DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.19624

Аннотация: В творчестве латиноамериканских композиторов заметна устойчивая тенденция к созданию произведений, отражающих особенности мировосприятия жителей региона, в которых автохтонные элементы индейской и афроамериканской народной музыки находят преломление средствами новейших композиторских техник. Подобное явление в литературе получило наименование «магического реализма». Марлос Нобри (р. 1939) – один из наиболее ярких представителей бразильской композиторской школы, его музыка отличается эмоциональной насыщенностью, ясностью формы, свидетельствует о виртуозной композиторской технике. Магией «чудесной реальности» Латинской Америки проникнуты такие его произведения как «Укринкинмакринкин», «Яномани», «Каббала» и другие. В процессе изучения материала привлекалась методология стилевого и стилистического анализа. В вопросах жанровой типологии основное внимание уделялось методам сравнительного анализа, а также исторического исследования, предполагающих стадиальное рассмотрение отдельных явлений в рамках развивающихся художественных традиций. В произведениях Нобри наблюдается переплетение трех разностильных составляющих – авангардизма, как синонима новизны и эксперимента, неоклассицизма, как опоры на профессиональное искусство прошлого, и неофольклоризма, как олицетворения современной трактовки проблемы народности. Однако в качестве превалирующей характеристики необходимо выделить его бразильскую национальную принадлежность, проявляющуюся как в идейно-содержательном, так и в техническом аспектах его сочинений.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.19664

Аннотация: В начале ХХ века фортепианная музыка была очень популярна в Бразилии, поэтому она заняла значительное место в творчестве Эйтора Вила–Лобоса и Камарго Гуарниери, а затем пользовалась вниманием композиторов последующего поколения. В творчестве Жозе де Алмейда Праду (1943–2010) обращают на себя внимание десять фортепианных сонат и крупные циклы, они написаны не только известным композитором, но и профессиональным пианистом, сумевшим передать как типичные для музыки 60–70-х годов идеи, так и виртуозную специфику инструмента. Задачей настоящей статьи является формирование представления о эволюции фортепианного стиля композитора. В процессе изучения творчества композитора использовались методы стилевого и стилистического анализа, традиционные музыковедческие аналитические процедуры. Фортепианное творчество Алмейда Праду рассматривается в российском музыкознании впервые. Подчеркивается его значительное место в современном фортепианном репертуаре, органичное претворение современных тенденций и доминирование постмодернистской эстетики. Многие стилистические приемы, а также интерес к национальным темам позволяют характеризовать Праду как последователя Вила–Лобоса. Вместе с тем, в его композиционных приемах первых десятилетий заметен интерес не только к творчеству Мессиана, но также Гуарниери, Лигети и Булеза.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.19711

Аннотация: Статья посвящена анализу Третьей сонаты для скрипки и фортепиано (1991) Жозе де Алмейда Праду – одной из ярчайших камерных композиций позднего периода творчества. На сегодняшний день специфика, характерные черты и логические истоки творчества Праду лишь отчасти получили истолкование и интерпретацию в отдельных работах бразильских музыковедов. Задачей автора стало изучение особенностей стилистики сонаты, а именно анализ ее музыкального языка и строения, в частности, специфического комплекса тональных и модальных гармонических средств, многозвучной аккордики сложной структуры, а также формы и методов тематического развития. В ходе анализа автором использовались традиционные музыковедческие процедуры, применяемые в области современной гармонии и анализа. На основе анализа автором делаются выводы о том, что принципы тематического развития в сонате используются как классические – это разного рода имитации, перестановки голосов, варьирование отдельных элементов музыкального материала, так и специфические, продиктованные индивидуальными особенностями материала. В звуковысотной организации сонаты большую роль играют модальные выразительные средства, в целом же, звуковое полотно сонаты опирается на двенадцатитоновую систему, образующуюся в результате наложений диатонических звукорядов, тональных альтерационных ладов, использования многозвучной аккордики и полиаккордики. Подобный анализ сочинения выполнен впервые.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.19845

Аннотация: Бразильский композитор Эйтор Вила–Лобос (1887–1956) стал одним из первых представителей Нового Света, чьи произведения привлекли внимание европейской художественной общественности. Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк, разнообразен и круг образов его музыки. Вила–Лобос одним из первых исследовал бразильскую народную музыку, в начале ХХ века он посетил отдаленные уголки страны, где сохранились традиции индейцев и выходцев с африканского континента. В свете настоящей публикации нам было особенно интересно, как его творчество воспринималось и соотносилось с европейским культурным контекстом. В процессе подготовки статьи использовались методы культурно-исторического, стилевого и сравнительного анализа, работа с архивными материалами. Задачей публикации является представление творчества бразильского композитора в контексте европейского искусства. Среди многих произведений Вила–Лобоса цикл Бразильских Бахиан наиболее разнообразен по художественным образам и музыкальному материалу. Однако очевидно, что через высокие образцы европейского искусства композитор стремился вписать бразильскую музыку в корпус мировой культуры. В этом плане его Бахианы – один из примеров проявления неоклассицизма. Для Европы многое в интересе к творчеству Вила–Лобоса было обусловлено тем, что на рубеже веков возник пристальный интерес к забытым видам музыки Средневековья и Ренессанса, глубинной архаике, были ассимилированы пласты индейского и афро-бразильского фольклора.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.20123

Аннотация: Второй номер нашего журнала посвящен различным аспектам современной зарубежной музыки. Авторов наиболее интересовали проблемы эстетики и стилей, а также изучение специфики современных средств выразительности. Так, в статье доктора философских наук Е.И. Шапинской дается развернутый культурологический анализ картины средневекового немецкого художника Бернта Нотке «Пляска Смерти» и кантаты современного британского композитора Томаса Адеса в контекстах Средневековья и Постмодерна на основе дескриптивного метода, осуществлена попытка герменевтического анализа обоих культурных текстов. Однако особый акцент в нынешнем выпуске сделан на анализе творчества трех крупнейших бразильских композиторов – Эйтора Вила–Лобоса, Жозе де Алмейда Праду и Марлоса Нобри. Такое пристальное внимание к бразильской музыке объясняется тем, что в конце февраля 2016 года в Государственном институте искусствознания прошла международная конференция «Бразильская академическая музыка». Примечательным событием она стала благодаря тому, что музыка бразильских композиторов впервые стала предметом научного диалога в Москве: для большинства российских меломанов эта область современного творчества – пока экзотика. Конференция прошла на высоком уровне, гостей из Бразилии и специалистов по музыкальной культуре этой страны, а также слушателей из разных научных институтов приветствовали Чрезвычайный и Полномочный Посол Федеративной Республики Бразилии в Российской Федерации Антонио Жозе Валлим Геррейро, директор Института искусствознания, доктор искусствоведения Наталия Владимировна Сиповская, заместитель директора по научной работе, кандидат искусствоведения Елена Ивановна Струтинская и первый секретарь посольства, атташе по культуре Игорь Жермано. Инициатором проведения конференции стал Сектор теории музыки института, а выступления гостей из Бразилии и исполнение концертной программы были организованы при содействии Посольства Бразилии в Москве. Выбирая темы для докладов, организаторы стремились представить панораму бразильской музыки как можно более широко – тем более что специалистов, уделяющих внимание этой области современной музыки, совсем немного! Материалы некоторых докладов, подготовленных для конференции, представлены в основном корпусе статей номера. Конференцию открыл доклад «Вила–Лобос и европейская музыка» Валерии Николаевны Федотовой, кандидата искусствоведения, старшего научного сотрудника ГИИ. В свое время творчество Вила–Лобоса стало предметом кандидатской диссертации музыковеда, в своих публикациях она также представляла музыкальное искусство других стран Латинской Америки. Однако для своего доклада В.Н. Федотова заново изучила многие материалы французских архивов и отметила, что художественный синтез, который был осуществлен в произведениях Вила–Лобоса на высочайшем художественном уровне, позволил сочинениям композитора уже в 1920-е годы привлечь внимание широкой европейской публики и известных деятелей искусства. Особый интерес вызвал доклад о творчестве композитора Марлоса Нобре и «магическом реализме» Виталия Романовича Доценко, доктора искусствоведения, ведущего научного сотрудника Центра культурологических исследований Института Латинской Америки РАН, автора монографии «История музыки Латинской Америки XVI–XX веков» (2010). Марлос Нобре (р. 1939) – один из наиболее ярких представителей бразильской композиторской школы, в его творчестве нашли индивидуальное преломление основные направления музыки ХХ века – неофольклоризм, неоклассицизм, различные тенденции авангарда. Доклад Наталии Сергеевны Ренёвой, кандидата искусствоведения, доцента кафедры теории и истории музыки Государственной классической академии им. Маймонида, был посвящен анализу Третьей сонаты для скрипки и фортепиано (1991) Жозе де Алмейда Праду (1943–2010). Музыка этого композитора вызвала интерес и у другого докладчика – доктора искусствоведения, ведущего научного сотрудника ГИИ Ольги Валерьевны Собакиной. Мы надеемся, что знакомство с предложенными в этом номере журнала научными материалами станет продолжением диалога российских и бразильских музыкантов и будет содействовать научному и культурному сотрудничеству, а также интересу исполнителей и слушателей к яркой и запоминающейся музыке современных бразильских композиторов.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.40217

Аннотация: В творчестве латиноамериканских композиторов заметна устойчивая тенденция к созданию произведений, отражающих особенности мировосприятия жителей региона, в которых автохтонные элементы индейской и афроамериканской народной музыки находят преломление средствами новейших композиторских техник. Подобное явление в литературе получило наименование «магического реализма». Марлос Нобри (р. 1939) – один из наиболее ярких представителей бразильской композиторской школы, его музыка отличается эмоциональной насыщенностью, ясностью формы, свидетельствует о виртуозной композиторской технике. Магией «чудесной реальности» Латинской Америки проникнуты такие его произведения как «Укринкинмакринкин», «Яномани», «Каббала» и другие. В процессе изучения материала привлекалась методология стилевого и стилистического анализа. В вопросах жанровой типологии основное внимание уделялось методам сравнительного анализа, а также исторического исследования, предполагающих стадиальное рассмотрение отдельных явлений в рамках развивающихся художественных традиций. В произведениях Нобри наблюдается переплетение трех разностильных составляющих – авангардизма, как синонима новизны и эксперимента, неоклассицизма, как опоры на профессиональное искусство прошлого, и неофольклоризма, как олицетворения современной трактовки проблемы народности. Однако в качестве превалирующей характеристики необходимо выделить его бразильскую национальную принадлежность, проявляющуюся как в идейно-содержательном, так и в техническом аспектах его сочинений.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.40218

Аннотация: В начале ХХ века фортепианная музыка была очень популярна в Бразилии, поэтому она заняла значительное место в творчестве Эйтора Вила–Лобоса и Камарго Гуарниери, а затем пользовалась вниманием композиторов последующего поколения. В творчестве Жозе де Алмейда Праду (1943–2010) обращают на себя внимание десять фортепианных сонат и крупные циклы, они написаны не только известным композитором, но и профессиональным пианистом, сумевшим передать как типичные для музыки 60–70-х годов идеи, так и виртуозную специфику инструмента. Задачей настоящей статьи является формирование представления о эволюции фортепианного стиля композитора. В процессе изучения творчества композитора использовались методы стилевого и стилистического анализа, традиционные музыковедческие аналитические процедуры. Фортепианное творчество Алмейда Праду рассматривается в российском музыкознании впервые. Подчеркивается его значительное место в современном фортепианном репертуаре, органичное претворение современных тенденций и доминирование постмодернистской эстетики. Многие стилистические приемы, а также интерес к национальным темам позволяют характеризовать Праду как последователя Вила–Лобоса. Вместе с тем, в его композиционных приемах первых десятилетий заметен интерес не только к творчеству Мессиана, но также Гуарниери, Лигети и Булеза.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.40219

Аннотация: Статья посвящена анализу Третьей сонаты для скрипки и фортепиано (1991) Жозе де Алмейда Праду – одной из ярчайших камерных композиций позднего периода творчества. На сегодняшний день специфика, характерные черты и логические истоки творчества Праду лишь отчасти получили истолкование и интерпретацию в отдельных работах бразильских музыковедов. Задачей автора стало изучение особенностей стилистики сонаты, а именно анализ ее музыкального языка и строения, в частности, специфического комплекса тональных и модальных гармонических средств, многозвучной аккордики сложной структуры, а также формы и методов тематического развития. В ходе анализа автором использовались традиционные музыковедческие процедуры, применяемые в области современной гармонии и анализа. На основе анализа автором делаются выводы о том, что принципы тематического развития в сонате используются как классические – это разного рода имитации, перестановки голосов, варьирование отдельных элементов музыкального материала, так и специфические, продиктованные индивидуальными особенностями материала. В звуковысотной организации сонаты большую роль играют модальные выразительные средства, в целом же, звуковое полотно сонаты опирается на двенадцатитоновую систему, образующуюся в результате наложений диатонических звукорядов, тональных альтерационных ладов, использования многозвучной аккордики и полиаккордики. Подобный анализ сочинения выполнен впервые.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.40220

Аннотация: Бразильский композитор Эйтор Вила–Лобос (1887–1956) стал одним из первых представителей Нового Света, чьи произведения привлекли внимание европейской художественной общественности. Диапазон творческих интересов композитора необычайно широк, разнообразен и круг образов его музыки. Вила–Лобос одним из первых исследовал бразильскую народную музыку, в начале ХХ века он посетил отдаленные уголки страны, где сохранились традиции индейцев и выходцев с африканского континента. В свете настоящей публикации нам было особенно интересно, как его творчество воспринималось и соотносилось с европейским культурным контекстом. В процессе подготовки статьи использовались методы культурно-исторического, стилевого и сравнительного анализа, работа с архивными материалами. Задачей публикации является представление творчества бразильского композитора в контексте европейского искусства. Среди многих произведений Вила–Лобоса цикл Бразильских Бахиан наиболее разнообразен по художественным образам и музыкальному материалу. Однако очевидно, что через высокие образцы европейского искусства композитор стремился вписать бразильскую музыку в корпус мировой культуры. В этом плане его Бахианы – один из примеров проявления неоклассицизма. Для Европы многое в интересе к творчеству Вила–Лобоса было обусловлено тем, что на рубеже веков возник пристальный интерес к забытым видам музыки Средневековья и Ренессанса, глубинной архаике, были ассимилированы пласты индейского и афро-бразильского фольклора.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.2.40221

Аннотация: Второй номер нашего журнала посвящен различным аспектам современной зарубежной музыки. Авторов наиболее интересовали проблемы эстетики и стилей, а также изучение специфики современных средств выразительности. Так, в статье доктора философских наук Е.И. Шапинской дается развернутый культурологический анализ картины средневекового немецкого художника Бернта Нотке «Пляска Смерти» и кантаты современного британского композитора Томаса Адеса в контекстах Средневековья и Постмодерна на основе дескриптивного метода, осуществлена попытка герменевтического анализа обоих культурных текстов. Однако особый акцент в нынешнем выпуске сделан на анализе творчества трех крупнейших бразильских композиторов – Эйтора Вила–Лобоса, Жозе де Алмейда Праду и Марлоса Нобри. Такое пристальное внимание к бразильской музыке объясняется тем, что в конце февраля 2016 года в Государственном институте искусствознания прошла международная конференция «Бразильская академическая музыка». Примечательным событием она стала благодаря тому, что музыка бразильских композиторов впервые стала предметом научного диалога в Москве: для большинства российских меломанов эта область современного творчества – пока экзотика. Конференция прошла на высоком уровне, гостей из Бразилии и специалистов по музыкальной культуре этой страны, а также слушателей из разных научных институтов приветствовали Чрезвычайный и Полномочный Посол Федеративной Республики Бразилии в Российской Федерации Антонио Жозе Валлим Геррейро, директор Института искусствознания, доктор искусствоведения Наталия Владимировна Сиповская, заместитель директора по научной работе, кандидат искусствоведения Елена Ивановна Струтинская и первый секретарь посольства, атташе по культуре Игорь Жермано. Инициатором проведения конференции стал Сектор теории музыки института, а выступления гостей из Бразилии и исполнение концертной программы были организованы при содействии Посольства Бразилии в Москве. Выбирая темы для докладов, организаторы стремились представить панораму бразильской музыки как можно более широко – тем более что специалистов, уделяющих внимание этой области современной музыки, совсем немного! Материалы некоторых докладов, подготовленных для конференции, представлены в основном корпусе статей номера. Конференцию открыл доклад «Вила–Лобос и европейская музыка» Валерии Николаевны Федотовой, кандидата искусствоведения, старшего научного сотрудника ГИИ. В свое время творчество Вила–Лобоса стало предметом кандидатской диссертации музыковеда, в своих публикациях она также представляла музыкальное искусство других стран Латинской Америки. Однако для своего доклада В.Н. Федотова заново изучила многие материалы французских архивов и отметила, что художественный синтез, который был осуществлен в произведениях Вила–Лобоса на высочайшем художественном уровне, позволил сочинениям композитора уже в 1920-е годы привлечь внимание широкой европейской публики и известных деятелей искусства. Особый интерес вызвал доклад о творчестве композитора Марлоса Нобре и «магическом реализме» Виталия Романовича Доценко, доктора искусствоведения, ведущего научного сотрудника Центра культурологических исследований Института Латинской Америки РАН, автора монографии «История музыки Латинской Америки XVI–XX веков» (2010). Марлос Нобре (р. 1939) – один из наиболее ярких представителей бразильской композиторской школы, в его творчестве нашли индивидуальное преломление основные направления музыки ХХ века – неофольклоризм, неоклассицизм, различные тенденции авангарда. Доклад Наталии Сергеевны Ренёвой, кандидата искусствоведения, доцента кафедры теории и истории музыки Государственной классической академии им. Маймонида, был посвящен анализу Третьей сонаты для скрипки и фортепиано (1991) Жозе де Алмейда Праду (1943–2010). Музыка этого композитора вызвала интерес и у другого докладчика – доктора искусствоведения, ведущего научного сотрудника ГИИ Ольги Валерьевны Собакиной. Мы надеемся, что знакомство с предложенными в этом номере журнала научными материалами станет продолжением диалога российских и бразильских музыкантов и будет содействовать научному и культурному сотрудничеству, а также интересу исполнителей и слушателей к яркой и запоминающейся музыке современных бразильских композиторов.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.1.18288

Аннотация: Польское искусство начала ХХ века отличается преодолением жанровых ограничений, обогащением технических приемов благодаря синтезу выразительных средств литературы, живописи и музыки. Благодаря переосмыслению сюжетов античности в контексте модерна и символизма появились их новые интерпретации, другой частью этого процесса стал интерес к древним пластам национального фольклора. Написанные Каролем Шимановским в 1910–1920-х годах произведения продемонстрировали интенсивные поиски новых технических средств, характерные качества музыкального символизма, модерна, выразив в итоге представление композитора о национальном польском стиле. В работе использовались принципы стилевого и исторического подходов, стилистического и семантического анализа. При интерпретации музыкальных текстов использовались принципы герменевтики. Переосмысливая античную или средневековую мифологию, польские художники тяготели к постижению извечных проблем мироздания и одновременно обращались к национальным темам. Балет "Харнаси" и кантата Stabat Mater Шимановского выразили не только художественные тенденции своего времени, но и убедительно воплотили национальное самосознание, проявленное в форме обрядов и легенд.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.1.18739

Abstract: The subject of this research is the work of Ján Cikker (1911-1989), which remains virtually unknown in Russia, despite the fact that this composer is rightly acknowledged alongside Eugen Suchoňto be the founder of the modern composition school; it is no coincidence that out of his class graduated almost all notable composers of Slovakia. His work is marked by a special interest to opera, which remains a fairly rare phenomenon for the music of the XX century. Moreover, as his task he set the creation of such musical language that would combine modern forms with the national material. The author carefully examines the stages of life and formation of the creative principles of one of the renowned composers of the XX century. The main conclusions of the research consist in the fact that the creative style of Ján Cikker is distinguished by the clarity of idea, bright imagery, and inclination towards lyricism. The main theme of his work is the theme of human personality, developed in many works of various genres. The composer embodied the national theme and realized the national folklore on the highest level of composing mastery, but a special place for the Slovak culture is held by his operas.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.1.40209

Аннотация: Предметом статьи стало творчество Яна Циккера (1911–1989), которое остается практически неизвестным в России, несмотря на то, что композитор по праву признан наряду с Эугеном Сухонем основоположником современной композиторской школы, не случайно из его класса вышли почти все крупные композиторы Словакии. Его творчество отмечено особым интересом к опере, что для музыки ХХ века является довольно редким феноменом, кроме того, своей задачей он ставил создание такого музыкального языка, который бы сочетал современные формы с национальным материалом. Автор подробно рассматривает этапы жизненного пути и формирование творческих принципов одного из крупных композиторов ХХ века. В работе использовались принципы исторического и компаративного подходов, стилистического анализа и других аналитических музыковедческих процедур. Основные выводы исследования заключаются в том, что творческий почерк Яна Циккера отличают ясность замысла, яркая образность и склонность к лирике. Главная тема его творчества – тема человеческой личности, развитая во многих произведениях разных жанров. Композитор воплотил национальную тему и претворил национальный фольклор на высочайшем уровне композиторского мастерства, однако особое значение для словацкой культуры имеют его оперы.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.1.40211

Аннотация: Польское искусство начала ХХ века отличается преодолением жанровых ограничений, обогащением технических приемов благодаря синтезу выразительных средств литературы, живописи и музыки. Благодаря переосмыслению сюжетов античности в контексте модерна и символизма появились их новые интерпретации, другой частью этого процесса стал интерес к древним пластам национального фольклора. Написанные Каролем Шимановским в 1910–1920-х годах произведения продемонстрировали интенсивные поиски новых технических средств, характерные качества музыкального символизма, модерна, выразив в итоге представление композитора о национальном польском стиле. В работе использовались принципы стилевого и исторического подходов, стилистического и семантического анализа. При интерпретации музыкальных текстов использовались принципы герменевтики. Переосмысливая античную или средневековую мифологию, польские художники тяготели к постижению извечных проблем мироздания и одновременно обращались к национальным темам. Балет "Харнаси" и кантата Stabat Mater Шимановского выразили не только художественные тенденции своего времени, но и убедительно воплотили национальное самосознание, проявленное в форме обрядов и легенд.

DOI: 10.7256/2453-613X.2016.1.40213

Abstract: The subject of this research is the work of Ján Cikker (1911-1989), which remains virtually unknown in Russia, despite the fact that this composer is rightly acknowledged alongside Eugen Suchoňto be the founder of the modern composition school; it is no coincidence that out of his class graduated almost all notable composers of Slovakia. His work is marked by a special interest to opera, which remains a fairly rare phenomenon for the music of the XX century. Moreover, as his task he set the creation of such musical language that would combine modern forms with the national material. The author carefully examines the stages of life and formation of the creative principles of one of the renowned composers of the XX century. The main conclusions of the research consist in the fact that the creative style of Ján Cikker is distinguished by the clarity of idea, bright imagery, and inclination towards lyricism. The main theme of his work is the theme of human personality, developed in many works of various genres. The composer embodied the national theme and realized the national folklore on the highest level of composing mastery, but a special place for the Slovak culture is held by his operas.

DOI: 10.7256/2453-613X.2015.4.17399

Аннотация: Предметом статьи является сопоставление творчества известных польских композиторов ХХ века Анджея Пануфника (1914 – 1991) и Романа Палестера (1907 – 1989). К началу 50-х годов оба композитора успешно работали не только на родине, но и в странах Западной Европы. Однако стремление к свободе творческого выражения побудило их избрать нелегкий путь эмигрантов. С середины 50-х годов творчество Пануфника и Палестера оказалось под запретом в Польше, а все их последующие произведения ждал трудный путь к новым слушателям вначале в Англии и Швейцарии, а затем, начиная с 80-х годов, и на родине. Методология исследования основана на историко-культурном подходе и сравнительном анализе, привлекаются традиционные методы музыковедческого анализа. Новизна исследования заключается в сопоставлении творческих путей и композиторских принципов обоих композиторов, представлении их творчества российским читателям. Особенно подчеркивается, что, продолжая творческий путь в эмиграции, композиторы обращались не только к новым техникам композиции, но и к традициям польской музыки. Предпочитая традиционные жанры симфонической музыки, оба проявили незаурядную творческую изобретательность в индивидуальном подходе к додекафонии. Можно констатировать, что произведения Пануфника и Палестера, написанные в эмиграции, существенно обогащают картину развития современной польской музыки.

DOI: 10.7256/2453-613X.2015.4.40206

Аннотация: Предметом статьи является сопоставление творчества известных польских композиторов ХХ века Анджея Пануфника (1914 – 1991) и Романа Палестера (1907 – 1989). К началу 50-х годов оба композитора успешно работали не только на родине, но и в странах Западной Европы. Однако стремление к свободе творческого выражения побудило их избрать нелегкий путь эмигрантов. С середины 50-х годов творчество Пануфника и Палестера оказалось под запретом в Польше, а все их последующие произведения ждал трудный путь к новым слушателям вначале в Англии и Швейцарии, а затем, начиная с 80-х годов, и на родине. Методология исследования основана на историко-культурном подходе и сравнительном анализе, привлекаются традиционные методы музыковедческого анализа. Новизна исследования заключается в сопоставлении творческих путей и композиторских принципов обоих композиторов, представлении их творчества российским читателям. Особенно подчеркивается, что, продолжая творческий путь в эмиграции, композиторы обращались не только к новым техникам композиции, но и к традициям польской музыки. Предпочитая традиционные жанры симфонической музыки, оба проявили незаурядную творческую изобретательность в индивидуальном подходе к додекафонии. Можно констатировать, что произведения Пануфника и Палестера, написанные в эмиграции, существенно обогащают картину развития современной польской музыки.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.2.13278

Аннотация: Анджей Пануфник принадлежит к числу тех композиторов ХХ века, которые смогли создать собственную музыкальную лексику и технику композиции. Судьба признанного в послевоенной Польше композитора и дирижера с международной репутацией была драматична: в 1954 году он эмигрировал в Англию, и его музыка оказалась под запретом в странах Восточной Европы. Именно поэтому на протяжении десятилетий в России он оставался в тени славы других польских композиторов своего времени. После паузы в композиторском творчестве он реализует в своих сочинениях идеи, наиболее волнующие его и раскрывающие взаимосвязь музыкального мышления с геометрическими структурными элементами и природными явлениями. В работе использовались методы системного и исторического подходов, сравнительного и стилевого анализа, работа с литературными и музыкальными источниками. В творчестве Анджея Пануфника очевидно последовательное развитие традиций европейского симфонизма; обращаясь к таким традиционным жанрам, как симфония, концерт, увертюра, он «прочитывает» их заново и создает новые формы структурного мышления. Несмотря на оригинальность и смелость композиторских экспериментов, творчество Пануфника никогда не теряло связи с польской традицией и культурой, проявлявшейся в тематике его музыки и в сочетании абстрактного совершенства с эмоциональной содержательностью и рафинированными звуковыми красками его произведений. В отечественном музыковедении творчество Пануфника не анализировалось, за исключением отдельных публикаций автора этой статьи.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.2.13285

Аннотация: Andrzej Panufnik belongs to those composers, who were able to create their own musical language and technique of composing. The life way of prominent composer in postwar Poland and well-known conductor in Europe was dramatic: then he emigrated in England in 1954, his music turned out to be performed in the countries of the Eastern Europe. That’s why in Russia during decennials till now he didn’t share the fame, which the other Polish composers received. After some break in composing he realized in his works ideas, which were the most exiting for him and revealing the interaction between musical mentality, geometric schemes and nature’ phenomena. The features of Panufnik’ works consist in consequent development of traditions of the European music; using such traditional genres as symphony, concerto, overture, he interpreted them anew and created the new forms of musical structures. Differing in their individual construction of the forms, Panufnik’ symphonies are penetrated through really symphonic dramaturgy that emphasizes their attribution to classical symphonic traditions. In spite of pure originality and boldness of experiments, the works by Panufnik never lose the relationship with the Polish traditions and culture, which are revealed in the subjects of his music and also in the accordance of abstract perfection with the richness of emotional content. All this give us evidences of rare composer’ creative talent and explains the incontestable interest to his music. In the Russian musicology the works by Panufnik had no analyzed with the exception of some articles of the author.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.2.40167

Аннотация: Анджей Пануфник принадлежит к числу тех композиторов ХХ века, которые смогли создать собственную музыкальную лексику и технику композиции. Судьба признанного в послевоенной Польше композитора и дирижера с международной репутацией была драматична: в 1954 году он эмигрировал в Англию, и его музыка оказалась под запретом в странах Восточной Европы. Именно поэтому на протяжении десятилетий в России он оставался в тени славы других польских композиторов своего времени. После паузы в композиторском творчестве он реализует в своих сочинениях идеи, наиболее волнующие его и раскрывающие взаимосвязь музыкального мышления с геометрическими структурными элементами и природными явлениями. В работе использовались методы системного и исторического подходов, сравнительного и стилевого анализа, работа с литературными и музыкальными источниками. В творчестве Анджея Пануфника очевидно последовательное развитие традиций европейского симфонизма; обращаясь к таким традиционным жанрам, как симфония, концерт, увертюра, он «прочитывает» их заново и создает новые формы структурного мышления. Несмотря на оригинальность и смелость композиторских экспериментов, творчество Пануфника никогда не теряло связи с польской традицией и культурой, проявлявшейся в тематике его музыки и в сочетании абстрактного совершенства с эмоциональной содержательностью и рафинированными звуковыми красками его произведений. В отечественном музыковедении творчество Пануфника не анализировалось, за исключением отдельных публикаций автора этой статьи.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.2.40168

Аннотация: Andrzej Panufnik belongs to those composers, who were able to create their own musical language and technique of composing. The life way of prominent composer in postwar Poland and well-known conductor in Europe was dramatic: then he emigrated in England in 1954, his music turned out to be performed in the countries of the Eastern Europe. That’s why in Russia during decennials till now he didn’t share the fame, which the other Polish composers received. After some break in composing he realized in his works ideas, which were the most exiting for him and revealing the interaction between musical mentality, geometric schemes and nature’ phenomena. The features of Panufnik’ works consist in consequent development of traditions of the European music; using such traditional genres as symphony, concerto, overture, he interpreted them anew and created the new forms of musical structures. Differing in their individual construction of the forms, Panufnik’ symphonies are penetrated through really symphonic dramaturgy that emphasizes their attribution to classical symphonic traditions. In spite of pure originality and boldness of experiments, the works by Panufnik never lose the relationship with the Polish traditions and culture, which are revealed in the subjects of his music and also in the accordance of abstract perfection with the richness of emotional content. All this give us evidences of rare composer’ creative talent and explains the incontestable interest to his music. In the Russian musicology the works by Panufnik had no analyzed with the exception of some articles of the author.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.1.12473

Аннотация: The interest in new artistic trends and viable means of expression became the distinctive feature of Polish music of the second half of the 20th century. In their aspiration for the creation of an individual style, Kazimierz Serocki and Bogusław Schaeffer enriched their musical language with usage of sonoristic, aleatory and serial techniques. The main direction of Serocki’s works was the search for new sound qualities, new means of usage of traditional musical instruments. The quest for stylistic synthesis can be considered to be the distinctive feature of the Polish school of composition of the 1960s and 1970s, since it was along this path, in particular, that the most artistically significant works were created. Particularly in this direction that Serocki brought along extensive changes of sound technique, which justified is fame as one of the most outstanding sonoristic composers. The musical development in Schaeffer’ piano works is determined by idea of “decomposition” and contains a multitude of interpretations. Following the aleatory ideas in various forms, during many years Schaeffer also introduced in his works the dodecaphony and serial principles.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.1.12474

Аннотация: Интерес к новым художественным направлениям и актуальным средствам выразительности стал отличительным качеством польской музыки второй половины ХХ века. Стремясь к созданию индивидуального стиля, Казимеж Сероцкий и Богуслав Шеффер обогатили свой музыкальный язык приемами сериализма, сонористики, алеаторики. Стремление к стилистическому синтезу можно считать отличием польского композиторского творчества 1960 – 1970-х годов, именно на этом пути рождались наиболее художественно значимые творческие явления, в том числе, в области фортепианного творчества. Стилистический анализ, структурно-функциональный анализ, системный подход. Существенное значение имели практическое исполнительское овладение музыкальным материалом, изучение записей исполнительских интерпретаций, а также сравнительного анализа. Основным направлением творчества Сероцкого был поиск новых звуковых качеств, новых способов использования традиционных музыкальных инструментов. Именно развиваясь в этом направлении, он получил признание как наиболее выдающийся композитор-сонорист. Музыкальное развитие в фортепианных произведениях Шеффера обусловлено идеей «декомпозиции» и предполагает множественность исполнительских интерпретаций. Придерживаясь идей алеаторики в самых разных формах, Шеффер также развивал принципы додекафонии и сериализма в своих композиция на протяжении многих лет.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.1.40156

Аннотация: The interest in new artistic trends and viable means of expression became the distinctive feature of Polish music of the second half of the 20th century. In their aspiration for the creation of an individual style, Kazimierz Serocki and Bogusław Schaeffer enriched their musical language with usage of sonoristic, aleatory and serial techniques. The main direction of Serocki’s works was the search for new sound qualities, new means of usage of traditional musical instruments. The quest for stylistic synthesis can be considered to be the distinctive feature of the Polish school of composition of the 1960s and 1970s, since it was along this path, in particular, that the most artistically significant works were created. Particularly in this direction that Serocki brought along extensive changes of sound technique, which justified is fame as one of the most outstanding sonoristic composers. The musical development in Schaeffer’ piano works is determined by idea of “decomposition” and contains a multitude of interpretations. Following the aleatory ideas in various forms, during many years Schaeffer also introduced in his works the dodecaphony and serial principles.

DOI: 10.7256/2453-613X.2014.1.40157

Аннотация: Интерес к новым художественным направлениям и актуальным средствам выразительности стал отличительным качеством польской музыки второй половины ХХ века. Стремясь к созданию индивидуального стиля, Казимеж Сероцкий и Богуслав Шеффер обогатили свой музыкальный язык приемами сериализма, сонористики, алеаторики. Стремление к стилистическому синтезу можно считать отличием польского композиторского творчества 1960 – 1970-х годов, именно на этом пути рождались наиболее художественно значимые творческие явления, в том числе, в области фортепианного творчества. Стилистический анализ, структурно-функциональный анализ, системный подход. Существенное значение имели практическое исполнительское овладение музыкальным материалом, изучение записей исполнительских интерпретаций, а также сравнительного анализа. Основным направлением творчества Сероцкого был поиск новых звуковых качеств, новых способов использования традиционных музыкальных инструментов. Именно развиваясь в этом направлении, он получил признание как наиболее выдающийся композитор-сонорист. Музыкальное развитие в фортепианных произведениях Шеффера обусловлено идеей «декомпозиции» и предполагает множественность исполнительских интерпретаций. Придерживаясь идей алеаторики в самых разных формах, Шеффер также развивал принципы додекафонии и сериализма в своих композиция на протяжении многих лет.

Аннотация: Польская музыка 1960-х г.г. выделяется развитием экспериментальных направлений, среди которых наиболее ярким достижением стала сонористика. Особое место в развитии стилистики этого направления занимает творчество Казимежа Сероцкого, фортепианные композиции которого анализируются в данной статье. Тенденция развития сонорики оказалась наиболее устойчивой и перспективной, а открытый Сероцким звуковой мир с его собственной художественной проблематикой, пульсирующей драматургией эмоций остался по-прежнему актуальным. Именно эта сонорная основа дает возможности обогащения современного музыкального языка на основе взаимодействия с другими выразительными средствами. Новый красочный звуковой мир Сероцкого стал особым явлением современной музыки, он открыл дорогу целому направлению, поскольку оказался не столько радикально новаторским, сколько богатым, воплотившим исключительную изобретательность и мастерство.

Аннотация: Интерес к новым художественным направлениям и актуальным средствам выразительности стал отличительным качеством польской музыки второй половины ХХ века. Стремясь к созданию индивидуального стиля Казимеж Сероцкий и Богуслав Шеффер обогатили свой музыкальный язык приемами сериализма, сонористики, алеаторики. Стремление к стилистическому синтезу можно считать отличием польского композиторского творчества 1960 – 1970-х годов, именно на этом пути рождались наиболее художественно значимые творческие явления.