культуры и эволюции культурной формы в сочетании синхронного и диахронного анализа.

DOI: 10.7256/2454-0625.2015.4.66548

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.16933

Аннотация: В данной статье особое внимание уделяется на исследование схожести обстоятельств художественного мира в Советском Союзе и Южной Корее 1960-70-х гг. когда формировалось новое движение в истории новейшего искусства в двух стран. Из-за разных административных и канонических препятствий в творческой деятельности молодых художников не согласующихся с устаревшими принципами искусства, художникам нового поколения пришлось найти прорыв из застойной ситуации художественного мира своих стран. В процессе того наблюдаются схожие подходы к решению проблемы. Для того, чтобы уточнить и предъявить читателям сходства, наблюдающиеся в истории двух отдаленных стран, автор использует метод сравнительного анализа исторических материалов. Особым вкладом автора в исследование темы является, что несмотря на большое расстояние между Российской федерацией и Республики Корея, автору удалось найти общую черту в истории современного искусства двух стран. В обеих странах одинаково наблюдался комменсализм между ведущими деятелями искусства и государственными властями. Вследствие этого, художники, чье творчество было отдаленное от требования официального мира искусства, развивали похожую стратегию выживания своего творчества и сопротивления сложившемуся обстоятельству, т. е. использование открытого пространства.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.68268

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.20465

Аннотация: В раннехристианском и средневековом искусстве Европы ветхозаветный сюжет о грехопадении - один из самых распространенных. Его иконография сложилась уже в III-IV вв. В устойчивой композиционной схеме не было второстепенных элементов. Каждая деталь была значимой частью, позволяющей адекватно толковать и визуализировать библейский текст. Тем удивительней отсутствие единого взгляда на идентификацию и характер изображения таких значимых деталей сюжета, как Дерево познания добра и зла и его «запретные плоды». В статье предлагается рассмотреть основные стратегии визуализации «запретного плода», широко используемые в европейской живописи III-XIII вв. Предложенная автором классификация включает три типа изображений: 1) отказ от визуальной фиксации плода (Дерево познания добра и зла изображается без каких-либо плодов, или они неразличимы, не опознаваемы); 2) попытка изобразить нечто предельно условное, не имеющее аналогов среди известных человечеству земных растений, то есть попытка найти визуальный эквивалент обобщенному библейскому определению «плод»; 3) идентификация «запретного плода» как одного из конкретных, существующих в реальности фруктов. Иконографический анализ широкого круга живописных источников, подкреплен привлечением апокрифических текстов, богословских трактатов, устных и письменных преданий. Несмотря на то, что в целом иконография сцены грехопадения сформировалась уже в раннехристианский период, единая стратегия изображения «запретного плода» на протяжении первых десяти веков существования европейского искусства так и не была выработана. Следуя за текстом Книги Бытия, опираясь на письменные толкования и комментарии, на апокрифы и устные предания, живопись предлагала основные варианты ответа на вопросы не только о внешнем виде и названии, но и о смысле и символике «запретного плода». Их можно рассматривать как отражение социокультурного контекста эпохи, системы представлений, взглядов и ценностей, имевших место в том или ином регионе Западной Европы, на том или ином историческом отрезке.

DOI: 10.7256/2454-0625.2016.5.68269